creative*glasses

Future of Gaming

2012-01-18T00:15:00.001-08:00

Es gibt einige sehr interessante Ansätze in dieser PSFK-Präsentation, wie man Geschichten/Sachverhalte mit Spielen verdeutlichen kann.

PSFK Future of Gaming Report [Preview]

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Storytelling und Marketing - Nachtrag

2012-01-16T04:59:00.000-08:00

Ein kurzer Nachtrag zu meinem Post: Storytelling Structures - 5 Gründe warum Marketing, Werbung und Digital einen strukturierten Blick auf Geschichten braucht.

Manchmal ist es toll über Präsentationen zu stolpern, die viele Gedanken, die mir durch den Kopf gehen, in Form gießen.

Wenn Marketing das Thema Engagement in den Griff bekommen will, sollte es nach Stories suchen und von der Film- und Games-Branche lernen:

How storytelling can enhance digital projects

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Storytelling Structures - 5 Gründe warum Marketing, Werbung und Digital einen strukturierten Blick auf Geschichten braucht.

2012-01-13T06:35:00.000-08:00

Das neue Interesse an Storytelling im Marketing.

Marken erzählen Geschichten. Das ist nichts Neues. Es sind die Geschichten, die in der Kommunikationsarbeit inszeniert werden, die eine Marke mit Bedeutungen und Images aufladen.

"Gute Geschichten stellen einen Helden vor, der durch einen Konflikt muss. Dieser Konflikt wird auf eine ganz eigene Art gelöst und dann Ende gibt es ein Happy End. Jede Marke schöpft aus dem Reservoir kollektiver Sehnsüchte und repräsentiert eine individuelle Lösungsstrategie [...]. Darin liegt die stabile und zeitlose Quelle der Markenbestimmung." Planner Kim Birtel in APG Strategy Corner, Oktober 2011

Helden und Konflikte. Die daraus entstehende Empathie treibt auch große Marketing-Storys wie bei Gatorade Replay und ganz kleine wie bei der BMW Weihnachtskarte.

(Gatorade Replay: Alte Helden, neue Herausforderungen)

(BMW Weihnachtskarte: Ein Held gegen die Maschine)

Doch gerade Aktionen wie diese bestärken mich in dem starken, subjektiven Gefühl, ein steigendes Interesse an Storytelling im Marketing wahrzunehmen. Dazu passt nicht nur, dass Nina Rieke sogar schon Pralinen gefunden hat, die sich mit "Storytelling" schmücken.

Auch Google Insight scheint mich in meinem Verdacht zu bestätigen. Es wird immer mehr nach 'storytelling' und 'marketing' gesucht.

Kim Birtel schreibt, Storytelling avanciere gerade zu einem neuen Lieblingsthema in der Marketingindustrie. "Dabei war das Thema nie weg, aber wir waren einfach verdammt schlecht darin."

Warum eigentlich?

Aus der eigenen Erfahrung glaube ich, dass vielfach der tiefe Blick in Funktionsweisen von Stories gescheut wird. In der täglichen Praxis reicht es of aus, sich von erfolgreichen Cases inspirieren zu lassen. Daran ist nichts auszusetzen, solange es funktioniert.

Das wachsende Interesse an Storytelling erscheint mir als ein starkes Indiz, dass viele ein Problem in den Geschichten sehen, die im Marketing erzählt werden. Ein guter Zeitpunkt vom geliebten "Hands-on"-Modus zurück zu treten und den Blick auf Geschichten zu schärfen.

Ich denke, um bessere und erfolgreichere Geschichten erzählen zu können, ist ein neuer strukturierter Blick auf Geschichten und Storytelling nötig.

Dafür sehe ich fünf Gründe, für einen neuen Blick auf Storytelling, die ich unten erläutere:

Der Medienwandel fordert neue Geschichten
Transmedia ist eine leere Hülse ohne Storytelling.
Strukturelles Wissen über Storytelling ist längst keine Realität im Marketing.
Weil Storys strukturelle Merkmale haben, die sich auf drei Ebenen fassen lassen.

Story-Container (internen Elemente von Geschichten)
Story-Graph (das Zusammenspiel von Geschichten)
Audience API (die Schnittstellen zum Publikum)

Wissen beflügelt Talent

Los gehts:

1. Der Medienwandel fordert neue Geschichten.

Wir befinden uns in einem digitalen Medienwandel. Das muss ich heute niemandem mehr erzählen.

Mit der Digitalisierung ändern sich die Rahmenbedingungen des Erzählens. Die Aufmerksamkeit Konsumenten verteilt sich über Plattformen und Devices. Marken-Stories konkurrieren auf gleicher Ebene mit Nachrichten von Freunden, Hollywood-Content und Videospielen. Der etablierte Distributionsweg für Markenkommunikation (das Anheften an reichweitenstarke Medien) verliert an Nutzen. Und Publikumsinteresse verpufft in diesem Überangebot mit einem Klick.

Martin Weigel macht in seinem Blogpost Reconciling The Tension Between Code and Story deutlich, dass Marken ihre Geschichten heute nicht mehr nur in klassischen Erzählformen (Print/TV-Spot) erzählen dürfen. Sie müssen auch auf neue digitale Aktivitäten zurückgreifen, die die Markengeschichte im Kopf des Konsumenten ebenso mit-formen, wie Produkt- und Serviceerlebnisse. Es geht also weniger darum eine fixierte Marke mit Einzelgeschichten aufzuladen, als die Moleküle zu finden, die eine konsistente Markengeschichte beim Nutzer entstehen lassen.

Also statt diesem Denken:

empfiehlt Weigel so zu denken:

Allerdings finde ich Weigels Definition nur klassische, lineare Erzählformen als Storytelling zu begreifen und den Rest zu Code oder Stuff zu erklären nicht schlüssig. Aber der Blog-Artikel macht deutlich, dass wir den Blick auf unsere Vorstellung davon was Storytelling ist überprüfen müssen. Vor allem müssen wir klären, wie wir mit der Aktivität des Users umgehen.

And herein lies the other shift in perspective required. We need to start remembering that ultimately it is the consumer who assembles the final story (Martin Weigel).

Das Social Web hat die Machtverhältnisse viel stärker auf die Seite des Users verschoben. Während Zuschauer im Zeitalter der Massenmedien wenig Entscheidungsgewalt oder gar interaktiven Einfluss auf die Inhalte hatte, springen sie heute mit einem Klick von einem Angebot zum anderen - sobald die Story langweilt.

In diesem gravierenden Wandel von einer Push- zur PULL-Ökonomie wird eine spannende Geschichte, die Menschen fesselt, gerade für Marken lebenswichtig, um nicht an Relevanz zu verlieren.

Das Cluetrain Manifest hat vor vor vielen Jahren behauptet hat, dass Märkte Gespräche sind. Heute wird spürbar, dass man etwas zu erzählen haben muss, um im Gespräch zu bleiben. Oder man beschränkt sich darauf bis in alle Zeit auf allen Kanälen iPads zu verlosen zur Freude der Facebook-Gewinnspiel "Mafia". Wer diesen Weg nicht gehen will, braucht heute weniger Botschaften, Positionierungen oder Images, sondern Geschichten. Geschichten, die Gespräche anstiften und am Laufen halten.

Nur wie in den unerschöpflichen, digitalen Möglichkeiten die richtige Geschichte finden? Auf welchen Plattformen soll sie wie laufen? Ist Content King oder das Publikum?

Coca Cola setzt in ihrer Content-Strategie 2020 auf die Strategie des "Liquid Storytelling".
(Dies ist Teil 1 des Videos)

In die Praxis übersetzt heißt Liquid-Storytelling: Da man nie sicher weiß, wie eine Story ankommt, wird künftig ein Teil des Budgets reserviert, um gewagte Story-Ideen zu testen. Was erfolgreich wird, geht dann in den Kanon der etablierten Maßnahmen ein. Übersetzt heißt das: Mut zum Risiko.

Ein anderer Ansatz wird immer lauter unter dem Schlagwort "Transmedia Storytelling" diskutiert.

Die Theorie hinter dem Begriff verspricht, dass Geschichten über lineare und interaktive Medienplattformen aufgefächert werden können. Aus dem Zusammenspiel der Plattformen entsteht dann für das Publikum ein fesselndes Gesamterlebnis. In gewisser Weise ist Transmedia Storytelling, die inhaltliche Betrachtung des Brand Molekule Konzeptes von John Grant.

Transmedia Storytelling ist eine spannende Idee - besonders in Zeiten in denen die Auswahl der Kommunikations-Touchpoints immer schwieriger wird.

Daher wird "Transmedia Storytelling" auch in Deutschland immer vielfältiger diskutiert. Bisher allerdings hauptsächlich im genuin erzählerischen Kontext von Film und Buch. So hat sich die Frankfurter Buchmesse mit dem Thema bereits im letzten Jahr auseinander gesetzt. Und in Berlin formiert sich ein Transmedia-Austauschzirkel aus Interessierten, wie Dorothea Martin, die im Film- und Verlagswesen ihre Wurzeln haben.

Ich bin mir sicher, dass transmediales Erzählen als Geisteshaltung im Marketing einziehen wird. Vor diesem Hintergrund habe ich gemeinsam mit der Good School und der Page ein Seminar-Format für Marketing-Profis aus der Taufe gehoben, die sich dem Thema annehmen wollen: BOOM! - Das Transmediale Story-Training.

Doch ist Transmedia die Rettung?

2. Transmedia ist eine leere Hülse ohne Storytelling.

Zu Beginn des letzten Jahres habe ich Transmedia-Storytelling zu meinem Thema des Jahres erklärt. Ich habe mich in die Debatte eingelesen, eingeklinkt und debattiert. Dabei habe ich viele spannende Leute kennengelernt. Allerdings auch festgestellt, dass das Thema eine Tendenz hat, sich in Technik-Diskussionen zu verheddern. Und genau das Ausblenden des Storytelling schadet, dem eigentlich intelligenten Konzept.

So gibt es bereits Stimmen, die in "Transmedia Storytelling" den nächsten Hype nach Social Media sehen und sich über die Aushöhlung des Begriffs beklagen:

Und ich muss zugeben, die Parallele zum Social-Media-Hype ist deutlich: Es wird lieber über die Plattformen gesprochen als über die Inhalte, Strukturen und Mechanismen dahinter.

Right from the birth of broadcasting, the word "programme" was used to describe the service audiences were getting. It perfectly describes a curated sequence of elements occupying a section of time. The word "programme" described the relationship between these elements: they belonged to the same set, but didn't affect one another; the relationship was linear, exclusive and temporal. Tune in or miss out.

"Programme" was a one-word user manual for radio listeners and producers. It still is: "television programme" describes that product with a simplicity and accuracy that is almost the perfect opposite of "transmedia" or "multiplatform". The first is a noun; the other two are -- at best -- bloody obvious in the 21st century. (Paul Bennun in wired.co.uk.)

Auch bei der Diskussion um "Transmedia-Storytelling" steht mir die Story nicht oft genug im Vordergrund. Statt dessen wird gefeiert, wenn es eine Facebook-Seite zu einer "Story" gibt oder eine iPad App. Oder es dreht sich darum, welche Kanäle miteinander vernetzt werden müssen, damit man eine Aktion "transmedial" nennen kann.

Um Storytelling und die Struktur von Geschichten wird sich hingegen nur stiefmütterlich gekümmert. Mich würde es nicht wundern, wenn sich mancher Social Media Berater 2012 zum Transmedia Storyteller umdeklariert, um SEO zu betreiben und nicht etwa weil er sich intensiv mit Geschichten auseinander gesetzt hat.

Dabei ist es die Story, die die Kanäle zusammenhält. Je mehr Kanäle und Möglichkeiten zur Kommunikation entstehen, desto genauer sollte bekannt sein, was eine Marke erzählen will.

"So rather than rush in and start telling stories (or indeed writing code), perhaps we should begin by asking what our brand’s story is: Who is our brand? What need, want or desire does it help us achieve? What gets in the way of us achieving this goal? And how does our brand help us overcome this to achieve what they want? Once we’ve a view of this, we can then ask ourselves “What should we do that lets people know about this, remember this, or experience this?” Sometimes the answer might be story." (Martin Weigel)

Hier sind vor allem die Marketing-Abteilungen der Unternehmen gefragt. Sie kommen in die Pflicht zum "Corporate Transmedia Storyteller" zu werden. Sie müssen die Ziele und Grundgeschichten einer Marke konstruieren, die in vielfältige Mikrogeschichten integriert und erzählt werden kann.

Agenturen künftig ohne einen Story-Ansatz zu briefen - ohne zu wissen, was man erzählen möchte - ist wie einen Baumarkt ohne eine Idee zu betreten und den Verkäufer zu fragen, was man mit all den Werkzeugen denn jetzt bauen kann.

Doch was macht eine gute Story aus? Wissen wir das wirklich so genau?

3. Strukturelles Wissen über Storytelling ist längst keine Realität im Marketing.

In einem sehr spannenden Post hat Vanessa Miemis, Autorin es Blogs "emergent by design", Storytelling zu einem 'Essential Skill to survive the 21st Century" erklärt:

Darin ist die Aufforderung formuliert, sich intensiv mit Storytelling zu beschäftigen, will man sich in der neuen Medienwelt zurecht finden. Doch die Realität im Umgang mit Geschichten sieht im Marketing und Agenturen meistens anders aus. Sie lässt sich am besten mit dem bekannten Zitat des Philosophen Wittgenstein beschreiben:

"Die Grenzen meiner Sprache sind die Grenzen meiner Welt"

Die Situation habe ich schon sehr of im Arbeitsalltag erlebt: Die Casting-Idee lag voll im Trend. Die Motive stimmen, die iPhone-App sieht gut aus, die Website ist geplant und der strategische Ansatz war klasse - aber irgendwie möchte der Funke beim Publikum nicht überspringen.

Neben vielen anderen Faktoren, kann es gut sein, dass die Story hinter den Maßnahmen nicht stimmt. Das Drehbuch der Aktivitäten nimmt keine Fahrt auf. Es fehlt Spannung. Es fehlt der Grund zum zuhören oder mitmachen.

Aber wie findet man den Fehler? Wie macht man die scheinbar fehlenden Zutaten greifbar? Oft versagt die Sprache bei den Details von Geschichten. Die Kritik kann sich vielfach nur auf das formulieren von Gefühlen berufen, aber keine Stellschrauben benennen.

"Das muss noch sexy werden"
"Das ist mir nicht edgy genug"
"Das funktioniert so nicht"
"Das ist nicht spannend"

Und selbst die besten Storyteller einer Branche, die die Zutaten für spannende Geschichten aus der Erfahrung heraus beherrschen, werden oft sprachlos, wenn sie die Kategorien guter Stories versprachlichen müssen. Das wird vor allem dann schwierig, wenn das gewohnte Medien-Terrain verlassen wird. Allerdings wird das ständige Verlassen gewohnter Medien-Territorien zu einer Kernkompetenz der Zukunft. Denn Facebook wird sicherlich nicht die letzte Medien-Innovation sein.

Um so mehr macht das Fehlen von Begriffen die Kommunikation zwischen Kunden, Kreativ-Team und zunehmend auch Software-Entwicklern schwierig. Deshalb halte ich es für strategisch wichtig, sich nicht nur intensiv mit den technischen Innovationen zu beschäftigen, sondern ebenso mit den Meta-Kategorien und Funktionen von Geschichten und Dramaturgie.

Marketing braucht dabei nicht bei Null anzufangen.

Es gibt einige wenige Werke zu Storytelling, die sich direkt an Marketing oder PR richten. Oder man lässt sich von dem Storytelling-Wissen anderer Branchen inspirieren.

Gerade in den Bereichen Film und Videospiel, die immer schon darauf angewiesen waren starken Pull-Content zu entwickeln, findet sich viel Literatur. Und auch in der Unternehmensberatung gibt es Storytelling-Ansätze. Sie beschäftigen sich mit dem Wert von Geschichten für Change- und Wissensmanagement.

Vor diesem Hintergrund finde ist es fahrlässig, sich nicht um eine strukturierte Betrachtung von Geschichten zu kümmern. Natürlich wird es immer wieder Storytelling-Naturtalente geben, die sich rein auf ihre Intuition verlassen können - oder auf Glücksgriffe.

Doch es schadet nie sich genauer mit den Funktionsweisen des Storytelling zu beschäftigen - auch wenn das wahres Talent nicht ersetzen kann.

Nur wie sehen solche Strukturen aus?

4. Storys haben strukturelle Merkmale haben.

Geschichten haben strukturelle Merkmale - "Stellschrauben" an denen sich ihre Relevanz und Qualität entscheidet. Einen Überblick über die Grundrezepte des Storytelling habe ich in dem Post "7 Storytelling Zutaten" gegeben. Nun geht es in die Tiefe.

Verlässt man die Vogelperspektive ist die große Schwierigkeit, dass jede Branche, die sich mit Geschichten beschäftigt, andere Kategorien benutzt. Fragt man einen Werber, einen Journalisten, einen Game-Designer oder einen Regisseur was eine Geschichte ist, wird man wahrscheinlich vier verschiedene Antworten bekommen. Das ist nicht weiter schlimm, solange jede Medienform von einander getrennt arbeitet. Es wird allerdings zu einer Herausforderung, wenn die vielbeschworenen Konvergenz zuschlägt und zuvor getrennte Silos zusammenwachsen.

Selbst die Game-Industrie, die lange als Zukunftstreiber der Kommunikation gefeiert wurde, scheint zu schwächeln. Das mag auf der einen Seite an dem wachsenden Zuspruch für Free2Play-Online-Spiele liegen. Ich vermute es liegt auch daran, dass sich der Markt mit immer gleichen Spielprinzipien (Shooter etc.) und Stories übersättigt.

Wie aber kann man Storys und Storytelling über die Medien- und Branchengrenzen hinweg denken?

Vielleicht brauchen wir eine neue Metapher.

In "The Story Factor - Inspiration, Influence, and Persuasion through the Art of Storytelling" von Annette Simmons findet sich diese Definition einer Geschichte:

"Story is like mental software that you supply so your listener can run it again laster using new input specific to the situation." (Seite 41)

In dieser Definition steckt eine Spur, der ich in diesem Jahr gemeinsam mit Valentin Heyde folgen möchte.

Wir betrachten Storys als "Emotional Software for the Mind"

Mit dieser zugegeben breiten, metaphorischen Metapher haben wir uns auf die Suche begeben nach einer pragmatischen Funktionsbetrachtung von Geschichten. Denn wir glauben, dass sich das Wissen aus Gaming, Film, Print und Marketing integrieren lässt.

Den Gedanke sich durch Software-Entwicklung zu inspirieren zu lassen, finden wir deshalb spannend, weil sich Geschichten und Software in zwei gewichtigen Punkten ähneln:

Beides bestehen aus Code und werden in einem komplexen Rechner ausgeführt. Nur, dass das menschliche Gehirn nie genau wie ein Computer reagiert.

Diese Funktionsbetrachtung ist für uns eher eine Art Kompass, als ein stets gültiger Bauplan. Eine Basis auf der Geschichten optimiert werden können und Kreative und Techniker vielleicht eine gemeinsame Sprache finden.

Derzeit konzentrieren sich die Überlegungen auf drei Richtungen:

1. Der Story-Container

Wir betrachten Stories als einen 'Datensatz' oder Container, der aus vielen Einzel-Elementen besteht. Diese Elemente greifen ineinander - lassen sich jedoch meistens einzeln ansteuern.

Nach der Literatur-Recherche haben wir diese Elemente in dem Story-Container verordnet. In den nächsten Wochen werden wir sie im einzelnen vorstellen, an Cases testen und neue hinzufügen.

Dabei möchten wir damit experimentieren, wie sich die Veränderung eines Elementes bereits auf alle anderen und damit auf die Wahrnehmung der Story auswirken kann. Was passiert, wenn man ähnlich wie bei Software eine Variable austauscht (z.B. story.mechanic.plotstructure.genre(Drama) in story.mechanic.plotstructure.genre(Comedy)).

2. Story-Graph

Jede Geschichte besteht aus Sub-Storys. Das gilt sowohl für einen Kinofilm, dessen Geschichte aus Sequenzen, Szenen, Bildern und Einstellungen besteht. Es gilt für viele Videospiele, die aus Leveln, Räumen und Karten bestehen. Bücher haben Kapitel.

Marken erzählen ihre Geschichte molekular an ganz unterschiedlichen Touch-Points von Print bis POS. Dabei gelingt es wenigen (wie Apple oder Nike an den meisten Touch-Points konsistent zu sein).

Als Story-Graph bezeichnen wir das Netzwerk von Geschichten. Wie und an welchen Knoten-Punkten greifen sie ineinander.

(Bildquelle: http://www.cs.cmu.edu/~jparise/research/storytelling/structure/)

3. Audience API

In der Software Entwicklung steht API für 'application programming interface (API)' zu deutsch Programm-Schnittstelle. Eine API erlaubt die schnelle Anbindung eines Quelltextes an ein System.

Wir nutzen den Begriff metaphorisch, um die Schnittstellen zwischen Publikum und Story zu betrachten und zu beschreiben. Je komplexer und interaktiver eine Geschichte ist, desto größer ist das Spielfeld, dass sie aufzieht und desto vielfältiger sind die Einstiegspunkte in die Story. Damit lassen sich die Erlebniswege (User-Path), die einzelne User nehmen nicht mehr endgültig festlegen. Dennoch bleibt eines sicher: Das Erlebnis des Einzelnen verläuft stets linear zu seiner Lebenszeit.

(Story Field Visualisierung von David Miller, Quelle: http://www.cs.cmu.edu/~jparise/research/storytelling/structure/)

Die Audience API fragt wie man einem definierten Publikum den Zugriff auf eine Story erleichtert, seine Emotionen weckt und seine Erlebniswege (User Path) durch die Sub-Storys (an unterschiedlichen Touch-Points) unterbewusst steuert. Das betrifft nicht nur die Distribution einer Story, sondern vor allem die psychologischen und kulturellen Anknüpfungspunkte an eine Geschichte. Diese sind besonders dann wichtig, wenn die Story geteilt werden soll.

Derzeit besteht unsere Idee der "Audience API" aus diesen Elementen:

In den kommenden Monaten werden wir diese drei Richtungen vertiefen.

5. Wissen beflügelt Talent

Als Stratege habe ich in vielen kreativen Prozessen die Erfahrung gemacht, dass Kreative Talente am Besten sind, wenn sie konkrete Aufgaben haben.

Die strukturierte Betrachtung von Geschichten inspiriert den Entwicklungs-Prozess von Geschichten zielgerichtet. Egal ob Power-Point Präsentation, Kampagne oder Marken-Story erst die strukturierte Betrachtung macht sie deutlich, an welchen Stellschrauben die Dramaturgie und die Spannung einer Geschichte prüfen und weiter-entwickeln kann. Das sichert Effizient und schützt vor Fehlschlägen.

Im besten Fall schafft die Betrachtung von Geschichten eine gemeinsame Sprache zwischen der Welt der Marketing-Kreativen und der Technologie.

Wir sind gespannt.

Storytelling and Videogames

2012-01-11T01:46:00.000-08:00

A nice video about the relationship of storytelling and games. Although the voice is very strange. It is worth having a look.

Kreativ-Tipps aus der Microsoft Nerd-Garage.

2011-10-31T08:16:00.000-07:00

Auf Twitter hatte ich es ja bereits angekündigt: Ich gehe auf Tournee (zumindest ein wenig).

Die kommenden Wochen bin ich immer Dienstags in der Windows 7 - Nerd Garage von Microsoft zu finden, die durch deutsche Universitäten tourt. Dort halte ich Kreativ-Workshops für Studenten und erkläre ihnen, wie sie mit Kreativtechniken ihre Ideenfindung verbessern. Denn viele große Ideen sind in einer Garage geboren worden.

Der Prozess der Kreativität fasziniert mich schon lange. Ich habe darüber immer wieder Posts auf diesem Blog geschrieben und vor zwei Jahren einen langen Artikel zusammen mit Faktor 3 Vorstand Stefan Schraps verfasst.

Um so erstaunter bin ich immer wieder, dass gerade Institutionen, die von Kreativität leben so wenig Zeit darauf verwenden, diesen Prozess zu verstehen und zu optimieren. Das gilt leider sowohl für Agenturen als auch für Universitäten.

Statt Leuten Techniken an die Hand zu geben, die ihre Kreativität inspirieren, werden kreative Prozess oft mystifiziert: In Universitäten wird der Glaube an den einsamen, genialen Schreiberling gepflegt, der in der Bibliothek seiner Textgliederung folgt. Und in Agenturen verschwenden im Glauben an die Kraft von Teamwork und kreativem Chaos lieber Zeit in endlosen "Brainstorming-Meetings" mit "ausdenken" oder rumdenken", statt einem Prozess zu folgen.

Dabei gibt es Kreativ-Techniken für beinahe jede gedankliche Herausforderung. Egal ob man ein Produktidee, eine Werbeidee oder das Thema für die nächste Hausarbeit sucht. Egal ob man alleine oder im Team arbeitet.

Die Hauptsache ist, sich der Fragestellung klar zu sein, zu der man eine Idee sucht.

Dann kann man mit Kreativ-Techniken prima arbeiten.
Und allein dieses Wiki listet viele Methoden auf,
um die Ideenfindung produktiver zu gestalten: http://www.mycoted.com/Category:Creativity_Techniques

Um so mehr hat mich die Anfrage von Microsoft gefreut, im Rahmen der Windows 7 Roadshow auf ein das Bedürfnis von Studenten einzugehen, sie in Sachen Kreativität zu coachen.

In den 90 Minuten Workshop erkläre ich kurz den Kreativprozess. Ich mache darauf aufmerksam, wie wichtig es ist zunächst möglichst viele Ideen anzustreben und sich nicht zu früh gedanklich zu beschneiden. Im Gegensatz zum Alltag gilt während der Ideenfindung der Grundsatz:
"Ich kümmere mich um Quantität, dann kommt die Qualität von ganz alleine!"

Entdecke Ideen in Dir - Kreativworkshop

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Das lässt sich bei am Beispiel der Filmproduktion am deutlichsten zeigen: Um 90 Minuten Film zu machen, werden oft viele Stunden Material gedreht und verworfen.

Anschließend mache ich deutlich, dass die meisten Ideenblockaden - die berühmte Angst vor dem weißen Blatt - meist von eigenen Emotionen wie Ehrgeiz, Angst und Stress genährt wird. Und gerade hier helfen Kreativtechniken, die negativen Emotionen der eigenen Kreativität gegenüber zu überwinden. Sie verändern die Aufgabe und zwingen den eigenen Perfektionismus runterzuschrauben.

Natürlich sind sie keine Garantie für eine gute Idee geben. Aber Kreativtechniken erhöhen sie zumindest die Chancen eine Idee zu finden.

Ganz konkret üben wir in dem Workshop drei Techniken, die man mit dem Computer gut umsetzen kann:

1. Technik: Fokus Writing (manchmal auch Brain-Writing genannt)

Fokus Writing hilft einen Eintsieg ins Schreiben zu bekommen. Es ist die direkteste Variante die Angst vor dem weißen Blatt zu überwinden und mutig die ersten Gedanken oder Ideen zu Papier zu bringen.

Und das funktioniert so:
Man öffnet seine Textverarbeitung (wie Word) und blendet die Symbolleisten aus, damit einen nichts vom Schreiben ablenkt. Dann schreibt man für 5min alles auf, was einem zu einer gestellten Fragestellung einfällt auf. Mit dem Ziel den Schreibfluss nicht zu unterbrechen.

Dabei gelten zwei Regeln:

Löschen ist tabu!
Die Rücktaste darf unter keinen Umständen betätigt werden. Auch nicht, um Wörter zu korrigieren.
Der Hintergrund: Seit der Schule sind wir auf ordentliche Rechtschreibung trainiert. Das führt dazu, dass wir gleichzeitig kreativ sein und ein ordentliches Ergebnis abliefern wollen. Doch Kreativität und Überarbeitung sind zwei getrennte Prozesse. Und leider denken die meisten Menschen deshalb beim Schreiben mehr über die Rechtschreibung nach, als über die Ideen, die sie aufschreiben. Doch selbst ein Text mit sehr vielen Tippfehlern ist schnell korrigiert.

Umherschauen und Pause machen ist verboten.
Jeder kennt das Phänomen. Sobald einem beim Schreiben für zwanzig Sekunden nicht einfällt, hebt man den Kopf und blickt in der Gegend herum. So als suche man nach jemandem, der einem den nächsten Einfall ins Ohr flüstert. Oder viel schlimmer: Man klickt rüber zu Facebook.

Beides bricht den Fokus. Man möchte nicht weitergehen. Bösartig formuliert hat man entweder Angst vor den Ideen, die kommen könnten oder man ist so selbstzufrieden, dass die Einfälle bis hier hin schon ausreichen. Doch die Erfahrung zeigt, dass die guten Ideen stets nach dem ersten Gefühl von Ideenlosigkeit eintreffen.

Wenn also das Gefühl eintritt, dass einem nichts einfällt, ist es besser drei mal hintereinander zu schreiben "Mir fällt nichts ein" als den Schreibfluss zu unterbrechen. Ich gehe jede Wette ein, dass der Schreibfluss dann wieder einsetzt.

2. Technik: Chat-Storming
Diese typische Brainstorming Situation kennt jeder: Acht Leute sitzen um einen Tisch herum. Doch statt neue Ideen zu finden, wird gestritten. Jeder Teilnehmer hängt an seiner Lieblingsidee und versucht sie zu verteidigen. Die lauten Charaktere (die nicht immer die besten Ideen haben) setzen sich durch, die leisen Charaktere schlucken ihre Gedanken herunter. Nach einer Stunde bricht man das Meeting Ideenlos ab.

Diese Situation lässt sich mit einem einfachen Trick umgehen: Man zwingt die Teilnehmer in ein Chat-Programm (wie den WinLive Messenger). In den Chat dürfen für zehn Minuten nur Antworten/Ideen zu einer zuvor gestellten Frage geschrieben werden. Bewertungen oder Diskussionen sind tabu.

Der Vorteil: Alle Teilnehmer haben die gleiche Lautstärke und kein Gedanke geht im verbalen Stellungskrieg verloren, weil er im Chatprotokoll erhalten bleibt. Und wenn die Chat-IDs anonym vergeben werden, wird sogar der Mut erhöht, sich über Hierarchien hinweg zu setzen.

3. Make an Ad
Eine gute Idee lässt denjenigen, der sie hat, sofort ins Schwärmen kommen. Sie löst hunderte Gedanken aus, wie sie am Besten umzusetzen wäre. Und egal ob Produktidee oder Hausarbeit - schnell geht in der Begeisterung der Blick für das Wesentliche verloren.

Hier kann es helfen, für seine eigene Idee eine klassische Werbeanzeige zu skizzieren.

"Wie würde eine Werbung für meine umgesetzte Idee aussehen?"

Diese Frage zwingt einen dazu auf begrenztem Raum die Features und Bedürfnisse hervorzuheben, die wirklich wichtig sind.

Und darüber hinaus, steckt in einer solchen Anzeige (z.B. für eine Hausarbeit) auch eine stark motivierende Kraft: Über den Bildschirm gehängt, erinnert sie den Ideen-Umsetzer daran, was er schaffen will.

In den bisherigen Workshops entstanden so spannende Ideen u.a. für das Handy der Zukunft:

[Kleiner Disclaimer: Diese Kreativtechnik führt sich natürlich ad-Absurdum, wenn man die Idee für eine Werbeanzeige sucht...;-) Aber dann gibts andere!]

Wer jetzt noch mehr Futter zu dem Thema braucht, dem empfehle ich diese drei Bücher:

Gam estorming (2011) von Dave Gray u.a.
ideaspotting (2006) von Sam Harrison
Wie man sich die Welt erlebt (2011)von Keri Smith
Make IDEAS Happen (2010) von Scott Belinsky

Content 2020: How Coca Cola sees Storytelling in the Center of their Marketing

2011-10-12T01:50:00.000-07:00

On Chris Schaumann's blog "Advertising 3.0" I have stumbled upon this Video by Coca Cola explaining their Content Strategies till the year 2020. It offers some very interesting ideas (and lot of buzzy sounding words ;-) ).

I really like that they still see storytelling in the center of their marketing activities. Because even

if "markets are conversations" - you need a good story to start a conversation and to keep it going. So that is not that new. But the social web - with its more direct and participatory forms of communication - forces us to remember that a great storyteller should always be able to react to his audience. Despite all the new technology an old picture comes into my mind: Think about a Bard in ancient times travelling from city to city, explaining the world through his stories. Like him a modern brand needs to tell stories while fluidly reacting to audience feedback.

This is not an easy task. Because the audience doesn't always know what it wants to hear. Or it changes his mind very quickly depending of their context of Life.

Every Bard knew that a new story always poses a threat. If the audience don't like it, they will throw tomatoes. If the King doesn't like it, you may loose your head. But telling only save (pretested) stories (those everybody likes an knew) won't make you famous. And sooner or later your stories will bore people (with the same effects : Tomatoes and Hangmens).

So striving for "Content Excellence" - telling great stories means - to be ready for an adventure. An adventure with many creative and corporate obstacles. So whoever builds such stories - he will need a lot of persistence:

Storytelling in der PR - Rückblick auf mein Seminar an der Akademie für Publizistik

2011-10-04T08:28:00.000-07:00

Vergangene Woche habe ich zusammen mit Maike Gosch (Autorin und Content and Communication Manager der Stiftung Dekeyser&Friends ) ein zweitägiges Seminar zum Thema "Storytelling in der PR" an der Akademie für Publizistik veranstaltet.

Storytelling in der PR ?!?! - Das klingt danach, Eulen nach Athen zu tragen.

Schließlich ist das Erzählen und Vermarkten von Geschichten eine Kernkompetenz von PRlern, die man von der Pike auf im Job lernt.

Das stimmt. Die Prinzipien guter Geschichten hat ein talentierter Kommunikator meist im Bauch. Sie sind unterbewusst gelernt und eingeübt durch die tägliche Arbeit und durch den konstanten Medieneinfluss.

Nur stößt unser praktisch gelerntes Erfahrungswissen an Grenzen, wenn man es verbalisieren soll oder eine Geschichte einfach nicht funktionieren will, weil sich die Medien, mit denen man täglich umgeht, verändern.

Wie erklärt man einem Kunden oder Kollegen, warum eine Story, die man in einer Pressemeldung oder einer crossmedialen Kampagne erzählen möchte besser ist als eine andere? An welchen Stellschrauben kann man drehen, damit eine Story neu, überraschender, emotionaler oder interaktiver wird? Welche Geschichten lassen sich über Medien hinweg erzählen?

In der oft "hemdsärmeligen" Agenturwelt findet man dazu recht wenig Hilfestellung zu diesen Fragen außer dem viel genutzten Verweis auf eine Case Study (die ihre eigenen Gefahren mitbringen).

Meinen Blick auf Storytelling haben vor allem durch den Master's Course in Digital Games Research der Uni Tampere (2004-2005) und die Drehbuch-Klasse an der Filmschule Hamburg/Berlin (2008-09) verändert, die ich zusammen mit Maike Gosch besucht habe.

Plötzlich eröffneten sich mir Kategorien/Prinzipien des Erzählens, die sich seit Aristoteles gebildet hatten. Die Schwächen einer Geschichte und ihrer Dramaturgie liesen sich nun aussprechen, definieren und vor allem korrigieren.

Seit dem beschäftigt mich der Gedanke, wie man zumindest einige Grundzutaten des Storytelling in der PR aber auch anderen Bereichen der Markenkommunikation (von Klassischer Werbung bis Social Media) nutzen kann.

Denn selbst wenn Märkte heute Gespräche sind, braucht es gute Geschichten, um ins Gespräch zu kommen, ein Gespräch anzuregen und am Laufen zu halten.

Vor diesem Hintergrund haben Maike und ich das Seminar als einen Workshop aufgebaut. Er führt die Teilnehmer aktiv vom Verständnis einer Marke in zwei Tagen zu einer spannenden Markengeschichte und einer Idee für eine interaktive/transmediale Inszenierung.

Die Schritte innerhalb dieses Prozesses folgten fünf zentralen Arbeitsblättern und wurden durch Theorieteile, Creative-Writing Übungen und Gruppen-Brainstormings begleitet.

Die Arbeitsblätter sind gleich unten erklärt.

Unseren nächsten Storytelling- Kurs kann man auf der Homepage der Akademie für Publizistik buchen.

Die Arbeitsblätter:

Arbeitblatt 1: Marken-Verständnis

Wer für eine Marke oder ein Unternehmen Geschichten entwickelt, muss dessen Identität verstehen. Dieses einfache Markenmodell hilft dabei. Es ist inspiriert durch dieses Video: http://vimeo.com/12426840

Arbeitsblatt 2: Creative Writing Übung

Dieses Arbeitsblatt ist Grundlage für eine einfache Creative-Writing Übung: Für fünf Minuten schreibt man in der linken Spalte alles auf, dass einem zu einem markenrelevanten Thema einfällt. Die einzige Regel: Man darf niemals den Stift absetzen oder etwas durchstreichen. Danach notiert man in der rechten Spalte Gedanken oder Ideen, die man weiterverwenden möchte.

Arbeitsblatt 3: Kaltstart

In zehn Minuten entwerfen die Teilnehmer eine Geschichte für eine Marke oder ein Unternehmen allein auf Basis ihrer Job-Erfahrung und verbessern diese Geschichten im Team. Im Seminar haben wir Thema und Unternehmen vorgegeben, damit niemand in eine Geheimhaltungs-Problematik zu seinem Arbeitgeber kommt.

Arbeitsblatt 4: Story Development

Dieses Arbeitsblatt folgt auf eine intensive Storytelling-Theorie Session. Hier wurden die wichtigsten Prinzipien erklärt . Entlang dieses Arbeitsblattes und der dort gestellten Fragen überarbeiten die Teilnehmer ihre Geschichte.

Arbeitsblatt 5: Crossmedia-Design

Dieses Arbeitsblatt hilft den Teilnehmern, sich ihre Geschichte in unterschiedlichen Medienformaten vorzustellen. In die Mitte schreibt man das Medienformat. Die vier Quadranten helfen zu verstehen, dass Story, Design, Mechanik und Technologie unterschiedliche Faktoren sind, die das Gesamt-Erlebnis beeinflussen. Schnell wird den Teilnehmer klar, dass nicht jedes Medium die ganze Geschichte erzählen muss - sondern auch Teilgeschichten in verschiedenen Medien interessant sind. Die Konzeptpapiere für die unterschiedlichen Medien werden an einer Wand gesammelt und anschließend visuell verlinkt. So entsteht in wenigen Stunden der Rohbau einer medial vernetzten Story.

Die Arbeitsblätter als PDF zum ausdrucken: https://docs.google.com/viewer?a=v&pid=explorer&chrome=true&srcid=0B4XsyJfa-SvAYWQyYjgyYmEtNzk4YS00MzQwLWJkYWEtMGU2YmRjODcxNjYz&hl=de

(My) Digital Planning Basics - Miami Ad School Guest Lecture

2011-08-23T06:52:00.001-07:00

Yesterday I gave a guest lecture on digital planning at the Miami Ad School in Hamburg. It was part of the "Planning-Bootcamp-Program" that teaches a hand full of smart students "how to become a planner" in just a couple of weeks.

The curriculum featured many ultra-experienced planners like Neil Perkin. So I decided to focus on some practical tipps the students can use to enhance their ideas and final presentations.

We have practiced a creative technique to build ideas faster. Then we have looked into some websites/tools that might inspire their research. And finally I suggested to the students, to think in "business plans" for their digital ideas to be more convincing to their clients.

And if you like my "Idea Business Plan Canvas" - you can download it HERE.

These are my slides. I'am looking forward to your feedback :-)

Digital Planning Lecture

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Superf*ckingawesome! - Mein Rückblick auf das dritte Planning Barcamp in Hamburg

2011-08-21T05:33:00.000-07:00

Am letzten Freitag hatte ich bereits zum dritten Mal (nach 2010 und 2009) das Vergnügen das "Planning Barcamp" zu moderieren.

Und zu allererst geht ein großer Dank an Michaela Jausen (DDB-Tribal), an Tim Keil (Philipp und Keuntje) sowie an Alex Böhmer (Faktor 3) und Katharina Michalski (brand foresight), die mich bei der Organisation inhaltlich und tatkräftig unterstützt haben. Auch der Sponsor darf nicht vergessen werden: Ohne die großzügige Unterstützung des Verbands der Marken- und Kommunikationsstrategen (APG) hätten wir die tollen Räume des betahaus HH nicht nutzen können.

(Es wurde eng im betahaus Hamburg)

Das betahaus, als Coworking-Space, hat uns die ideale Umgebung geboten, damit sich die über 50 angereisten Marken-Strategen in 12 selbstorganisierten Sessions austauschen konnten.

Das Thema in diesem Jahr lautete "Superf*ckingawesomeness". Enstanden ist das Thema durch eine Abstimmung auf der facebook-Seite des Planning-Barcamps: www.facebook.com/planningbarcamp.

Superf*ckingawesomeness? Was soll das bedeuten?

Ich habe das Thema so für mich interpretiert: Aufmerksamkeit war gestern. Markenkommunikation will heute relevant sein, Bedeutungen schaffen, Dialog stiften, Interaktion anregen, zum Spielen einladen, Viralität erzeugen oder Transparenz stiften. Agenturen sollen nicht nur Ideen haben. Sie sollen digital vernetzte Kommunikationsprodukte designen mit denen sich Menschen freiwillig beschäftigen. Kurz und knapp: Ideen sollen Menschen begeistern! Und die Umsetzung soll so superf*ckingawesome sein, dass man es an alle Freunde weiterschicken.

Aber wie plant man das strategisch?

Eine Antwort darauf konnte der Barcamp Nachmittag nicht liefern.

Wäre wohl zuviel erwartet ;-)

Dafür gab es angeregte Sessions zu vielen Aspekten, die zur Awesomeness gehören oder dahin führen. Das Themenspektrum reichte von Internet-Memen, Plattformen, Frauen über das "Digitalisierte Ich" bis hin zu Fragen nach neuen Wegen der Kollaboration oder der Neuerfindung des Creative Brief.

(Sessionplan)

Für mich ist die Themenplanung das wirklich Besondere an einem Barcamp. Im Gegensatz zur Konferenz bringen die Teilnehmer selber Themen mit, die sie der Gruppe zur Session anbieten.

Finden sich Intressenten wird das Thema gemeinsam behandelt.

Das verhindert langweilige Powerpoint-Schlachten, nimmt allerdings die Teilnehmer in die Pflicht für die Ergebnisse ihrer Diskussionen selbst zu sorgen. Bei einem Barcamp lautet die wichtigste Regel: Man bekommt nur etwas raus, wenn man etwas reinsteckt oder mindestens die Offenheit mitbringt, seine Inspirationen in einer Diskussionen selbst zu suchen.

(Barcamp Session zur "Klugen Kooperation")

(Ergebnis der Session: Was ist Superf*ckinawesome für Frauen)

Daneben finde ich es großartig, dass sich über die Barcamp-Atmosphäre oftmals ein Dialog auf Augenhöhe einstellt. Das Barcamp macht es möglich, dass nicht nur gestandene Strategen wie Nina Rieke (doubleshift), Achim Rietze (LLR Hamburg), Thomas Zervos (JvM) oder Christian Vatter (Musiol Munzinger Sasserath) für ihre Themen ein Forum bekommen. Auch zwei furchtlose Praktikanten von DDB Tribal haben erfolgreich eigene Sessions angeboten.

In einer dieser beiden Sessions ging es um den Druck "Awesome" sein zu müssen. Diesen Druck spüren besonders junge Studenten und fragen sich, wie man später im Berufsalltag damit umgeht. Für mich war diese Session sehr fruchtbar. Im Zuge der Session wurde immer deutlicher, dass nicht nur Studenten diesen Druck verspüren sondern auch Marken. Beide fürchten um den Erfolg ihrer Identität, vergleichen sich daher ständig mit Konkurrenten und suchen nach erfolgreichen Strategien.

Aus der Lebenserfahrung würde ich einem Studenten immer raten, die Vergleiche zu minimieren und eine andere Haltung zum Druck zu entwickeln. Wenn es gelingt den Druck ins Positive zu kehren, motiviert er schließlich. Allerdings ist eine neue Haltung immer mit einem Wechsel der Position verbunden. Und solange Menschen wie Marken versuchen sich mit ihrem Identitätsbild wie ein Fixstern im Markt fest zu positionieren, sind sie zu sehr mit dem Verteidigen dieser Position beschäftigt. Der Druck wird so zur Qual in einem Marktumfeld, dass immer Flexibler wird. Eine Haltung oder Mission hingegen macht es einfacher sich weniger an anderen zu orientieren und eigene Nischen zu entwickeln. Ein Gedanke den ich für das Planning in nächster Zeit vertiefen möchte.

(Zum Abschluss wird gegrillt)

Seinen krönenden Abschluss fand das Barcamp im gemeinsamen Grillen und Insight-Karaoke spielen. Das Spiel von Tim Keil funktioniert so: Man bekommt einen wirklich schrägen Tv_Spot gezeigt. Dann muss man aus dem Stehgreif dem Publikum erklären, welcher Insight diesem Spot Wirkung verleiht. Vor allem die großartige Auswahl absurder Commercials aus der ganzen Welt hat das Insight Karaoke zum Highlight gemacht.

Mir hat der Tag großen Spaß gemacht. Ich freue mich auf das nächste Planning Barcamp 2012 und auf jeden, der Lust hat in die Orga einzusteigen.

The new Context of the Adventure: Morris, MYST und die iPad Wiedergeburt der Adventure Spiele

2011-07-22T13:45:00.000-07:00

Letzte Woche hatte ich ein echtes Medienerlebnis. Es war Abends, der Sommer herbstlich verregnet und das TV-Programm schmerzerregend nach einem anstrengenden Arbeitstag.

Ein guter Moment, sich mit einer iPad App zu beschäftigen, von der ich im Laufe dieses Tages immer wieder auf Twitter gelesen hatte. Ich spreche von "The Fantastic Flying Books of Mr. Morris Lessmore" - der interaktiven Kinderbuch-Umsetzung eines preisgekrönten 3D Kurzfilms. Es erzählt die schöne Geschichte von Morris, dessen Leben von fliegenden Büchern begleitet wird. Eine traumhafte Metapher, wie Bücher und Geschichten unser Leben bereichern.

Die App ist wie ein Buch aufgebaut. Es gibt Seiten zum blättern, Text zu lesen und Bilder zum betrachten. Doch ganz multimedia wird der Text von einer tollen Stimme vorgelesen und auf jedem der Bilder gibt es etwas mit den Fingern zu entdecken.

The Fantastic Flying Books of Mr. Morris Lessmore iPad App Trailer from Moonbot Studios on Vimeo.

Und plötzlich "las" ich das Kinderbuch nicht mehr alleine, sondern mit meiner Freundin gemeinsam. Das Ipad auf dem Schoß waren wir beide voller kindlicher Begeisterung in die Story eingetaucht und schauten was es in jedem Bild zu entdecken gab.

Am Tag danach habe ich mich gefragt: Woher kam die Magie? Was hat diese App so besonders gemacht? Wie ist dieses Erlebnis entstanden? Und was kann das bedeuten?

An meinen unsortierten Gedanken will ich euch teilhaben lassen:

Ganz nüchtern betrachtet liefert die App nichts anderes als eine Slide-Show mit Suchbildern, auf denen ich als User eine Aktion auslösen kann. Damit unterscheidet sich Morris im Kern wenig von MYST - dem Computerrätselklassiker aus den frühen 90ern. Außer, dass die Rätsel bei MYST irre schwer waren. Auch MYST und der Nachfolger Riven sind mittlerweile für das iPad erhältlich.

Doch hier soll es nicht um Nerds gehen, de Retro-Games lieben, sondern um den neuen Kontext, den das iPad interaktivem Storytelling von Morris und Myst verleiht. Die Story ist der Einstieg in die digitale Welt. Sie verleiht dem Handeln des Users Bedeutung. Das war am Rechner so und ist auch am iPad so.

Was sich unterscheidet ist der Nutzungs-Kontext - meines Erachtens der zentrale Treiber des Erlebnisses. Meine Mutter hätte sich nie vor einen Desktop rechner gesetzt um sich mit Morris oder Myst auseinander zu setzen. Auf dem Sofa, mit einem iPad kann ich es mir vorstellen. Es scheint intimer, entspannter und suggeriert weniger Komplexität als ein PC oder Notebook. In meinem Empfinden ist der Computer ist für viele Menschen unterbewusst immer noch eher ein Arbeitsgerät. Selbst wenn viele Rechner (gerade Netbooks) anders genutzt werden, nährt sich das instiktive Naserümpfen vor Menschen, die viel Freizeit vor diesem Bildschirm verbringen, immer noch aus deren "Missbrauch" einer Produktivitätsmaschine. Mit dem Couchkontext ändert sich dass völlig.

Das "Sofa-Game" stellt damit auch die oft getroffene Unterscheidung zwischen Lean-forward und Lean-backward-Device in Frage. Für mich war das nie eine Frage des Geräts sondern eine des Mindsets des Nutzers. Und Morris auf dem iPad war für mich eine Erfahrung die ständig zwischen beiden Wahrnehmungsmodi hin uns her schwankte.

Seitdem laufe ich mit dem Gedanken herum, dass auf dem iPad "ältere" Formatkonzepte für digitales Storytelling einem neuen Kontext zugänglich werden und so auf das Interesse einer neuen Zielgruppe treffen können. Im Ansatz manifestiert sich dieser Gedanke bereits darin, dass im App-Store immer mehr Retro-Games (darunter auch Myst) auftauchen. Sie wärmen nicht nur das Herz alter Gamer. Auf dem iPad kann ich diese Games, den Menschen zeigen, die früher den Kopf geschüttelt hätten - und sie begeistern sich plötzlich dafür.

Im Kontext des Wohnzimmers werden neben neuen auch sehr alte Spielkonzepte für bisherige Non-Gamer zugänglicher - sie werden 'more casual'. Vielleicht weil sie nicht mehr mit den kuturell bedenklichen Räumen des Kinderzimmers oder der Spielhalle verbunden sind. Also mit Kontexten, die Eltern und die gesellschaftliche Obrigkeit stets als Orte der "Unkontrolle" der "Unordnung" betrachtet haben. Computerspielen im Kinderzimmer und besonders in den Spielhallen der Achtziger wurde stets mit Sorge beobachtet.

So schrieb der Kulturforscher John Fiske schon 1989 in "Lesarten des Populären" (Seite 88):

"Die Missbilligung der Spielhallen ist ein Symptom der Erkenntnis, dass diese sich außerhalb des Zugriffs der sozialen Kontrolle befinden"

Doch genau darin lag damals der Spaß für die Jugendlichen, wie Fiske weiter ausholt, der in den Spielhallen einen Ort des Widerstandes gegen die Eltern sah.

Und während sich Pädagogen in den Achtzigern Gedanken machten über das Suchtpotential von Pac Man - kann man es heute ganz lässig auf dem Sofa oder unterwegs auf dem iPhone spielen. Und selbst diejenigen, die früher die Risiken solcher Spiele fürchteten, können sie nun im sicheren Wohnzimmerkontext erleben. Junge Eltern fürchten sich daher viel eher vor World of Warcraft - eine Bildschirmwelt, die sich dem sicheren, gewohnten Rezeptionskontext verschließt.

Meine steile These:

Mit dem iPad kann interaktive Storytelling schneller im Mainstream ankommen, als die Gaming Industrie glaubt - die das Adventure Game als Idee weitestgehend abgeschrieben hat.
Doch neuer Kontext neuer Markt...

Doch der Kulturanalyse mal beiseite. Es freut es mich einfach, weil sich mit dem neuen Kontext vielleicht eine Chance auftut, für ein verloren geglaubtes Game-Genre: Das Adventure könnte auf iPad und Co zu neuem Leben erwachen.

Auf dem PC und der Konsole mit all der Grafikpower und der Distanz zwischen Schirm und Nutzer hat es den Kampf gegen den Shooter eigentlich verloren. Ein Adventure braucht die Nähe eines Buches, das denke ich nach Morris Lessmore, damit ein großes Publikum bereit ist in eine interaktive Story einzutauchen. Und Adventure wären auch eine echte Alternative zu den ewigen Shootern, die auf dem iPad grausam zu spielen sind (meine Meinung).

Denn von Morris Lessmore (dem Einstieg ins non lineare Geschichten) sind die Schritte zu Myst oder zu einem "vollwärtigen" Adventure wie Monkey Island nicht weit. Monkey Island ist auch ein großer App-Erfolg (sowohl in der klassischen Version als auch in der Neuauflage) Vielleicht steht dem Adventure-Games ein Potential für ungeahnte Markterfolg offen - weil sich das Prinzip im neuen Kontext einem neuen Publikum erschließt. Ich fände das großartig, denn es eröffnet ein riesiges Potential für interaktives Storytelling. Jetzt müssen nur noch neue Adventure neben den Retro Games entstehen.

Ich komme zum Ende :-)
Die Story eröffnet ein Erlebnis, aber der Kontext ist King. So könnte man mein Erlebnis zusammenfassen. Das deckt sich mit den Beobachtungen von Digitalstrategen Russel Davis, der rät sich bei jedem Design heute stets den Kontext eines Medienerlebnisses genauer anzusehen.

Vielleicht aber wir erleben schlicht ein wiederkehrendes Muster in der Computergeschichte: Mit jeder großen Medien-Innovation werden bekannte Content-Formate neu erfunden und als Revolution gefeiert. Was ich damit meine erklärt John Maeda in den ersten Minuten dieses Vortrags (ab Minute 1.41) besser als ich schreiben kann:

John Maeda: Looking for Superman from 99% on Vimeo.

Wie dem auch sei - ich hatte mit Morris einen tollen Abend!

Jetzt habe ich Tales of Monkey Island geladen. Der Urlaub kommt ja bald.

Great Lesson in #Transmedia: Lance Weiler (@lanceweiler) asks Henry Jenkins

2011-07-15T04:11:00.001-07:00

Today i stumpled about this interview between Lance Weiler (@lanceweiler) , one of the most influencial transmedia producers today, and professor Henry Jenkins (@henryjenkins), the leading thinker on transmedia theory.

They discuss how the notion of story is changing in tansmedia narratives and advise the transmedia storyteller to redefine his notion of an audience to plan for participation.

The most important idea for me in this interview is the distinction between "cultural attractors" (=the elements of a story dragging people in) and "Cultural Activators" (the elements that ignite active participation in the story). Jenkins will describe both in his upcoming book on spreadable media.

Posted via email from creative*glasses

7 Storytelling Zutaten [Impulsvortrag für Mitarbeiter der OTTO Group im betahaus Hamburg].

2011-07-13T04:07:00.000-07:00

Bereits vor einiger Zeit verbrachte eine "Delegation" von Mitarbeitern der Otto Group eine Arbeitswoche im betahaus Hamburg - meinem Coworking Space des Vertrauens.

Die ausgewählte Gruppe aus unterschiedlichen Bereichen des Konzerns hat sich eine Woche lang mit der Frage auseinander gesetzt, wie sich die Arbeitswelten der digitalen Generation mit denen eines Großkonzerns vernetzen lassen.

Den Startschuss lieferte eine gemeinsame Abendveranstaltung mit Sascha Lobo, die von der OTTO Group und dem betahaus gemeinsam organisiert wurde. [Hasenfarm hat über den Abend geschrieben]. Die intensive Arbeitswoche der 'Ottoianer' endete mit einer Vorstandspräsentation.

Ihre Eindrücke der Woche hat die Otto Group in diesem Video zusammengetragen:

Otto Group, co-operations w/ betahaus Hamburg (english) from Family Affair on Vimeo.

Ich konnte bei Sascha Lobos Vortrag leider nicht dabei sein. Um so mehr hat es mich gefreut, neben Jeremy Abbett (http://jeremy.abbett.net/) und Wolfgang Wopperer (http://wolfgangwopperer.com/) eine von drei Inspiration-Sessions für die temporären CoWorker der OTTO-Gruppe geben zu dürfen.

Der Titel meiner halbstündigen Inspiration Session lautete:

"The Storytelling Cookbook: 7 Grundzutaten, um mit Geschichten zu überzeugen".

Und hier sind die Folien dazu:

Storytelling Cookbook *Micro Edition* (German)

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In 30 Minuten ist es natürlich unmöglich, die Kunst Geschichten zu erzählen - die so alt ist wie die Menschheit - in aller Tiefe zu erläutern. Allerdings reicht die Zeit, um zumindest 7 Grundzutaten zu verdeutlichen, die seit der Antike in guten Geschichten zu finden sind. Sie gelten auch noch heute, egal ob im Film, in der Werbung, im Computerspiel oder einer Präsentation.

Aber warum überhaupt über Geschichten erzählen nachdenken?

Für mich sind Geschichten die emotionale Seite der Information. Natürlich kann man sich auf Fakten und Zahlen beschränken (und als Volk von Ingenieuren tun wir Deutschen das gerne). Doch erst eine Geschichte, eine Anektote, eine Metapher liefert einen Rahmen, um Fakten emotional greifbar zu machen. Und je älter ich werde, desto mehr merke ich, dass sich nur so die Herzen für eine Sache oder Idee entflammen lassen.

Das Interesse an meinem Thema war groß. Und ich habe eine Vermutung warum: In jeder 'power-point' getriebenen Konzernstruktur braucht es heute viel mehr erzählerisches Geschick, um einen Stakeholder, der jeden Tag mit Folien bombardiert wird, zu gewinnen.

Und die 7 Zutaten können besonders bei Präsentationen helfen sich selbst zu prüfen: Erzähle ich wirklich eine Geschichte oder versuche ich durch Fakten, Ästhetiken, Schaubilder oder technische Spielereien zu punkten.

1. Zutat: Thema

Worum geht es in der Geschichte [Präsentation/TV-Spot/Film/Game] in einem Wort?

Die Frage ist meist gar nicht so leicht zu beantworten. Doch je klarer das Thema, desto leichter ist es für das Publikum einer Geschichte zu folgen. Allerdings erfordert ein klares Thema Entscheidungsstärke: Ich muss den Mut haben andere Themen auszuklammern. Davor scheuen wir uns meist, um dem Vorwurf zu entgehen, etwas vergessen zu haben. Nur je mehr Themen angerissen werden, desto unübersichtlicher wird die Geschichte. Ein klares Thema hilft dem Publikum, sich mit seinem Vorwissen auf die Geschichte einzustellen.

Auch neigen Menschen dazu, die emotionalen, menschlichen Themen zu scheuen. Wir wollen gerade im Job-Umfeld nüchtern und rational wirken. Doch gerade Geschichten über MUT, ANGST oder LIEBE binden das Publikum mehr als Fachthemen. Gerade dröge Fachthemen werden lebendiger, wenn sie an eine Geschichte mit einem emotionalen Thema gebunden werden. Statt über Innovations-Prozesse zu referieren, kann man z.B. vom MUT der Innovatoren erzählen.

2. Zutat: Prämisse

Was soll die Geschichte aussagen in einem Satz?

Jede Geschichte hat eine Aussage - eine Moral. Es ist die Ansicht über die Welt, die der Autor seinem Publikum mitgeben will. Eine klare Prämisse zu haben, hilft ungemein, die Für- und Gegenargumente zu sammeln und in der Geschichte abzuwägen.

Und wenn jeder Moment einer Geschichte die Prämisse unterstützt, kann man sich sicher sein, nicht vom Thema abzukommen. Deshalb kleben sich manche Autoren die Prämisse über den Monitor.

3. Zutat: Logline

Erzähl die Geschichte in 140 Zeichen!

Die Logline beschreibt in einem Satz, wie man die Geschichte erzählen möchte. In der Wirtschaft wird die Logline auch gerne als "Elevator Pitch" bezeichnet. Und in den meisten Fällen gilt wirklich: Dinge, die man in 140 Zeichen nicht sagen kann, lassen sich auch auf 500 Seiten nicht sagen. Die Logline umfasst in einem Satz die ganze Handlung der Geschichte und steckt den Raum ab, in dem sich später die Details abspielen können.

4. Zutat: Protagonist und Konflikt = Spannung

Wer handelt und warum?

Je klarer der Hauptdarsteller deiner Geschichte ist, desto leichter ist es, der Geschichte zu folgen. Ein Protagonist muss nicht immer ein Mensch sein. Auch Unternehmen, Abteilungen oder Dinge [Steine, Bäume, Häuser] können zur Hauptfigur einer Erzählung werden.

Spannend wird die Geschichte allerdings nur, wenn der Protagonist ein Ziel verfolgt und dabei auf Hindernisse und einen Gegner trifft. In Hollywood gilt die Grundformel für alle Geschichten: "Somebody wants something despratly and has troubles getting it!"

Und je personalisierter das Hindernis, desto besser. Luke Skywalker kämpft nicht in erster Linie gegen das Imperium. Er kämpft gegen Darth Vader - seinen Vater.

Leider scheuen wir uns besonders bei Präsentationen (oder bei Werbegeschichten) Konflikte und Hindernisse offen zu benennen und zu nutzen. Man möchte durch den Konflikt niemanden vergraulen. Doch Konfliktlosigkeit führt unweigerlich zu Langeweile. Aus der Strory wird ein Dia-Abend von einer Reise, bei das alles glatt gegangen ist. Boring!

5. Zutat: 3 Akt Struktur

Wie entwickelt sich die Geschichte?

Jede Geschichte hat einen Anfang, eine Mitte und ein Ende. Instinktiv scheinen wir beim Erleben einer Geschichte zu wissen, wo wir uns in der Handlung befinden.

Das liegt daran, dass wir Menschen seit der griechischen Antike eine unbewusste Landkarte für Geschichten im Kopf haben: Die 3 Akt-Struktur. Nach ihr ist fast jeder Hollywood-Film konstruiert. Es gibt unendliche Abhandlungen zu den Details dieser Struktur, deshalb nur ein paar Anmerkungen:

1. Die 3 Akt-Struktur gibt das Timing vor:

Die 3 Akt Struktur gibt dem Publikum unterbewusst eine Taktung der Handlung vor. Wer dieses Taktung verletzt wirkt schnell als langatmig wahrgenommen.

Die Aufteilung der 3 Akte lautet:

Der Hauptteil einer Geschichte ist doppelt lang wie Einleitung und Auflösung zusammen.

Oder in Zahlen: Einleitung 12,5% der Zeit, Hauptteil 75% der Zeit, Auflösung 12,5% der Zeit.

Dieses Schema lässt sich eigentlich auf jede Erzählzeit übertragen ( 90min = 15min / 60min / 15min ). Bei Präsentationen kann man mit der Daumenregel "max 1 Slide pro Minute" sogar berechnen, wie viele Folien man verwenden darf (30min = max 30 Folien = 5 Folien Einleitung+20Folien Hauptteil+5 Folien Auflösung)

2. Ablauf der Story und Wendepunkte

Die 3 Akte haben darüber hinaus die Funktion den Ablauf der Geschichte zu clustern:

Im 1. Akt wird der Protagonist und seine Umgebung zunächst im IST-Zustand dargestellt.

(Luke Skywalker der Bauernjunge). Dieser IST-Zustand wird durch Ereignisse von Außen durcheinander gebracht (Luke erfährt von Obi Wahn und Prinzessin Leia durch R2D2). Das führt dazu, dass sich der Protagonist am ersten Wendepunkt ein neues Ziel sucht (Die Prinzessin retten).

Im 2. Akt wird darüber berichtet, wie der Protagonist versucht sein Ziel gegen die Kräfte von Außen (Darth Vader) zu erreichen. Dabei gilt die die Faustformel: Wenn es in der Mitte des 2. Aktes (am 2. Wendepunkt) so aussieht, als würde der Protagonist sein Ziel nicht erreichen (Luke und die Prinzessin im Müllschlucker), erreicht er es (Die Flucht gelingt). Oder umgekehrt: Ist der Protagonist am zweiten Wendepunkt seinem Ziel ganz Nahe, wird er es am Übergang zum 3. Akt (dem 3. Wendepunkt) nicht erreichen.

Der 3. Akt berichtet letztlich darüber, wie sich der Protagonist und die Welt durch Erreichen (oder Nicht-Erreichen) des Ziels verändert haben. In diesem Akt wird meist deutlich, dass das primäre Ziel des Protagonisten (Prinzessin retten) gar nicht das wichtigste war. Sondern dass er durch die Handlung etwas anderes wichtigeres gelernt hat (ein Held/Jedi zu sein).

6. Zutat: Empathie

Was soll das Publikum fühlen?

Empathie bedeutet Einfühlungsvermögen und ist für das Erzählen von Geschichten in doppelter Hinsicht wichtig. Zum einen braucht ein Geschichtenerzähler Einfühlungsvermögen in die Charaktere seiner Geschichte. Sie müssen menschlich wirken, damit das Publikum mit ihnen mitfühlen kann. Und er braucht Einfühlungsvermögen in das Publikum, um ein wenig mit dessen "Gefühlen" zu spielen.

Beim Schreiben eines Drehbuchs fragt sich der Autor nicht nur, was seine Charaktere gerade fühlen. Er fragt sich auch mit welchen Bildern er ihre Gefühle so darstellen kann, dass das Publikum mit den Protagonisten mitfühlen kann. Mein Lieblingsbeispiel für Empathie ist der Trailer zu "Forgetting Sarah Marschall" - Mit diesem Helden muss man mitfühlen, oder?

Allerdings ist Empathie nicht gleich Mitleid. Wir können auch mit der Genialität eines Bösewichts wie Darth Vader mitfühlen, besonders dann, wenn wir wissen, dass er mal ein guter Kerl war, der verführt wurde. Meist sind es die emotionalen Zustände und Eigenschaften einer Figur, die sich in den Situationen der Geschichte ausdrücken, die uns helfen mitzufühlen. Denn jeder kennt Ehrgeiz, Liebeskummer, Erfolg, Tollpatschigkeit oder Peinlichkeiten.

Und was im Film funktioniert, funktioniert auch in Präsentationen: Man muss "nur" sich bei jeder Folie fragen, welches Gefühl sie beim Publikum auslöst.

7. Inzenierung

Wie soll die Geschichte erzählt werden?

Die letzte Frage, die sich einem Storyteller stellt ist die Frage, wie er die Geschichte erzählen soll. Soll sie linear bleiben oder interaktiv sein?

Als Faustregel gilt: Je dramatischer und gefühlsbetonter die Geschichte sein soll, desto linearer muss sie erzählt werden. Interaktivität ist dann angebracht, wenn man den User zum Helden der Story machen möchte (wie z.B. im Game oder in einem Workshop). Allerdings muss man sich dann damit anfreunden, dass das Ende der Geschichte womöglich anders ausgeht als geplant.

Soviel zu meiner Inspiration- Session. Und weil es so schön ist noch ein paar Inspirationen aus der Welt der Geschichten:

40 Storyquotes that will shake your mind

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Wie man Ideen, Innovationen, Schönheit und Talente auswählt - Eindrücke von der apg-Open Source 2011

2011-06-30T02:47:00.000-07:00

Wie jedes Jahr steht die Jahrestagung des Verbands der Marken- und Kommunikationsstrategen (apg) unter einem Motto. Im letzten Jahr ging es um das Verkaufen. In diesem Jahr drehte sich die Veranstaltung unter dem dem Titel "Eene, meene, muh und raus bist Du – wie Selektion unser Leben, Denken und Handeln bestimmt" um die Auswahlmechanismen für Ideen, Talente, Schönheiten und Innovationen.

Mir hat die Veranstaltung durch den gelungenen Mix an Sprechern wirklich großen Spaß gemacht. Umso trauriger war ich, dass ich an der Bierverkostung (Selektion des Geschmacks) und Abendveranstaltung wegen eines anderen Termins nicht teilnehmen konnte.

Die schnellen Notizen, die ich über den Tag gemacht habe, möchte ich allerdings niemandem vorenthalten.

Thomas Osterkorn, Chefredakteur des stern, hat gezeigt, dass die Auswahl der Titelgeschichte viel mit der Erfahrung und dem Bauchgefühl der Redaktion zu tun hat. Auch wenn die Mafo genau weiß, dass der Stern von Machern, Intellektuellen und Progressiven gelesen wird und man hinterher sehr genau herausfinden kann, warum eine Titelgeschichte nicht funktioniert, bleibt die Prognose eines erfolgreichen Titels immer eine Wette mit vielen Unbekannten.

Zwei eiserne Regeln scheint es trotzdem zu geben:
Angela Merkel auf dem Titel ist die sicherste Verkaufsbremse, so Osterkorn.
Insgesamt hätte man bei Crime/Politik-Themen eine Lesequote von 70%. Aber niemand wolle das auf dem Titel haben, anfassen und mit in den Urlaub nehmen. Für mich heißt das, dass Empathie auch der Schlüssel für einen erfolgreichen Titel ist.

Der Neurobiologe Dr. Björn Brembs (www.twitter.com/brembs) beschäftigt sich mit dem freien Willen - vor allem mit dem freien Wille einer Fliege. Die wird in seinen Experimenten an ein Gestell geklebt und ihre Flugentscheidungen durch Hitze beeinflusst.

Bei dieser Vorstellung ist mir nicht besonders wohl im Magen. Auch bin ich kein großer Fan davon, das Verhalten von Menschen und Fliegen zu vergleichen. Nichtsdestotrotz fand ich Dr. Brembs Vortrag sehr kurzweilig und schon deshalb sympathisch, weil er sein eigenes Fach mit einer gesunden Portion Selbstkritik betrachtet hat.

(Foto von Nina Rieke)

Seine Grundannahme "Könnten wir nicht frei wählen, gäbe es uns nicht" steht im erfrischenden Gegensatz zu einigen Vertreten der Neuro-Science oder des Neuro-Marketings, die mit Gehirnscans den freien Willen zugunsten eines Kauf-Schalters im Kopf abschaffen wollen (Was ich sehr bezweifele. Aber das ist eine andere Geschichte)

Der effektivste Weg den freien Willen zu beeinflussen, liegt so Brembs darin eine Situation zu schaffen, in der die Entscheidungsmöglichkeiten begrenzt sind. Allerdings dürfe die Situation nicht so beschränkend sein, dass es dem Menschen auffällt, dass er keine freie Wahl mehr hat.

Ich musste bei seinen Ausführungen zuerst an Disney-Land denken. Innerhalb des Parks hat man zu jedem Moment das Gefühl frei entscheiden zu können, obwohl die Auswahl von Disney begrenzt wird. Es ist also die freie Entscheidung zwischen vier Restaurants, die alle das Gleiche kosten und dem selben Konzern gehören. Und irgendwie ist ein Apple-Store ganz ähnlich.
Diese Sichtweise hat mich inspiriert, künftig noch intensiver über den POS und die Shopping-Experience nachzudenken als bisher.

Armin Morbach, schillernder Herausgeber des TUSH-Magazins vertrat die gänzlich unwissenschaftliche Meinung, dass eine gelungene Auswahl von Schönheit immer aus dem Bauch komme.

Und dieses Bauchgefühl, so habe ich aus seiner bewegten Lebensgeschichte geschlossen, wird vor allem durch den Mut zu Risiko geschult. In seiner Präsentation zeigte er, wie er es aus der deutschen Provinz ohne Geld in der Tasche nach Miami zu Stylisten schaffte und dann zum Fotografen und Magazin Herausgeber. Künstler wollte er dabei nie sein, denn in "Berlin sei heute jeder Depp ein Künstler".

Die wichtigste Lektion für mich war Armins Antwort auf die Frage woher er seine Inspiration nehme. Inspiration komme für ihn aus der Beobachtung des Alltags und auf keinem Fall aus Fashion Shows. Die seien meist eher Langweilig.
Ich finde diese Bemerkung sehr wichtig, weil gerade in der Werbung ein ungesundes Abschauen bei der Konkurrenz herrscht. Die Inspirationssuche bei Ads of the World führt unweigerlich ebenso zum permanenten Kopieren von Best Practice - wie die Inspirationssuche von Modeschaffenden auf einer Fashion Show.

Einen ganz eigenen Weg Innovationsideen auszuwählen hat Ulf Pillkahn von Siemens vorgestellt. Seiner Meinung nach wählen wir meist Ideen mit den falschen Kriterien aus. Besonders zu starkes Effizienzdenken (Was bringt die Idee? Wie hoch ist der ROI?) führe ganz unterbewusst dazu, dass Unternehmen nur die naheliegen, gewöhnlichen und mittelmässigen Ideen anstreben.

Denn "bei 80% der Ideen ist die Unsicherheit im Verständnis der Idee so groß, dass eine zweifelsfreie Beurteilung nicht möglich ist!"

Deshalb setzt er auf den Faktor Zufall bei der Selektion von Innovationsideen. Nach einer Ideenrunde werden neben bewusst ausgewählten Ideen auch eine Hand voll Ideen weiterverfolgt, die durch ein Zufallsverfahren - das Innovation Roulette - ausgewählt wurden. Und oftmals hätten sich gerade diese Zufallsideen bewährt. Deshalb hat er darüber ein Buch geschrieben, das bald erscheint: www.innovation-roulette.com

Bei Lars Stein, dem Gründer von Studienaktie.org, und Ernst Tanner, dem Sportlicher Leiter TSG 1899 Hoffenheim, ging es um die Auswahl von Talenten aus zwei unterschiedlichen Blickwinkeln. Während der Profi-Fussball eine harte Selektion schon in jungen Jahren trifft und denen, die es nicht zum Profi schaffen auch eine Exit-Strategie bieten muss, will das Modell von Studienaktie.org allen Menschen Bildung ermöglichen, die sich dafür einsetzen.
Das Social Startup bringt über das Internet Menschen, die etwas lernen wollen und Menschen, die in die Lernwilligen investieren wollen, zusammen - unabhängig von Alter und Studienrichtung. Dabei entstünden schon mal lustige Kombinationen, wie der Versicherungsmakler, der eine Kunststudentin unterstützt.

Richtig hart ins Gericht mit der Werbebranche ging Prof. Dr. Björn Bloching von Roland Berger.

Für ihn sei es kein Wunder, dass eine Branche die bei wachsendem Professionalisierungsdruck unterdurchschnittliche Gehälter zahle, wenig Weiterbildung ermögliche, kaum Aufstiegschancen biete, keine Personalpolitik oder Employer Branding betreibe und die Mitarbeiter in operativen Tätigkeiten verheize von Young Potentials zunehmend ausselektiert werde.
Denn die würden heute viel mehr auf Selbstverwirklichung und Work-Life Balance achten als früher. Gerade in Sachen kreativer Selbstverwirklichung böte die Werbung zwar heute unendliche Potentiale, doch die Rahmenbedingungen stimmten nicht.

Viel zu wenig Zeit hatte Russell Davies, Stratege bei Ogilvy & Mather, Blogger und Konferenzveranstalter. Seine Flugzeiten lagen so ungünstig, dass ihm nur wenige Momente blieben, um über die Selektion von Ideen zu sprechen.

In seinem blitzschnellen Vortrag gab er vier Suchfelder an, in denen er in naher Zukunft das Potential bedeutungsvolle Ideen kommen werden:

Der wichtigste Satz für mich stand allerdings auf einer Folie am Ende seines Vortrages. In ihm steckt sowohl die Krise der Kommunikationsbranche als auch eine Idee wo die Kreativität der Agenturen und Strategen in Zeiten des digitalen Umbruchs künftig gebraucht wird:

"Businesses are looking for new things to sell, not new ways to sell" (Russel Davis)

Vom Markenstrategen zum Intangible Value Designer...könnte das die Richtung sein....

Don't let others define you and put you in a silo...

2011-06-06T06:10:00.001-07:00

Posted via email from creative*glasses

How to create something meaningful - My Guest-Lecture @Miami Ad School Hamburg

2011-05-09T02:27:00.001-07:00

I had the pleasure to give a guest lecture at the Miami Ad School Hamburg as part of Steffen Stäuber's 'Create Meaning" Project (http://createmeaning.com).

Ten Students are briefed to develop ideas and concepts that go far beyong traditional advertising. They have the goal to produce something that is meaningful to people like a Game or a new Product.

So in my lecture I wanted to make them aware of "the meaning of meaning" and also inspire their creative thinking with a little introduction into my understanding of Design Thinking and some useful tools.

Here are my slides:

How to create something meaningful.

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I have also written a guest post on createmeaning.com giving a little more context to the slides: http://createmeaning.com/2011/05/how-to-create-something-meaningful-two-thing...

Posted via email from creative*glasses

How to create something meaningful... Mein Gastvortrag zum 'Create Meaning" Projekt

2011-05-09T02:03:00.001-07:00

Schon am 21. April hab ich in der Miami Ad School Hamburg einen Gastvortrag im Rahmen des Create Meaning Projektes, das von Steffen Stäuber angestoßen wurde.

Im Rahmen des Projektes versuchen 10 Studenten der Miami Ad School Alternative Kommunikationsformen zur klassischen Werbung zu entwickeln. Von der digitalen Plattform bis zum Neuprodukt ist alles erlaubt, dass für Menschen Bedeutung entfaltet und so die Marke stärkt.

Für das Projekt gibt es unter http://createmeaning.com einen interessanten Blog.

Dort sind auch die Folien meines Gastvortrags mit dem Titel "How to create something meaningful" zusammen mit einem langen Artikel von mir zu finden. In meinem Vortrag habe ich den Studenten nahegebracht, wie wichtig es ist, in die Lebenswelt der Menschen einzutauchen, für die man etwas bedeutungsvolles entwickeln will. Daneben habe ich den Kreativ-Prozess beschrieben und einige Tools vorgestellt.

Hier ist der Link zu meinem Gastbeitrag auf createmeaning.com: http://createmeaning.com/2011/05/how-to-create-something-meaningful-two-things-to-consider-my-guest-lecture-at-the-miami-ad-school/

Und hier meine Folien aus dem Seminar:

How to create something meaningful.

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Nun bin ich gespannt auf die Ideen der Studenten, die mich mit ihren guten Insights wirklich beeindruckt haben.

Das Netz vom Vorinformations-Medium zum Kontext-Raum: Ansatz für eine basale Transmedia Storytelling Architektur bei Museen, Events und mehr.

2011-04-11T02:39:00.000-07:00

Vor einigen Tagen habe ich die Ausstellung von Gilbert and George in den Deichtor Hallen in Hamburg besucht.
Als ich die meine Sachen in der Gaderobe einschließen wollte, fiel mir ein, dass ich mein Ipad dabei hatte. Spontan beschloss ich ein Experiment zu wagen und zu schauen, wie das Web mein Erlebnis der Ausstellung bereichern könne.

Das Ergebnis war ziemlich ernüchternd.

Ich nahm vor einem der großen Werke auf einer Holzbank Platz, holte das iPad aus der Tasche und begann zunächst einmal über die Künstler zu googeln. Dabei wurde ich misstrauische vom Wachpersonal im Blick behalten, dass anscheinend unschlüssig darüber war - ob ein iPad ebenso aus dem Museum verbannt gehört wie ein Mobiltelefon.

Wenn man nach Gilbert, George und den Deichtorhallen bei Google sucht erhält man eigentlich nur Informationen, die auf die diese oder andere Ausstellung hinweisen: Die Ankündigung der Ausstellung auf den Seiten der Deichtor-Hallen, Zeitungsartikel zur Ausstellung etc. Über das Konzept der Ausstellung oder zu den einzelnen Bildern war nichts zu finden. Und die wenigen Online-Videos zu Gilbert und George konnte ich nicht aufrufen, da die Museums-Mauern das UMTS Signal meines iPads perfekt abschirmten.

Natürlich hätte ich mich um eine Führung bemühen können - doch die findet lediglich um 16.00 Uhr statt. Nach einer Audio-Tour hatte ich nicht gefragt, zumal ich mit dem iPad ein Multimedia-Gerät in den Händen hielt, das wesentlich mehr Leistung zu bieten hat als ein knisternder Audio-Tour Kopfhörer.

Der umfassenste Einstieg in die Bedeutung der Bilder der Ausstellung hätte mir nur der Katalog gegeben. Das gedruckte Exemplar wurde jedoch außerhalb der Ausstellung angeboten, es kostet einen stolzen Betrag und wog gefühlt eine halbe Tonne. Darin hätte ich mobil kaum lesen können.

Natürlich kann man jetzt fragen, warum ich so auf der Suche nach Kontext-Informationen war. Schließlich hätte ich die Bilder doch für sich selbst sprechen lassen können. Das stimmt, doch letztlich ist es immer das Kontextwissen, dass den Dingen, die wir sehen eine tiefere Bedeutung bringt. Und wenn ich von Kontext-Informationen spreche, meine ich nicht nur trockenes Kunsthistorisches Wissen. Das Erlebnis von Bildern kann besonders durch Geschichten aufgeladen werden und digitale Medien können einen unterhaltsamen Einstieg liefern, wie dieses Beispiel aus Polen zeigt:

Entscheidend an diesem Beispiel ist für mich weder die technische Umsetzung noch die Frage, ob die Inhalte zu "flach" inszeniert sind (Diese Diskussion wurde im Kulturmanagement-Blog von Christian Henner Fehr geführt).

Entscheidend an diesem Beispiel ist, das hier das Internet nicht allein als Medium verstanden wurde, in dem Menschen sich im Vorfeld über eine Ausstellung informieren, sondern als die technische Infrastruktur, die den Kontext der Ausstellung durch Informationen und Storytelling bereichert.

Bereits vor über einem Jahr habe ich in einem anderen Blog-Post am Beispiel eines Hotel-Besuchs argumentiert, dass es ein Kern-Kriterium des allgegenwärtigen Netzes ist, dass auch die Erlebnis-Phase eines Produktes, Anlass für digitale Informationszugriffe und Dialoge ist: http://creativeglasses.blogspot.com/2010/01/auswahl-erlebnis-erfahrung-eine.html

Das unten stehende Schaubild eines vom Menschen aus gedachten Produkt-Erlebnis-Zyklus macht deutlich, dass die digitalen Potentiale eines Ausstellungs-Konzeptes in allen Phasen des Erlebens liegen.

Jedes Produkt-Erlebnis ist ganz allegemein betrachtet in drein Phasen unterteilt: Die Auswahlphase, die Erlebnisphase und die Erfahrungs-Phase in der das Erlebte bewertet wird.

Da das Netz früher nicht mobil zugänglich war, und während eines Ausstellungsbesuchs nicht zur Verfügung stand, wurde es automatisch vom Menschen als "Vorinformations-Medium" oder im Anschluss an den Besuch als ein "Bewertungs-Medium" betrachtet: Man hat im Internet Informationen gesucht , um zu entscheiden, ob man die Ausstellung sehen will. Und wenn man sie gesehen hat, hat man seine Bewertung des Erlebten im Internet mitgeteilt. Auch der Katalog ist nicht als Kontext-Information gedacht, sondern soll die Zeit nach dem Besuch, die Erinnerung and die Ausstellung, bereichern. Dementsprechend wurde alle Informationen auf diese beiden Phasen hin konzipiert und aufbereitet.

Jetzt ist der Zugriff über Smartphone und iPad allgegenwärtig. Doch die Informationen, die während eines Besuches relevant sind, fehlen.

Damit verschenken Museen jedoch eine großartige Chance zum transmedialen Erzählen. Und dafür braucht es nicht zwangsläufig Schauspieler, die Gemälde als Marketing-Gag inszenieren. Es geht viel basaler um den Aufbau einer technischen Infrastruktur, um die Erlebnis-Phase zu digitalisieren.

Diese balsale Infrastruktur beinhaltet:

Eine W-Lan Anbindung des Ausstellungs-Raumes, für den schnellen Zugriff auf Kontext-Informationen

Eine mobile Website, die die Geschichten hinter den Werken, Künstlern und der Ausstellung bereit hält. Eine Art Mini-Katalog, der Dank der modernen Smart-Phones auch Video/Audio-Inhalte abspielen kann. (So können über das Netz schon heute Audio-Guides über das Smartphone des Besuchers abgewickelt werden).

Denn steht diese Infrastruktur können Spielsystematiken, Rätsel oder digitale Besucherkommentare die Ausstellung noch tiefer berreichern und unterhaltsamer machen.

Darüber hinaus sind diese Gedanken nicht auf ein Museum beschränkt. Sie können zum Beispiel ein Zoo Erlebnis ebenso bereichern wie ein Firmen-Event. Und sie treffen auch auf jeden großen Store zu. Kontextbezogene Informationen hätten mir in diversen Baumärkten schon viel Ärger erspart.

Doch jetzt die Frage an die Leser: Wer kennt gute Beispiele wo die Erlebnisphase für Kontext-Informationen genutzt wurde.

"DieEhrlichen.com" - A little status update on my #transmedia project including our application for EU-funding.

2011-04-07T05:03:00.001-07:00

In November 2010 director Jan Schütte and I have started "DieEhrlichen.com" (German for 'The Honest') - our experimental transmedia plattform and actors lab.

Basically we try to build a network of fictional video-blogs interacting with each other an die audience first and want to spread out our characters/stories then into other media-forms form facebook to cinema.

This was first post describing our initial idea: http://creativeglasses.posterous.com/starting-a-transmedia-storytelling-experiment

Since then a lot of great things happend:

We have earned a lot of great feedback online and on film conferences in Cologne and the Digital Film Camp during the Berlinale in Berlin.

We had also the pleasure to host two workshops for actors and writers who like to join the project in Hamburg. Although the video below is in German it will give you some insight into the creative spirit of our Workshops. A workshop for Berlin is already planned.

Now we have about 10-15 well known German actors and writers who are building new characters and stories for the web. Some of them are already online. Others are in the try out phase. And the whole team is constantly posting and discussing ideas in our secret facebook-group.

Last year Jan and I just wanted to do something about digital storytelling. Now we fell, that we are at the edge of creating a real movement among professional actors that might spread across the european borders.

And with that we are facing new challenges: More than ten highly creative people are far more acive and productive than our time planning estimated. Sometimes we aren't able to follow every discussion and idea that is coming from the writers and actors.

But the biggest challenge is technology. We started the project with a word-press blog as our central entrance into the project. It was fine to start the project. Now it is like a static, time consuming monster that is not able to display the interactions between our fictional characters - that the creative team is thinking of.

Therefore we have applied for First Motion Funding. First Motion is an EU funding programm for transmedia production. It offers 30.000 € and we hope to get this money to build a new website for the project.

The Call for Papers ended last week. Every free minute I had over the last month went into this application. Now we have to wait for the decision. And even if we don't win the funding: writing the application helped us to understand our own ideas better and encouraged us to go forward with the project with or without funding.

So now we decided to make our application puplic: We hope to inspire other transmedia producers with our ideas and every feedback would be great. (And please don't steal!)

https://docs.google.com/document/d/1AOeG4Zpe3u6R51hW5DWc_XNNmY3FqMom6HiVpfNhj...

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Mit Bacardi Cola gegen den Web-Wahnsinn? - Nur wer ist hier eigentlich wirklich gestresst? Satire

2011-03-28T08:42:00.000-07:00

Werbung ist ja irgendwie ein Kulturindikator.
Und in der letzten Zeit häufen sich die Aufrufe zum analogen Leben.

Im letzten Jahr erklärte Diesel "Stupit is analog" und richtete eine analoge Version von facebook in Berlin aus.

Zusammen mit Fiat forderte Diesel uns dann zum Disconnect! auf:

VW erklärt den EOS zum Auszeit-Auto von der schnellen digitalen Welt.

Bacardi greift mit der neuen Kampagne laut Pressemeldung, die "veränderte Lebenseinstellungen der Konsumenten in der heutigen, digitalisierten und damit schnelllebigen Gesellschaft auf, ohne dabei seine Wurzeln zu verlieren. „BACARDI TOGETHER geht es um die echten menschlichen Verbindungen im Leben."

Und auch Astra widmet sich dem Thema "Web-Wahnsinn" und fordert (wenigstens kreativ), dass Astra Analog bleiben müsse.

Es scheint also ein tiefes Bedürfnis zu geben der Hektik des digitalen Zeitalters zu entkommen. Und wie es aussieht ist die Lösung Autofahren oder Alkohol.

Klar, dass sich dem auch Journalisten gerne anschließen und den OFFLINE Gang zelebrieren.

Hier setzen alle auf den gleichen Insight: Das Internet macht uns Wahnsinnig und gestresst. Aber ist es ein Insight?
Sind wir wirklich alle vom Netz so überfordert - oder machen hier vom Webwahnsinn verfolgte Werber und Journalisten ihre Lebensrealität zum Thema ? Schließlich sind ihre Branchen vom digitalen Wandel besonders getroffen...

Darüber kann man ja mal diskutieren...

Wie man digitalen Cool-Stuff entwirft: Worksheet-Ideen zur digitalen Strategie.

2011-02-28T08:34:00.000-08:00

Wie entwickelt und plant man digitale oder gar transmediale Kommunikations-Angebote?

Diese Frage stellen sich sowohl Werber, PRler, Filmemacher, Spielentwickler oder Start-up Gründer. Im Grunde stellen sich alle diese Frage, die im Netz um Aufmerksamkeit ringen.

Vor einiger Zeit habe ich auf dem Digital Planning Workshop des Verbandes der Marken- und Kommunikationsstrategen eine Präsentation über die strategische Planung im digitalen Raum gehalten.

People Centered Planning in digitalen Welten.

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Damals habe ich argumentiert, dass ein "Digital Stratege" durch Beobachtung von Menschen nach Cool Stuff Opportunities statt nach Insights zu suchen. Als 'Cool Stuff Opportunity' bezeichne ich die Gelegenheit ein marken + oder produktverwandtes Thema oder eine Aktivität durch ein digitales Erlebnis zu bereichern.

Aber wie soll das gehen? Ein Erfolgsrezept hat niemand.

Doch weil sich mir die Frage immer wieder stellt - möchte ich heute die Ideen der Präsentation kurz vertiefen und dann zwei WorkSheets vorstellen. Die Arbeitsblätter sollen helfen den digitalen Strategieprozess zu inspirieren. Sie sind definitiv Work in Progress ist, freue ich mich auf jedes Feedback!

1. Der Hintergrund der Worksheets (eilige können das überspringen)

Egal ob ein Spiel (wie bei der aktuellen Honda Kampagne von Wieden Kennedy), einem Service (wie nike+) oder einer transmedial erzählten Geschichte (wie für die TV Serie Dexter) - am Ende geht es bei digitaler Kommunikation immer darum ein cooles Angebot zu machen.

Denn das Netz funktioniert beinahe ausschließlich nach dem Pull-Prinzip. Man kann Menschen - jenseits gekaufter Werbeflächen - nur Angebote machen, die sie von selbst und freiwillig aufgreifen.

Damit wird die Kommunikation für ein Produkt selbst zu einem Kommunikationsprodukt, dessen Erlebnis sich am "Markt" behaupten muss. Jede iPad-App, die eine Marke als Kommunikationsmaßnahme zur Welt bringt, konkurriert gegen 1 Milliarde andere Apps. Ein Videoangebot konkurriert gegen die Fülle von Youtube Clips.

Der Digital Stratege ist in folge dessen zu jemandem, der an der Produktentwicklung - dem Cool Stuff Design - mitwirkt - in dem er den Produkt-Anlass liefert und das Produkt-Erlebnis im Blick behält. Und dieser Blick darf sich nicht nur auf die aktuelle Kommunikationsidee richten, sondern holistisch auf jedes Detail des digitalen Auftritts.

Star-Stratege Helge Tenno liefert dieses Beispiel:

An example:
People travel between two cities. They can either travel by plane or by train. The train takes double the amount of time and is as expensive as the plane – why would you choose to ride the train? The National Railway of Norway were faced with this dilemma and wisely decided on a brand platform suggesting that when it comes to the train it is the journey itself that is the destination – the train ride in itself is a valuable product – as opposed to the plane which is just herding cattle.

The company invested heavily in this story on a range of surfaces and channels. But what happened when people came online to their website – possibly the most important interface in the interactions between the brand and the customer? Online the story was hidden. What people met where a ticket purchasing application/calculator mistakenly similar to the one offered by any cattle herding airline.

(http://www.180360720.no/index.php/archive/a-wider-digital-perspective-part-1/)

Und darin sehe ich vor allem den fundamentale Unterschied zur klassischen Werbung . Der klassische Werbestratege sucht nach dem Anlass, um ein bestehendes Produkt attraktiv zu machen. Die Aufmerksamkeit für die darauf folgende Kreation wird durch Mediaplätze eingekauft.

Ein Digital-Stratege hingegen muss im Netz genauso wie im Real-Life die Gelegenheit für ein digitales Angebot finden, dessen attraktives Erlebnis auf das zu bewerbende Produkt abfärbt. Und er muss dafür sorgen, dass dieses Angebot bekannt und genutzt wird. Dabei sollen die beiden Work-Templates helfen...

3. Die Worksheets

3. 1. Das "Cool-Stuff Opportunity" Template

Download pdf

3. 2. Der "Cool Stuff" Experience Plan

Download pdf

Das Work-Template soll helfen, einen ganzheitlichen Blick auf ein digitales Erlebnis/das Kommunikationsprodukt zu behalten. Es stellt Fragen, die eine digitale Idee auf ihre Tragfähigkeit als Erlebnis prüfen. Und es funktioniert rekursiv: Es kann sowohl für ein Gesamt-Erlebnis angewendet werden - wie auch für jedes Detail einer Kampagne.

Nachtrag:

Die Inspiration für das zweite Template kam übrigens von dieses Business-Plan Model für Start-Ups.

Es wurde von Ideo-Designer Tom Hulme für HackFwr entwickelt. Die Ähnlichkeit macht doppelt deutlich, dass Digitale Kommunikation immer bedeutet Erlebnis-Produkte zu entwickeln. Es ist obStart-Up, Medienunternehmen, Künstlerkollektiv oder Werbeagentur. Der einzige Unterschied ist das Revenue-Modell: Bei dem einen zählt Geld, bei dem Anderen die Aufmerksamkeit.

Damit stellt sich Agenturen eine ganz andere Frage: Wenn der Digitale Stratege jemand ist, der mit der Mentalität eines Start-up Gründers, Kommunikationprodukte entwirft - Was hällt die Besten davon ab, ein wirkliches Start-up zu gründen.

Lance Weiler on #transmedia

2011-02-28T05:06:00.001-08:00

Very interesting and insightful.

Transmedia from Vimeo Festival on Vimeo.

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Digital Thinking basiert auf Digital Behaviour - Der blinde Fleck der Unternehmenskultur.

2011-02-03T03:07:00.000-08:00

Manchmal verfolgt einen ein Gedanke, der aus dem Kopf heraus will.

Er hat nichts mit Transmedia Storytelling zu tun - lohnt sich aber trotzdem zu lesen :-)
Heute habe ich einige unstrukturierte Gedanken zum Digitalen Wandel skizziert - mit dem Aufruf zu Kommentaren und Diskussion, denn so richtig gar ist das noch nicht.

Immer wieder kommt auf Veranstaltungen und in Gesprächen mit Kollegen die Frage auf, wie sich eine Agentur oder ein Medienunternehmen auf die Veränderungen des Social Web einstellen kann.

Die Antworten lauten in vielen Unternehmen Schulungen besuchen, von Digital Natives zu träumen, Berater engagieren, ein Social Media Team einstellen, eine Digital Unit ausgründen oder eine Task Force bilden. All das soll "Digitales Denken" im Unternehmen verankern.
Und Fall der Agenturen erhofft man sich so schnell digitale Kommunikationslösungen und Kampagnen realisieren zu können, die Kunden begeistern.

Gegen keine dieser Maßnahmen kann man im Grunde etwas sagen.

Außer vielleicht, dass sie für mich einen blinden Fleck haben, wenn sie sich nur auf das Kundengeschäft beziehen.

Denn diese Lösungsansätze verschieben die Herausforderung "Wie funktioniert das Social Web" in ein Silo. Man schaut von Außen auf das Web und versucht es durch einen Anbau an die bestehende Struktur an sich zu binden, statt zu integrieren. Die Verantwortung für 'Digitales' wandert sogar in vielen Fällen ganz in die neuen Abteilungen und befreit die bestehenden Abteilungen von dem Zugzwang, ihre Arbeits- und Denkweisen zu verändern.

Es ist ein wenig so, wie mit Rückenschmerzen zur Massage zu gehen. Die Schmerzen lassen nach, kehren aber wieder, wenn sich die Sitzgewohnheiten nicht ändern ( Ich spreche aus Erfahrung :-).

Man könnte also sagen Task Force und Social Media Manager dämpfen die Symptome. Eine nachhaltige Veränderung können sie nur dann bewegen, wenn ihre Bemühungen nach Außen und Innen gerichtet sind. Genaus wichtig wie das Ausarbeiten von Konzepten für Kunden ist es, intern eine netzaffine Unternehmenskultur anzuregen, die von den Kollegen getragen wird - denn das Social Web verändert nahezu alle Unternehmensprozesse.

Um den Medienwandel nachhaltig mitzugestalten, ist eine Unternehmenskultur notwendig, die neue Technologien gelassen aufnimmt und Freude an der ständigen Veränderung entwickelt. Denn das Innovationstempo wird eher zunehmen als abnehmen.

Doch die Veränderung einer Kultur entsteht nicht im Denken, sondern im Handel. Es bringt also wenig "Digitales Denken" zu fordern, ohne "Digitales Verhalten" zu fördern.

Und dieser „Shift of Mind“ kann nur aus der eigenen Netzerfahrung des Mitarbeiters getragen werden.

Ein immer noch zu wenig beachteter Angriffspunkt 'Digitales Verhalten" in einer offline-geprägten Unternehmenskultur zu implementieren, ist das Social Web nicht nur als Kommunikationskanal nach Außen zu betrachten. Es ist vielmehr als eine Infrastruktur zu verstehen, die die interne Zusammenarbeit und Kreativität verbessern kann.

Deshalb beginnt ein Kulturwandel damit, die Technologien des Social Webs für die alltägliche interne Zusammenarbeit zu nutzen. Darin liegen nicht nur Potentiale für besseres Wissen-Management und Zusammenarbeit ( Zum Stichwort Enterprise 2.0 kann @Jormason von DoubleYUU eine Menge erzählen :-) )

Viel Wichtiger: Die tägliche „Netzarbeit“ baut Berührungshürden ab, schärft technologisches Verständnis und die Konzeptsicherheit - doch nur wenn interne Social Tools dem Nutzer mehr SPASS an der Arbeit versprechen und liefern.

Allerdings neigen Menschen bei jedem Wandel dazu, den radikalen Umschwung zu proben. Im Fall der Rückenschmerzen heißt das am ersten Januar ein Jahresabo bei Kieser-Training abzuschließen, neue Büromöbel zu kaufen und große so Erwartungen an den gesundheitlichen Aufstieg haben, dass die wieder zu Rückenschmerzen führen.

Auf einen Technologiewandel übertragen, wird einem Unternehmen eine große Software-Suite übergestülpt, die eventuell gar nicht zu den internen Prozessen passt. Die Mitarbeiter werden damit konfrontiert, alle gewohnten Prozesse auf einmal aufgeben zu müssen und das Unternehmen stellt ihre Fähigkeit zur Selbstorganisation in Frage.

Persönlich liegt mir ein sukzessiver Wandel näher. Aus der genauen Beobachtung der Unternehmenskultur und der internen Prozesse kann man kleine digitale Veränderungspakete ableitet, die konkret zu benennende Probleme technologisch lösen.

Dabei ist es hilfreich im ersten Schritt auf günstige "Apps" und bereits bestehende Social-Software-Tools zu setzen, mit denen man testet, was wirklich benötigt wird.

Drei Beispiele:

Ein Team stellt fest, dass die internen ToDo's in der Flut der täglichen Mails verschwindet. Eine Lösung zum Anfang könnte ein ToDo Manager wie TheDeadline oder Staction sein.
Die Kollaboration an Präsentationen führt zu E-Mail Schleifen und Versionskonflikten. Niemand weiß mehr, welche Datei aktuell ist: Warum nicht die Präsentation inhaltlich in Google Docs konzipieren.
Mitarbeiter finden, dass es zuwenig interne Informationen gibt. Vorgesetzte finden, dass sich Mitarbeiter mehr mit Facebook auseinandersetzen sollten: Warum nicht im ersten Schritt eine geschlossene Facebook-Gruppe gründen in der interne Veranstaltungen und Links geteilt werden.

Die freien oder günstigen Tools, die das Netz jetzt schon zur Verfügung stellt, sind ideale Prototypen an denen man Digital Behaviour einüben kann. Darüber hinaus wird schnell deutlich welche Prozesse wirklich von Software profitieren. Der unschlagbare Vorteil: Man bleibt flexibel und kann sich der Innovationsgeschwindigkeit des Netzes anpassen - statt mit einer teueren Lösung zu leben, die nach wenigen Monaten bereits überholt ist.

Denn so schnell wie sich das Netz wandelt, wandeln sich auch die Tools.

Pandemic 1.0 - And the Question of Transmedia Documentation

2011-02-01T06:51:00.001-08:00

Yesterday I read about Pandemic 1.0 on psfk.com. It is a transmedia experience by Lance Weiler that took place during the sundance film-festival.

Basically players following the storyline had 120hrs to stop a global pandemic.

This Video gives a glimpse on this interesting experience:

While watching the video I thought about something that Jan Noel Thon told me a couple of days ago.

Jan is a media researcher at the University of Mainz and co-hosting the Storyworlds Conference in June.

We were discussing our views on transmedia and he told me about the importance to document transmedia experiences properly. Many transmedia experiences / alternate reality games only exist during a specific time frame. And without a documentation it is nearly impossible to use them for research or education.

I agree with him.

Since I visited screenwriting school I have been so grateful that it is possible to get a lot of famous movie scripts from the web - to analyse and learn from them. Like on scriptorama. Sadly I have not found something like scriptorama for transmedia stories.

So I call on us transmedia designers and thinkers to share our scripts after the story has been told. Let's make them open-source to learn an do more.

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Great eBook: Getting started in #Transmedia by Robert Pratten (@zenfilm). A must read!

2011-01-26T23:56:00.001-08:00

Robert Pratten from zenfilms has written an interesting and compelling ebook on transmedia storytelling. He has aggregated the most influential blog posts into this insightful overview that explains transmedia from concept to financing. Awesome work! A must read!

Getting started in Transmedia Storytelling

View more documents from Zen Films.

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Transmedia Storytelling - Mein Thema des Jahres.

2011-01-10T06:01:00.000-08:00

Der erste Blogpost im Jahr ist etwas Besonderes. Meistens legt er die innere Route für das kommende Jahres fest.

Ich habe lange nachgedacht, worüber ich schreiben möchte und bin immer wieder beim Transmedia Storytelling gelandet: Der Kunst aus medienübergreifend vernetzten Geschichten eine Welt zu schaffen und erlebbar zu machen.

"Transmedia storytelling represents a process where integral elements of a fiction get dispersed systematically across multiple delivery channels for the purpose of creating a unified and coordinated entertainment experience. Ideally, each medium makes it own unique contribution to the unfolding of the story. So, for example, in The Matrix franchise, key bits of information are conveyed through three live action films, a series of animated shorts, two collections of comic book stories, and several video games. There is no one single source or ur-text where one can turn to gain all of the information needed to comprehend the Matrix universe." Henry Jenkins

Schon eine ganze Weile verfolge ich das Thema und habe immer wieder darüber geschrieben:

http://creativeglasses.blogspot.com/search/label/transmedia_storytelling

Nun geben mir einige Indizien das Gefühl, dass das Thema über den akademischen Diskurs, in dem es Prof. Henry Jenkins, der Transmedia als Begriff populär machte, hinaus an Fahrt gewinnt:

Wired widmete dem Thema die August-Ausgabe.
Auf der Picnic 10 Conference wurde das Thema diskutiert. Mein Rückblick darauf: http://creativeglasses.blogspot.com/2010/09/mein-picnic-in-amsterdam-ruckblick-auf.html
Es gibt Linklisten im Web.
Es gab eine TEDx Konferenz Transmedia
Das Workbook-Project veröffentlicht einen Transmedia Podcast
Auf Slideshare sammeln sich die Präsentationen zu Transmedia und dem Einfluss auf Marketing und Werbung.
Die PR-Agentur Edelman erklärt Transmedia Storytelling zum "Digital Trend to Watch 2011"
Es gibt diverse Seminare zu dem Thema
und unter dem Hashtag #transmedia hat sich auf Twitter ein lebhafter Dialog entwickelt.
Die stART Conference 2011 widmet sich dem Thema.
Es gibt viele Einführungen in das Thema zum Beispiel von Robert Pratten, Inga von Staden oder Maureen McHugh

Am deutlichstes habe ich die Relevanz des Themas allerdings durch die unerwartete Resonanz auf einen eigenen Vortrag gespürt.

Bereits am 13.12 zeigte ich einige Slides beim Hamburger Autorentreffen, die kurz in das Thema und in die Diskussion über "Transmedia Storytelling" einführen sollten. Einmal im Monat treffen sich im Kulturwerk West auf St. Pauli Drehbuch und Roman-Autoren zum gegenseitigen Austausch.

Im Anschluss an die Veranstaltung habe ich meine Folien bei slideshare hochgeladen. Und seitdem haben etwa 1330 Personen die Präsentation angeklickt.

Nun möchte ich im Folgenden meine Gedanken zu einigen Slides detaillieren und einen Ausblick auf das kommende Jahr wagen.

Ich glaube nämlich, dass uns 20011 künftig vermehrt "Story Architects" begegnen werden: Also Leute die sich damit beschäftigen, wie man medienüberspannende und zum Teil interaktive Erzählwelten konstruiert.

Denn sowohl für die Unterhaltungs - als auch für die Kommunikationsbranche wird es in einer fragmentierten Medienlandschaft immer wichtiger sich durch eigene langfristig bindende und medienübergreifende Angebote zu differenzieren. Und in gewisser Weise ist gerade die Markenbildung vom Storytelling abhängig: denn die Identität einer Marke ist soziologisch betrachtet die Summe aller Geschichten, die eine Marke über sich erzählt und der Geschichten, die über eine Marke erzählt werden.

Der Story Architects erweitert die Arbeit des "Information Architects", der sich um die Usability von Plattformen kümmert um die Themen Story Development, Dramaturgie und Erlebnis/Unterhaltungswert. Mit dieser Rolle experimentiere ich mit der ich innerhalb meine Transmedia Labors "Die Ehrlichen".

Damit zu den Slides:

1. Der Schwerpunkt beim Transmedia Storytelling liegt beim STORYTELLING!

Egal aus welcher Branchen-Brille (sei es Marketing, Unterhaltung oder Games) man Transmedia Storytelling betrachtet: Es ist essentiell, sich den Unterschied zwischen einer Botschaft und einer Story klar zu machen (Es heißt ja nicht Transmedia Messaging :-) ).

Eine Story macht eine Botschaft spürbar, indem sie für die Botschaft eine Inszenierung schafft, die die Botschaft und mit dem mächtigsten Gefühl des Menschen verbindet und fühlbar macht: Der Empathie - dem Mitgefühl.

Allerdings ist Mitgefühl in der deutschen Sprache ein schwieriges Wort. Im Alltag wird es oft gleichbedeutend mit Mitleid verwendet. Doch Mitgefühl ist allgemeiner als Mitleid oder auch Symphatie. Innerhalb einer Geschichte können wir mit einem Erfolglosen ebenso mitfühlen wie mit einem Erfolgreichen oder sogar einem Bösewicht. Mitgefühl und Symphatie sind dafür nicht nötig.

Erst aus dieser emotionalen Involvierung entsteht Spannung. Deshalb ist es für gutes Storytelling entscheidend, dass nicht nur die Informationen rational verstanden werden, sondern das Publikum in die Lage gebracht wird, sich in die Situation der Handelnden einzufühlen und deren Gefühle mitzuerleben.

Das Buch der Publikumsvertrag gibt einen guten Überblick über die Kategorien, mit denen Spielfilme über 90 Minuten Empathie erzeugen. Das Buch zeigt auch deutlich, dass einfache aesthetische oder sexuelle Reize nur sehr kurzfristig Aufmerksamkeit binden können. Damit haben vor allem Werber zu kämpfen, die Versuchen mit der Erzählweise eines 30-Sekünders längere Formate zu füllen.

Es gibt jedoch kein allgemeines Rezept, um Empathie in einer Geschichte zu erzeugen. Allerdings haben sich ein paar Grund-Gewürze für gute Geschichten bewährt:

Ein klares Thema, damit das Publikum weiß worum es geht und die Story mit vorhandenem Wissen in einen Lebenskontext setzen kann.

Charaktere, die nicht perfekt sind, sondern sich wie das Publikum mit Gefühlen, Ängsten und Begierden herumschlagen müssen.

Jede Geschichte braucht einen Konflikt, den es zu lösen gilt. Bekommt der Held das Mädchen, oder wird er vom Drachen gefressen. Je essentieller dieser Konflikt ist, desto spannender ist die Geschichte.

Aus jedem Konflikt entsteht ein Wandel. Wir erwarten, dass sich im Laufe einer Geschichte etwas verändert, der Held etwas dazu lernt. (Mal abgesehen von einer Tragödie, die vom Scheitern des Helden lebt).

Ein ganz einfaches Beispiel für den Zusammenhang von Botschaft, Story und den Emphatie-Gewürzen ist "Deutschland sucht den Superstar".

Die Botschaft ist klar: "Auch Du kannst Superstar werden!"
Das Thema ist Ruhm
Die Charaktere, die Kandidaten, sind alles andere als perfekt.
Der Konflikt ist der Wettkampf, gegen die anderen, gegen die Jury und gegen sich selbst.
Der Wandel ist der Erfolg oder Misserfolg.

Noch stärker bewegen uns allerdings Geschichten, in denen der Konflikt ein innerer ist. Der Kampf gegen sich selber und die Hoffnung auf ein besseres Leben machen aus der Geschichte des Obdachlosen Ted Williams, der an der Straße stehend hofft mit seiner goldenen Radiostimme entdeckt zu werden eine große Geschichte. Mittlerweile hat er erste Werbeaufträge erhalten.

Auch in Computer-Spielen findet man viele Formen von Heldenreisen. Hier ist der Spieler der Held, der innerhalb einer gegebenen Welt seine eigene Geschichte schreibt. Dabei sind die Konflikte meist sehr offensichtlich essentiell: Es herrscht Krieg, Monster überfallen die Erde, Terroristen bedrohen die Freiheit.

Und wenn man ganz genau hinschaut, sind auch die kleinen Geschichten, die man einander über den Bürotisch oder auf Facebook erzählt so gewürzt.

Wie man die Kategorien des Storytelling für Kampagnen nutzt hat Maike Gosch vor einiger Zeit in einem schönen Blog-Post beschrieben: http://www.scribd.com/doc/30219278/Maike-Gosch-Geschichten-Spiele-und-Kampagnen

Wenn man die Essenz einer Story verstanden hat, ist der Schritt zum Transmedia Storytelling gar nicht so weit.

Denn dieser Schritt besteht darin, sich diese Fragen zu stellen:

1. Ist die Geschichte, die ich erzählen will nicht Teil eines Universums von anderen Geschichten, die einander befruchten und spannender machen? Denn so entsteht eine Storyworld - ein Universum aus Geschichten.

2. Wenn es innerhalb meines "Universums" viele Geschichten gibt, welches Art des Erzählens eignet sich am Besten?

3. Wie lassen sich die Grenzen zwischen Fiktion und Realität so verwischen, dass ein die Story zum permanenten Spiel mit der Wahrnehmung wird.

In diesen Fragen wird deutlich, dass Transmedia Storytelling nicht zwangsläufig digital sein muss. Auch Disneyparks oder Rollenspiele á la AD&D sind Formen des transmedialen Erzählens.

Einen guten Einstieg in die Transmedia Konzeption gibt Robert Pratten: http://workbookproject.com/culturehacker/2010/07/07/transmedia-storytelling-getting-started/

Wenn man sich allerdings aktuelle Transmedia Beispiele ansieht, die ein Universum medienübergreifend aufspannen, dann fällt auf, dass Verschwörungen (Collapsus, Conspiracy for Good), Superhelden (Robin W Schrader - Superheldenpratikant auf Facebook), Fantasy und Scifi überwiegen.

Ich denke, es ist leichter in diesen Genres Welten zu konstruieren. Verschwörungen sind wie das Netz dezentral organisiert. Superhelden und SciFi haben fast immer einen klaren Gut-Böse Konflikt. Fantasy-Welten lassen sich am Reißbrett konstruieren und alle diese Genres treffen eine Nerd-Zielgruppe.

Deshalb ich stimme Dan Hon von Wieden Kennedy zu, dass langfristig die Herausforderung darin liegt eine 'Non Nerd Story', wie die Zauberhafte Welt der Amelie, in ein Transmedia-Erlebnis zu überführen.

Egal welchen Weg man wählt, seine Geschichten zu erzählen, zwei Dinge sollte man nicht vergessen:

Eine schlechte Geschichte wird nicht besser, wenn man sie transmedial erzählt.

In einigen Jahren, so schätzt Hollywood-Produzent Tim Kring, wird transmedia Storytelling einfach Storytelling sein.

2. Transmedia Storytelling nutzt die "Energie" aus verschiedenen Disziplinen.

Schon bei Marshal McLuhan findet man in den 60er Jahren den Gedanken, dass neue Kommunikationsmittel aus der Vermischung und Kreuzung des Alten entstehen. Etwas blumig spricht er seinem Werk "Magischen Kanälen" von der "Energie aus Bastarden".

Diese Energie wird für mich im Transmedia Storytelling besonders deutlich.

Bei einem Projekt wie der "Conspiracy for Good" von Nokia lässt sich nicht mehr klar unterscheiden, ob es sich um Unterhaltung handelt, um Markenkommunikation oder ein Interaktives Angebot.

Vielmehr macht es die Künstlichkeit von Branchen und Silo-Differenzierungen deutlich, die aus der Zeit vor der Digitalisierung stammen als sich Menschen, Inhalte und Märkte noch nicht so offensichtlich vernetzen konnten.

Noch spannender finde ich, dass Konvergenz und Social Media beim Transmedia Storytelling nicht im Fokus stehen, sondern so etwas wie der technisch/soziale Acker sind auf dem Transmediale Konzepte gedeihen können.

Frank Tendler, der unter echtzeitgeist.posterous.com und Organisator der stART-Konferenz zu Transmedia Storytelling ist, schreibt deshalb ganz richtig:

Diese heute als „Transmedia Storytelling“ bezeichnete Kommunikationsstrategie ist so neu nicht.[...]
Neu ist aber der Ansatz, dass 1. die Geschichte im Mittelpunkt steht und die „Werkzeuge“ definiert und 2., dass sich das gesamte Projektmanagement von Anfang an auf einer transmedialen Strategie aufbaut.

Mit dem Fokus auf Transmedia Storytelling verlassen wir das Stadium Social Media Plattformen zu bespielen, weil alle anderen sie bespielen und unterwerfen die neuen Werkzeuge einem Ziel.

Damit ändert sich allerdings das Leistungssprektrum derjenigen, die transmediale Inhalte produzieren wollen: Egal ob Werbeagentur oder Verlag oder TV-Produktion - sie alle werden sich an den Gedanken gewöhnen müssen, dass ihre Produkte künftig eine Mischung aus Marke, Story und Software sein werden und müssen entsprechende Kompetenzen aufbauen.

Das mach Iain Tait, Creative Director der Agentur Wieden Kennedy in diesem Vortrag deutlich:

Iain Tait @ CAT 2010 London from Sebastian Garn on Vimeo.

3. Transmedia Storytelling verlangt ein fließendes Verständnis von Plattform der Inszenierung

Auch ich bin noch in einer Zeit aufgewachsen, in der Inhaltsformate und ihre Plattformen klar zu unterscheiden schienen. Man sagte DAS Kino, DAS Fernsehen, DIE Oper, DIE Zeitung.

Mit der Digitalisierung und der Lösung von Inhalt und Distributionsplattform haben wir die Ebene der Separation allerdings hinter uns gelassen.

Wer heute z.B. von DEM Kino spricht, meint ein selbstgewähltes Rezeptionserlebnis (Großer Saal, Leinwand, Menschen, Popcorn) und keinen vom Medium vorgegebene Rezeptionszwang mehr. Schließlich kann ich den Film auch auf dem Laptop, dem TV und dem Handy sehen.

Natürlich trägt jede Inszenierung ein vom Autor favorisierte Rezeptionserlebnis in sich. Doch ein Transmedia Storytelling Konzept wird erst lebendig, wenn man die Story aus der Separation befreit und sich fragt, welche anderen Rezeptions- und Interaktionserlebnisse die Story-Experience bereichern.

Dabei ist die mächtigste Ebene das Spiel. Da jedes Spiel eine neue Realitätsebene mit sich bringt, einen Magischen Zirkel in dem nur die Spielregeln gelten, kann jeder Inhalt zum Teil eines Spiel werden.

4. Erst die Gesamt-Architektur schafft das Erlebnis. Deshalb steht der Mensch im Zentrum des Konzeptes.

Ein Transmedia-Erlebnis ergibt sich aus der Addition von Story-Fragmenten, die über verschiedene Medien gestreut werden. Das erfordert natürlich in der Konzeption eine Architektur zu entwickeln in der die einzelnen Teile in einander greifen.

Diese Architektur kann einem Masterplan folgen, der im Vorfeld alle Stories und ihre Plattformen festsetzt oder agil entstehen, indem man eine vorhandene Story transmedial ausweitet. Letzteres versucht das Alternate Reality Game zur Serienkiller-Serie "Dexter".

Der Prozess bleibt der gleiche: Man bestimmt die Stories und ihre Zusammenhänge innerhalb des narrativen Raumes, wählt für jede Geschichte die "Sprache" aus in der sie erzählt wird, bestimmt den Grad der User-Interaktion und die Plattform der Ausspiellung.

Dabei darf man allerdings nie das Publikum aus den Augen verlieren. Es muss steht's im Zentrum des Denkens stehen. Denn wie für alle Angebote im Web gilt auch hier:

Was nicht kickt, wird wegegklickt.

Es reicht also nicht, einfach transmedial zu sein. Es sollte schon Cool-Stuff sein, den man erzählt. Und den findet man nicht in Sinus-Mileus, sondern nur, wenn man sein Publikum "persönlich" kennt.

5. Ausblick

Egal ob sich "Transmedia Storytelling" als Buzzword durchsetzt oder nicht. Es wird im diesem Jahr immer mehr Projekte geben, die darauf setzten werden medienüberspannend ein Gesamterlebnis aus Geschichten zu konstuieren, um sich in einer fragmentierten Medienwelt eine eigenes Publikum zu erarbeiten.

Die Zeiten sind günstig, denn für das Publikum wird es zunehmend unwichtiger, ob der Absender von Unterhaltung ein Sender oder eine Marke ist. Und gerade Marken brauchen Geschichten, um ihre Identität über das Produkt hinaus zu prägen.

Allerdings ist die Konzeption solcher Projekte ist nicht banal. Ihr Erfolg basiert nämlich nicht allein auf einer technischen Expertise. Der Schlüssel zu jeder Geschichte liegt weiterhin auf der emotionalen Ebene.

Deshalb braucht es mehr als einen Information-Architect, der sich rational um die Usability von Plattformen kümmert. Transmedia braucht vielmehr einen Story-Architekten, der sich mit einem holistischen Blick, der empathischen Usability annimmt: Seine Werkzeuge sind technisches Verständnis gepaart mit Dramaturgischem Geschick, guten Ideen für Content Development und einem Gefühl für Spannung und Publikum.

Besonders wichtig wird diese Rolle in den Bereichen, wo es um ein Verweilen mit einer Nachricht oder einem inhaltlichen Angebot geht. Wo die kurze Aufmerksamkeits-Unterbrechung nicht reicht, muss ein Story muss her, um das Publikum lange zu binden.

Mein Ansatz mit neuen Rollen umzugehen, ist sie auszuprobieren. Deshalb experimentiere ich als Story Architekt zusammen mit Regisseur Jan Georg Schütte an der Storytelling Plattform 'Die Ehrlichen'. Zusammen mit Schauspielern und Autoren wollen wir so neue Formen des Erzählens ausprobieren.

My Christmas Experiment: The Last Minute Gift Inspirator

2010-12-22T02:15:00.001-08:00

Every year before Christmas I ask myself: "What do my friends like" - so that I can make them a great gift. This year I had an idea. And together with software-developer Ali Jelveh we have invented an experimental Gift Inspirator for Facebook.

This Video explains it:

And this is what it looks like:

So feel free to try it out: giftinspirator.heroku.com

It is even useful beyond christmas. You can use it for birthdays as well.

Working on this experiment was great fun. I learned a lot about the Facebook-API. It is the basis for thinking about Facebook-Apps. And I can only recommend everybody thinking about Facebook-ideas to read the API Documentation - even if you are not a programmer (like me).

I wish you all a stressfree christmas and a happy new Year.

Thank you for reading my blog.

Christian

Posted via email from creative*glasses

Erstes Feedback zum Transmedia Experiment 'Die Ehrlichen'

2010-12-06T06:08:00.001-08:00

Vor knapp zwei Wochen haben Regisseur Jan Schütte, sein Ensemble und ich unser Transmedia Storytelling Projekt "Die Ehrlichen" gestartet. Dort erzählen wir Geschichten von Menschen, wie Heiner, die sich mit einem ehrlichen Anliegen an das Netz wenden.

Seit dem Start haben wir einige neue Clips veröffentlicht und sehr produktives Feedback aus den unterschiedlichsten Richtungen bekommen. Ein Kommentar kam sogar aus Los Angeles.

Auf der Ehrlichen-Seite haben wir das Feedback zusammengefasst: [zum Artikel]

People Centered Planning. Vortrag auf dem APG-Digital Planning Workshop

2010-11-30T07:56:00.000-08:00

Am letzten Freitag hatte ich das Vergnügen einen kurzen Vortrag auf dem Digital Planning Workshop des Verbands der Marken- und Kommunikationsstrategen (APG) zu halten.

Mein Thema lautete: "People Centered Planning" oder warum es im Netz wichtig ist nicht nur von der Marke oder der Technologie aus zu denken, sondern vom Menschen aus Strategien zu entwickeln.

Die Folien dazu möchte ich nicht vorenthalten. Am besten lassen sie sich im Vollbild-Modus lesen. Kommentare und Kritik: Gerne! :-)

People Centered Planning in digitalen Welten.

View more presentations from Christian Riedel.

Starting a #Transmedia Storytelling Experiment: dieehrlichen.com | Storytelling Plattform and Actors Lab

2010-11-22T00:27:00.001-08:00

Today I write about a personal (non-budget) passion project, that is online now:

dieehrlichen.com is a fictional storytelling plattform about people sharing a very intimate concern honestly to the web. It is also an actors lab, that empowers actors to play a role they dream about.

For this Project I teamed up with filmmaker Jan Georg Schütte and his actors ensemble. Together we wish that 'dieehrliche.com' will become an incubator for new transmedia ideas and experiences beyond sci-fi or conspiracy plots.

The plattform-title "Die Ehrlichen" is German for 'The Honest'. And at the moment the plattform is in German because it makes content production a little easier. Nevertheless we want to switch to english in the future.

Until then this slideshare presents our idea and our strategy for the next couple of months:

<div style="width:425px" id="__ss_5712605"><strong style="display:block;margin:12px 0 4px">"dieehrlichen.com" - An Indy-Movie Transmedia Experiment</strong><div style="padding:5px 0 12px">View more presentations from Christian Riedel.</div></div>

Furthermore you can follow the story of "Bernd Schildknecht" - a school teacher who stumbles upon a very strange guy on youtube, who spreads satanic thoughts and looks exactly like Bernd.

The idea for dieehrlichen.com started about a year ago. Back then I met Jan Georg Schütte at the Digital Film Camp in Hamburg. We shared a common interest in transmedia storytelling and started brainstorming right away.

Since then I have been introduced to Jan's awesome actors ensemble. The call themselves "Die Glücklichen" (German for "The Happy"). And under Jan's direction they have already realized two feature length indy-movies and a TV-Mini Series. Currently they are working on Jan's new movie "Leg ihn um!" ("Kill Him!"). All their work is mainly based on improvisation.

And improvisation is also one of the greatest things about 'dieehrlichen.com'. It gives actors the ability to produce content fast, to react to the audience and most importantly: it is something that most actors enjoy to do (even without payment :-) ). We have discussed a lot of approaches to use the web for storytelling. We started with a complex conspiracy plot, thought about a series based on a screenplay while the actors tried out characters on youtube. In the end we decided two things: That improvisation is the most authentic way to work for this team. And that we need more feedback to get better.

So now we present our work so far in public. We think of it as a lab-experiment. And we hope to get a lot of feedback to build on and to attract actors, writers and others to support or join our lab.

So what do you honestly think of it?

Posted via email from creative*glasses

Beyond the Waterfall. Strategy, Agility and Communication as Mental Software

2010-11-09T07:17:00.001-08:00

An older blogpost of mine got some attention on twitter a couple of days ago. In "Agile Strategy, Tactics an the Story of a DJ" I argued that we should not prefer doing over planning because they always inform with each other. My post was a response to the Agile Strategy Manifesto by Justin McMurray.

I guess the new attention for my article was driven by a little flamewar on the german account planning group's website. The debate was triggered by an insightful post from Nina Rieke (Strategist @doubleshift). In her post "Always in Beta" she writes that brands have to be as agile as the world.

Our articles have one thing in common: we looked at software development for inspiration.

In the software world the "always in beta"- discussion frames a shift in paradigm: From the linear waterfall-model to a more complex thinking in loops that incorporate early prototyping, testing and feedback.

Waterfall

http://posterous.com/getfile/files.posterous.com/creativeglasses/himCjCsjrdhh...

Managers loved the model, because it looks simple and controllable. And most of the agencies, I know are organized similar: Strategy, Art-Direction, Implementation, Measurement. But a waterfall can't cope with (user) feedback. Acknowleging this blind spot means to chance the hole line of production, breaking down processes, silos and hierarchies.

Loop

Today a lot of software is developed in a looping process of doing and planning, or planning and doing. Doing is needed to test things out and planning is needed to make things better and learn from mistakes. The loop resembles every creative process. Mangers had to accept complexity and a loss of control.

Naturally we have Waterfall-Models for the advertising industry as well as for the movie industry.

But if we think of communication as 'mental-software'-development, we can ask ourselves, how a similar paradigm shift could be visualized for our industries.

But I haven't seen a fancy looping-model by now - so I draw one by myself.

However it follows a personal premisse: I believe that content is as convergent as technology. It will be more and more difficult to distinguish between entertainment, news or advertising content. The only glue that holds an audience together will be a story, that offers an experience.

When I have drew it, I had not thought about advertising or tradtional media or interactivity. I have thought about developing an exiting story.

So here it is. It is a first draft - so feedback would be awesome.

The great thing about the loop: It does not suggest the time frame. Perhaps the first too loops happen in a day. The first Storytelling Rollout could be the rollout of a prototype within the creative team. And while fans of doing will rush to production, fans of planning will be more busy with feedback and audience knowledge.

Posted via email from creative*glasses

What's a storytelling plattform, anyway? - Ein Blick auf projeqt.com

2010-10-26T07:34:00.000-07:00

Die selbsternannte "Creative Storytelling Plattform" projeqt.com ist mir in den vergangenen Tagen immer wieder auf Twitter begegnet.

projeqt \ how great stories are told from projeqt on Vimeo.

Ich finde project wegen aus zwei Gründen spannend: Zum einen wegen des technischen Know How der Plattform. Zum anderen wegen des Produktversprechens, eine kreative Storytelling Plattform zu sein.

Die Idee und die Umsetzung für projeqt stammen von der US-Werbeagentur TBWA. Mit projeqt hat die Agentur nicht nur das Content Management System für ihre neue Webseite entwickelt. Vielmehr hat TBWA mit projeqt ein Kommunikationsprodukt vorgestellt, dass die Beschäftigung der Agentur mit Cross-Plattform Design und HTML 5 eindrucksvoll belegt. Und in Zukunft soll projeqt als offene Blog-Plattformen sogar anderen Usern offen stehen.

PSFK.com schreibt:

Responding to the creative, advertising and marketing community mantra to tell better and more engaging stories, TBWA has launched Projeqt, a “creative storytelling platform.” Projeqt provides users (currently only TBWA employees) with a multi-media and social media-driven vehicle in which to capture and tell their complete story. The site was built in HTML5 and is device-agnostic, allowing for mobile phone access.

While Projeqt is currently available primarily to TBWA employees, the wider creative community can sign up for a beta account. Beyond being an interesting Content Management System (CMS) – it also powers the relaunched TBWA Worldwide website. Projeqt is also a step towards helping the advertising and marketing world better tell their own stories to the industry by showcasing not only the imprint it has made on behalf of its brands across the web (and off), but the creative talent that resides in their offices – whom are capable of creating their own stories. Projeqt aims to provide the technology and tools by which to more seamlessly do that.

Doch genau das Versprechen eine kreativen Storytelling-Plattform zu sein, macht mich skeptisch. Für mich klingt mir der Claim "How great stories are told" nach Overpromise.

Denn je länger ich durch projeqt browse, desto mehr werde ich das Gefühl nicht los, dass man mehr über die echt gelungene HTML 5 Umsetzung nachgedacht hat, als über die Kunst eine spannende Geschichte zu erzählen.

Diese Gedanken begleiten mein Gefühl:

-1-

Wer sich mit Geschichten beschäftigt merkt schnell: Die eine Plattform gibt es nicht.

Alles kann zur Storytelling Plattform werden. Überall dort, wo Menschen Zeichen benutzen, um sich auszutauschen, entstehen Geschichten. Und weil wir Menschen die Bedeutung unserer Umwelt selber konstruieren, können wir alles um uns herum nutzen, um Geschichten entstehen zu lassen.

Diese Fähigkeit wird nirgendwo so gut dargestellt, wie in der Eröffnungssequenz von Toy Story:

Ich glaube daher, dass man in Netz keine "Storytelling Plattform" braucht. Viel wichtiger ist den kindlichen Spieltrieb zurück zu erobern, die unendlichen digitalen Möglichkeiten für das Erzählen zu entdecken.

Natürlich gibt es technische Plattformen, die uns für kurze Zeit den Atem stocken lassen. Doch letztlich ist es mit projeqt wie mit dem 3D Kino. Sobald wir an die Effekte gewöhnt haben, wird der technische Eye-Candy langweilig. Dann halten uns nur Filme über 90 Minuten wach, die uns als Mensch wirklich berühren.

Und wenn eine Geschichte diese emphatische Verbindung zum Publikum aufbaut, wenn sie Gefühle weckt - dann tritt die Plattform in den Hintergrund.

Auf die Frage, was die beste Geschichte sei, die er je geschrieben habe, antwortete Ernest Hemmingway:

"For Sale, Baby Shoes, Never Worn."

-2-

Und deshalb leben "Great Stories" nicht von Slides und großen Bildern.

Böse fomuliert ist projeqt sogar die digitale Verbeugung der klassischen Werbewelt vor ihren Lieblings-Tools: Dem Plakat, der Pappe und der Power Point Präsentation.

Die Inhalte, die man derzeit auf der Webseite durch klicken kann, wirken wie Portfolio-Präsentationen sehr talentierter Grafiker. Sie haben ohne Frage einen hohen ästhetischen und unterhaltsamen Wert und die Seite eignet sich ausgesprochen gut, um "Projekte" zu dokumentieren.

Doch die Erzähl-Tiefe der Inhalte liegt auf dem Niveau eines Coffee-Table Books, das man linear durchblättern kann - oder eben digital durchklicken.

Im "Durchklicken" scheint mir sogar der Kerngedanke der Plattform liegen.

Nur frage ich mich, ob hinter dem linearen Slide-Show Konzept sich nicht die Annahme versteckt, dass User nur eine kleine Aufmerksamkeits-Spanne haben.
Das stimmt sicherlich für die Werbung, die Menschen im Alltag ungefragt "belästigt" - doch es gilt nicht für Geschichten, denen sich Menschen viele Stunden widmen.

Persönlich glaube ich nicht daran, dass es auf Dauer funktioniert, die alten Tools in HTML5 zu verpacken und als Storytelling zu verkaufen. Zumal die Diskussion über Storytelling im Netz in eine ganz andere Richtung geht: Auf Events wie der Tedx Transmedia wird diskutiert, wie man eine Geschichte entwickelt, die über verschiedenste Plattformen hinweg ihr Publikum dauerhaft fesselt.

Doch ich möchte nicht zu hart mit projecqt ins Gericht gehen.
Sobald andere User die Plattform benutzen können, wird sich beweisen, ob projeqt zum Storytelling einlädt. Und weil ich gute Geschichten liebe, lasse ich mich sehr gerne widerlegen.

Bis dahin möchte ich auf einen ganz tollen Post der Autorin Maike Gosch verweisen. Auf der Recampain 2010 hat sie in einem Vortrag die Grundelemente einer guten Geschichte (Spannung, Empathie und Struktur) erklärt: Geschichten, Spiele und Kampagnen von Maike Gosch

Aus ihrem Vortrag stammt auch diese Hollywood-Regel, die gegen das ästhetische Slide-Storytelling im "Durchklick-Modus" spricht:

"Bring sie zum Lachen, bring sie zum Weinen, lass sie WARTEN."

Digital Film Camp: Unternehmergeist, Audience Builiding, Crowdfunding und Social Media

2010-10-11T01:25:00.000-07:00

Ich war am vergangenen Freitag spontan auf dem DigitalFilmCamp im Rahmen des Filmfestes. Seltsamerweise wurde die Veranstaltung in diesem Jahr unter dem Titel "GreenCamp" im Programm geführt. Offiziell es sollte um Crowdfunding und Enviromental-Films gehen. Doch Umweltfilme wurden nur am Rand diskutiert.

Meine Vermutung ist, dass die künstliche Titel-Konstruktion ein nötiger "Kniefall" vor dem diesjährigen Oberthema des Filmfestes war, um an eine kleine Förderung kommen. Und ich bin mir sicher, dass der missverständliche Titel dazu geführt hat, das das DigitalFilmCamp bei weiten nicht so gut besucht war, als im vergangenen Jahr.

Eigentlich schade - denn die vier Gastredner aus Finnland, Schweden und Spanien hatten wirklich spannende Dinge zu erzählen. Als Filmemacher haben sie alle die Regeln der Filmbranche hinter sich gelassen und dank Social Media eine Community aufbauen können, die ihre Filmprojekte zum Teil mitfinanziert.

Den Einstieg machte Michael Gumpelmaier, Gründer des Portals Filmtiki.com. Er beschäftigt sich intensiv mit dem Thema Social Media Marketing für Filmprojekte und schreibt einen Blog mit vielen Links und Case-Studies: http://gumpelmaier.net/2010/10/08/green-camp-hamburg-alternative-filmfinanzierung-via-web-2-0/

Nach ihm berichteten Jarmo Puskala und Pekka Ollula aus Finnland über ihr Filmprojekt IRON SKY. Sie starteten mit der schrägen Idee einen ironischen SciFi-Film über Nazis zu machen, die 1945 auf den Mond geflüchtet sind und 2018 die Erde zurück erobern wollen.

Und dank der Resonanz im Netz ist daraus das zweitgrößte Filmprojekt der finnischen Geschichte geworden. Vom ersten Moment an nutzten Sie Social Media, um sich mit allen Menschen zu vernetzen, die sie für diese Idee begeistern konnten.
Und das sind mehr als sie je erwartet haben: Der aktuelle Teaser-Trailer hat die 1.000.000 views auf Youtube beinahe geknackt. Götz Otto wurde als Hauptdarsteller verpflichtet und mit ihrer dialogorientierten Kommunikation über Website, Email, Youtube, Facebook und Twitter erreichen sie 150.000 Menschen pro Woche. So haben sie es geschafft, dass sie mit etwa 1.000.000€ von der Community unterstüzt zu werden - immerhin knapp 1/6 des Gesamtbudgets.
Dieser Erfolg gründet sich vor allem auf Zeit und harte Arbeit. Mindestens drei Personen seien in Vollzeit damit beschäftigt, die Social Media Kommunikation zu pflegen. Aber auch alle anderen an der Produktion beteiligten, seien indirekt immer ins Marekting eingebunden: "Everything you do online is marketing", sagte Jarmo. Er erinnerte aber auch daran, dass es nicht nötig sei mit Social Media jeden zu erreichen. Es ginge weniger um Reichweite, als darum die begeistertsten Fans zu finden und als Fürsprecher zu gewinnen und zu verstehen, dass alles was man über den Film berichtet auch ein Teil der Geschichte ist.

Seine Präsentation ist ziemlich Aufschlussreich:

Producing with the Audience on Prezi

In der anschließenden Diskussion gaben die Beiden ganz offen zu, dass es hilft, wenn man eine bereits existierende Community wie Science Fiction-Fans ansprechen kann. Auch sei der Kern ihrer Community bereits während der Dreharbeiten zu ihrem ersten Film StarWrek entstanden.

Die StarTrek Parodie entstand ohne Budget und mit einer Produktionszeit von sieben Jahren. Viele Fans stammen noch aus dieser Zeit und begleiten die Filmemacher seit vielen Jahren. Und das Produktionsteam sucht aktiv die Hilfe der Fans, bei allen offenen Fragen jenseits des Plots. So habe die Fanbasis wichtige Produktions-Fragen gelöst ("Wie sieht eigentlich zerschossenes Metall aus?") und sogar einige Trailer produziert. Für solche Fragen haben sie die Plattform Wreckamovie.com gegründet. Hier können Filmemacher ihre Filme einstellen und die Community bitten, sie zu kommentieren.

Neben den Zahlen teilten die Beiden auch sehr persönliche Geschichten. Vor allem Schmerze sie mit dem Vorwurf des Sell-Outs konfrontiert zu werden, sagte Jarmo. Um so schöner sei es mitzubekommen, dass die Community neue Freundschaften ermögliche. Doch die größter Angst bleibe, dass der Film nicht den Erwartungen der Fans gerecht werde. Denn was letztlich zähle sei die Story.

Eine anderen Weg ist die junge schwedische Filmemacherin Hanna Skøld gegangen. Um ihren ersten Film Nasty Old People hat sie einen Kredit von 10.000e aufgenommen - doch wie sollte sie das Geld wieder zurückzahlen, wenn niemand den Film sehen kann. Deshalb hat sie ihren Film unter Creative Commons Lizenz gestellt und sich an das Bittorrent-Portal Pirate Bay gewendet. Pirate Bay, die wegen der Verteilung von illegalen Filmkopien unter Beschuss der Filmindustrie stehen, haben den Film auf der Startseite als Download präsentiert. In den ersten fünf Tagen wurde der Film 16.000 Mal runter geladen. Und die plötzliche Begeisterung führte dazu, dass Hanna Skøld ihren Kredit über die Spenden der Zuschauer zurück zahlen konnte, die ihren Blog besucht haben. Und ein Jahr nach der "Premiere" auf Pirate Bay hat das schwedische Fernsehen den Film ausgestrahlt.

Die radikalste Strategie stellte Nicolás Schächter aus Spanien vor. Er arbeitet an einem Film über die vergessenen Kosmonauten der frühen Weltraumära. Das Projekt befindet sich noch in der Anfangsphase und ist von der festen Überzeugung geprägt, dass nicht der Content zähle, sondern das Erlebnis mit dem Content.

"El Cosmonauta" Teaser 1 (ESP) from Riot Cinema on Vimeo.

Digitale Inhalte seien durch das Netz sowieso zu jederzeit frei verfügbar und beliebig kopierbar. Weil es keinen Sinn mache, digitale Inhalte künstlich zu verknappen, plant er den Film mit einer Creative Commons Lizenz versehen und auf allen Kanälen gleichzeitig zu distribuieren.

Auch das Drehbuch ist im Volltext bereits online. Das raubt dem Film keinesfalls die Spannung, denn die Kommentare, der wenigen Fans, die es wirklich gelesen haben, hätten es wirklich besser gemacht.

Dem Kino komme dabei die Sonderrolle zu, zur Eventfläche zu werden. Die Rezeption des Films könnte zu einem Happening mit Party werden, oder zum Abschluss eines Alternate Reality Games. Deshalb setzt er viel auf transmedia storytelling und will den Kosmos des Films mit Comics, Events und anderen Medien ausdehnen. Denn in seinem Verständnis geht es nicht um die 90min Film am Ende - er sieht sich als Storyteller, der ein Erlebnis schafft.

Allerdings gab er auch offen zu, dass es schwer falle, mit ihrem radikalen Konzept finanzkräftige Unterstützer zu finden. Doch er sieht es positiv: Es werde viel geredet über transmedia und social media, aber ausprobieren müssten die unabhängigen Macher, die finanziell alles riskieren. Und wenn sie Erfolg haben, dann springen alle anderen auf.

Und ganz egal, ob Iron Sky oder Cosmonaut ein Erfolg an der Kinokasse werden, von dem Machergeist kann man schon jetzt den Hut ziehen und wünscht sich, er würde in andere Kreativbranchen einziehen.

Mein Picnic in Amsterdam: Rückblick auf das Crossmedia Festival

2010-09-26T06:45:00.000-07:00

Nach drei Tagen auf dem Picnic Crossmedia Festival in Amsterdam bin ich zurück im regnerischen Hamburg.

Unter dem ambitionierten Motto "Redesign the World" wollte die Konferenz die Veränderung von Medien, Städten, Wirtschaft und Lebensweisen untersuchen. Deshalb haben die Organisatoren auch auf die Teilnehmer gesetzt: "What are you bringing?" lautete die Aufforderung der Organisatoren an die Teilnehmer, sich aktiv einzubringen. Ich habe vor allem meine Neugierde mitgebracht, bin unermüdlich zwischen Vorträgen und Sessions hin und her gewandert und habe gute Gespräche geführt.

Jetzt - mit zwei Tagen Abstand - frage ich mich: Was habe ich eigentlich mitgenommen, abgesehen von einem lustigen Aufkleber mit dem Schriftzug "Brainstormen is voor mietjes" (zu Deutsch: Brainstorming ist für Weicheier) ?

Von Steven Hayden, Chairman von Oglivy und mitverantwortlich für den berühmten 1984 Apple Spot, habe ich gelernt, daß Leben und Business einem ewigen Kreislauf folgen, den er in seinem Mandala abgebildet hat.

Er hat mir auch eine gute Definition von Werbung an die Hand gegeben: "Advertising is a bastard art, supported by pseudo science" . Und solange Menschen Dinge kaufen und verkaufen und sie nicht, wie im Picnic Fablab, in 3D selber ausdrucken, wird die Werbung nicht sterben. Sie geht lediglich andere Wege.

Einen besonders verstörenden Weg hat Aza Raskin , Creative Lead von Firefox, aufgezeigt. Er glaubt, dass Marken in naher Zukunft versuchen werden, sich in die unzähligen private Fotos und Videos im Netz einzuschleichen. Man stelle sich ein Urlaubsfoto mit einer Werbetafel im Hintergrund vor, deren Inhalt dynamisch verändert wird. Dieses "Private Product Placement" hätte, so Aza, denn Effekt, dass sich unsere Erinnerungen verändern. Und er wolle nicht, dass Marken ihn mit seiner Erinnerung in Konflikt bringen.

Einen ganz anderen Konflikt hatte Tom Hulme, Design Director von IDEO, in seinem Vortrag vor Augen: Es sei Zeit ist die Klischees von strukturierten, zahlenorientierten Kaufleuten und chaotischen Kreativen zu überwinden.

Gerade wenn es darum geht ein neues Geschäftsmodell zu gestalten, ist es wichtig holistisch zu denken und auch "trockene" Themen wie Preisgestaltung oder Verträge als Design-Aufgabe zu betrachten. Entscheidend für jeden Erfolg sei, das Ganze im Blick zu behalten und alle Aktivitäten immer durch die Augen des Menschen zu sehen, der am Ende Produkt, Marke und Service erlebt.

Als Case Study führte er HackFwd an, die neue Firma des Xing-Gründers Lard Hinrich. Das Investitionsunternehmen bietet Start-ups Anschubfinanzierung und Coachings und IDEO habe das Business-Modell in erster Linie auf die Bedürfnisse der Gründer gestaltet und nicht auf die Bedürfnisse der großen VCs, die anschließend in das Start Up investieren sollen.

Den Framework mit dem Tom Geschäftsmodelle gestaltet und optimiert kann von zusammen mit einer Video-Erklärung von seinem Blog runterladen:http://weijiblog.com/more-from-me/

Der Framework eigenet sich bestimmt auch, um sich von Agentur-Neukunden ein holistisches Bild zu machen. Ich werde es ausprobieren.

Der erste Schritt zum erfolgreichen Business-Modell ist jedoch immer noch der gelungene Pitch. Deshalb kann man nie genug üben Ideen und Projekte so vorzustellen, dass Kunden und Investoren sie nicht nur verstehen, sondern auch Vertrauen in die Umsetzung schöpfen.

Das Pitch Training auf der Picnic wurde von einem Schauspieler von BoomChicago angeboten, einem bekannten Improvisationstheater in Amsterdam. In einer kleinen Gruppe haben wir mit viel Spass an der eigenen Bühnenpräsenz gearbeitet und den spontanen, wie souveränen Umgang mit aggressiven Fragen geübt. Im Zentrum stand ein Spiel: Jeder Teilnehmer musste auf der Bühne einen beliebigen Gegenstand als innovatives Produkt pitchen und die Fragen der anderen Teilnehmer beantworten. Die waren in die Rolle der Investoren geschlüpft. Ich habe übrigens meine Geldbörse als einen Multipurpose-Spy-Device vorgestellt, der die Zukunft der Geheimdieste revolutioniert.

Um die Zukunft ging es auch in dem Workshop des Datenexperten Andreas Weigend. Er arbeitet als Professor in Stanford und war unter anderem an der Entwicklung der Empfehlungsalgorithmen von Amazon verantwortlich. Er stellte uns Teilnehmern die Frage, wie wir 2020 mit unseren Daten umgehen und wie diese Daten unser Verhalten verändern werden.
Denn die Anzahl der Daten, die über uns existieren, die wir publizieren, hinterlassen und teilen verdoppelt sich alle 18 Monate. Dabei geht es nicht nur um die Daten aus der Social Media Welt, sondern auch um Bewegungsdaten, Einkaufsdaten, Gesundheitsdaten etc.

Aufgeteilt in kleine Gruppen wurden 12 Predictions erarbeitet und diskutiert. Sie sind der Aufhänger einer Artikelserie über die Datenwelt 2020, die Andreas Weigend zusammen mit der Picnic im kommenden Jahr auf weigend.com startet. Zusammen mit http://www.twitter.com/@komplettsystem und @michalhendriks habe wir diese Prediction abgegeben: http://ow.ly/i/44hx

Und noch eine vorsichtige Vermutung habe ich nach der Picnic: Ich denke, dass die Debatten über Social Media im kommenden Jahr versanden werden, da sie immer noch zu plattformorientiert geführt werden.

Das wurde mir während des Panels "Everything we know about transmedia is wrong" entlang von zwei Standpunkten deutlich:

Es sei einfach verlockend, sich in eine hippe Technologie zu verlieben und aus den Augen zu verlieren, was man eigentlich erzählen wollte, mahnte Tommy Pallota aus eigner Erfahrung an. Als Medienschaffender hat er nicht nur Hollywood Film wie Scanner Darkly visuell geprägt, sondern auch für die Microsoft Forschung gearbeitet hat.

Im Zentrum stehe immer die Story egal welche Technologien man nutzt, sie zu erzählen, führte Dan Hon aus. Er ist einer der Gründer der Firma Six to Start, die transmediale Erlebnisse konzipiert und vor kurzem zur Agentur WiedenKennedy gewechselt.
Beinahe Gebetsmühlenartig wiederholte er seine Aufforderung, sich erst Gedanken über sein Publikum und die Geschichte, die man erzählen will, zu machen. Erst dann steht die Entscheidung an, wie man sie erzählt. Dabei solle man nicht werten, ob eine Geschichte klassisch linear erzählt werde, oder transmedial, interaktiv und kollaborativ. Einzig die Geschichte sei wichtig.
Denn egal in welchem Medium gelte: "Bad Storytelling is just bad Storytelling". Deshalb mache es auch keinen Sinn zu glauben, man könne die schlechten Ideen im Internet verbraten. Umgekehrt gilt das genauso. Schließlich passe Hemmingways bewegenste Geschichte in einen Tweet: "Baby shoes, for Sale. Never worn".

Ich stimme ihm voll zu. Denn darum geht es bei guten Geschichten: Einen bewegenden Inhalt zu schaffen, der eine Konversation anregt.

Allerdings, so das Panel, fehle es an "Autoren", die virtuos mit verschiedenen Erzählformen umgehen und ihren Geschichten ansehen, wie sie am besten erzählt werden sollten.

Natürlich kann man hier auf die sogenannten Digital Natives setzten. Doch auch dann wird man auf die perfekten Transmedia-Autoren noch etwas warten müssen. Denn um gute Geschichten zu erzählen, braucht man neben Medienerfahrung vor allem eines: Lebenserfahrung.

So erklärt sich Dan auch, warum er im Web stets auf die gleichen Stories trifft, wenn Marken innovativen Medienumgang, Transmedia Storytelling oder Alternate Reality Games behaupten. Er wolle keine Videos mehr sehen, die behaupten keine Fiction zu sein, keine Verschwörungstheorien mehr als Alternate Reality Games mehr erleben oder von Teenagern hören.

(Transmedia Story Shitlist)

Egal was man plane, es sei wichtig, dass man sein Publikum ernst zu nehme. Wem es nur um Aufmerksamkeit gehe, der sei bei einem klassischen PR Berater besser aufgehoben.

Soviel zur "offiziellen Wissensaufnahme". In den Picnic-Pausen hatte ich die Möglichkeit zu inspirierenden Gesprächen unter anderem mit Jeremy Irish, dem Gründer der Geocashing-Bewegung, einer Trauma-Therapeutin, die in Haiti arbeitet oder Studenten einer niederländischen Schule für Entrepreneur-Ship, die ihr Schulgeld mit einem eigenen Business-Modell zurückverdienen müssen.

Ach ja: Das neue XBox Kinetic konnte ich auch ausprobieren. Und nach nur einer Runde bin ich mir sicher, dass das System im Weihnachtsgeschäft einschlagen wird.

Und noch eine kleine Kritik möchte ich loswerden: Ich glaube das Motto der Picnic war zu hoch gegriffen. Statt vieler paralleler Vorträge hätte ich mir mehr kleine Workshops gewünscht. Und es war irgendwie komisch bei einem fast vierstelligen Teilnahmebeitrag auch noch für jedes Getränk zahlen zu müssen.

Kernbotschaft vs. Reason to Care

2010-09-20T08:28:00.000-07:00

Auf dem Planning Barcamp im August gab es eine spannende Disskussion darüber, mit welchem Briefing man Kreative auf die richtige Spur bringt. Eine Idee war, Kreativen nicht nur eine Kernbotschaft mit auf den Weg zu geben, sondern auch den Grund zu nennen, warum sich Menschen für die Komunikationsideen interessieren sollten. Tim Keil von Phillipp und Keuntje schlug vor nach dem "Reason to Care" zu suchen.

Sozusagen als Nachklapper zum Barcamp haben sich Nina Rieke, Michaela Jausen und ich das Thema noch mal vor die Brust genommen. Wir drei haben unsere Perspektive auf den "Reason to Care" formuliert und veröffentlicht - in der Strategy Corner des Strategieverbands apg die im BranchenMagazin New Business erscheint.

Hier der Link:

http://www.apgd.de/wp-content/uploads/2010/09/100920-stratcorner.pdf

Als ich meinen Teil des Artikels geschrieben hatte, war mir vor allem eines klar: Ganz durchdringen lässt sich das Thema auf einer halben Seite nicht. Wer also Lust hat zu diskutieren oder mir mich zu meiner Perspektive befragen möchte, ist ganz herzlich eingeladen.

Aesthetic history of video games: Bold statements - and the power of being wrong.

2010-09-08T02:06:00.001-07:00

The following lecture by media-scientist Jesper Jules was part of Conference on Videogames on the Art History of Games in Atlanta earlier this year. In this academic talk he describes how games designers always tried to find the essential form of a game from the 1980 until now. And every statement on how the essential game looks like, has been driven also by an urge to protect the "perfect form" from other influences. Naturally most of the thinking in the past has proved wrong - but nevertheless every ar has driven the industry forward.

On his Blog Jesper Jules writes:

My talk is more of a meta-manifesto, where I say that although we are faced with the weight of history, and although history warns us against making sweeping statements about the properties of an art form, and although there is a current of thought that warns us against definitions and media essentialism, we nevertheless have to continue to make strong claims about our art form of choice, video games. The bold claims, though often proven wrong, drive us forward. We must dare to be wrong. We must continue making bold statements about video games, knowing that they can be wrong, and we must try to make statements that are so strong that they can be wrong.

I like diving into "Game Studies" for two reasons:

In my opinion Video Games are the leading medium of the 21th century. They combine technology and experiences in a very engaging and entertaining way. A are played by a lot of people. Therefore I look at games as a leading cultural training ground for future media behaviour. For example I learned to use a navigation device in GTA and not in a car. So my bold statement is: If you become an expert in Games, you understand what people are doing with media tomorrow.

Secondly on a meta level his talk reminds me, to look at bold statements with a critical mind. There are a lot of discussions how media or marketings works in the future. And there are also a lot of bold statements on the essential form of an Ad. Perhaps if we consider our own chance of "wrongness" we a will be able to adopt more quickly to change.

Posted via email from creative*glasses

Rückblick auf das zweite Planning Barcamp

2010-08-31T01:18:00.000-07:00

Am vergangenen Freitag hatte ich das große Vergnügen das zweite Planning Barcamp in der Good School zu moderieren. Zu meiner großen Freude ist der Zuspruch nach der kleinen Premiere im letzten Sommer in diesem Jahr enorm gewachsen.

Über 40 Marken und Kommunikations-Strategen sind der Einladung von mir und dem Strategieverband apg (*der die Veranstaltung großzügig unterstützt hat* ) gefolgt, um über neue Kontexte zu diskutieren, die Marketing, Werbung und PR derzeit prägen. Dabei waren nicht nur die großen Hamburger Agenturen vertreten. Die Teilnehmer waren aus ganz Deutschland, Österreich und den Niederlanden angereist und haben das Programm des Nachmittags selber gestaltet.

Einige Teilnehmer hatten bereits im Vorfeld ein Thema angekündigt, andere erklärten sich spontan bereit eine Diskussion zu leiten. So hat sich ein überraschendes und facettenreiches Programm entwickelt, das von einer Studienanalyse zur Mediennutzung über eine spannenden Case Studies ("Wie arbeiten die Kontexte Radio und Social Media miteinander.") bis zur kritischen Betrachtung der Begriffe Markenmanagement und Kreativität sowie zum Ausrufen einer gemeinsamen Planning Revolution, durch Steffen Stäuber (Innovationsmanager bei SinnerSchrader), reichte. Er lud die Teilnehmer gleich in eine neue Facebook-Gruppe ein, um revolutionäre Pläne zu spinnen.

Daneben wurden auch ganz praktische Aspekte der Planning Arbeit angesprochen. Tim Keil, Stratege bei Philipp und Keuntje wagte die These, das sich der "zentrale Satz" im postdigitalen Kreativbriefing überlebt hätte. Statt einen Satz zu formulieren, der beschreibt, was eine Zielgruppe nach einer Kampagne denken solle, sollten Planner mehr Zeit auf darauf verwenden sich zu fragen, warum die Kommunikation Menschen interessieren solle. Man brauche neben einer Message auch einen "Reason to Care". Und dieser "Reason to Care" lässt sich nur finden, wenn man die Lebenskontexte von Menschen genau kennt.

Einen ganz anderen Kontext stellte Jeremy Abbett, Kreativdirektor bei TribalDDB in Hamburg vor. In seiner Präsentation "Midwest is best" folgte er dem Gedanken, ob die besondere Lebensqualität in Minnesota dafür verantwortlich sei, dass gerade dort drei der erfolgreichsten Planner arbeiten. Von Ihnen hat er sich auch gleich ein paar Tipps für die Teilnehmer geben lassen.

Midwest is Best

View more presentations from Jeremy Abbett.

Doch nur ein Thema durchzog konstant die Diskussionen als das gemeinsame Networken am Abend: Der Wunsch und der Wille nach Veränderung.

Immer wieder wurde ein gefühlter Innovations-Stau in der Agenturlandschaft artikuliert, der nicht nur die Kreativität und den Mut zu neuen Herangehensweisen im digitalen Zeitalter betrifft. Auch über Arbeitsprozesse, Ausbildung und Management Overheads und Kundenführung wurde so angeregt gestritten, dass Thomas Wagner in einem ironischen Tweet bereits von einer Therapiesitzung sprach.

Ob die Reaktion der Kommunikationsbranche nun in Schnellbooten, Network-Agenturen, Freelancing oder Creative Business Consultants liegt, blieb allerdings weiter offen. Ein Innovationsknoten platzt letztlich nicht durch Reden, sondern durch Handeln. Und in welchem Kontext man arbeiten, wirken und seine Spuren hinterlassen möchte, ist am Ende immer eine persönliche Entscheidung. Deshalb brachte es @NicoHerzec in einer unnachahmlich direkten Art auf den Punkt: "Take your decision and don't bitch about it".

Einen Rat, den sich mancher lautstarker Twitter-Prediger aus der Marketingwelt zu Herzen nehmen sollte.

Mir hat die Organisation des Barcamps großen Spaß gemacht. Mit viel positivem Feedback im Rücken freue ich mich, die dritte Session auf den Weg zu bringen. Dann mit dem Ziel ein wenig mehr Barcamp Atmosphäre zu schaffen. Und wenn der Zuspruch so bleibt, werden wir wohl einen zweiten Raum dazu buchen müssen.

GANZ besonderer Dank geht an Michaela Jausen von TribalDDB und Martin Klümper von LeagasDelaney in Hamburg. Ohne ihren Support bei der Organisation hätte das Barcamp nicht stattfinden können.

Alles weitere zum Barcamp gibt es auf unserer Facebook-Seite. Ich freue mich dort auf Feedback und Anregungen zur Veranstaltung.

At the End of the Funnel: Adaptive Marketing

2010-07-30T00:31:00.000-07:00

Über Twitter bin ich in der vergangenen Woche über zwei interessante Studien gestolpert, die sich mit der Zukunft des Marketings beschäftigen.

McKinsey rät in der Studie "Consumer Descision Journey" , den Kaufprozess nicht länger als einen linearen Funnel zu betrachten.

Denn gerade das Internet und Social Media habe offen gelegt, wie aktiv Menschen ihren Entscheidungen durch (online) Recherche aktiv bestätigen oder verändern. Darum schlagen Sie vor, den Kaufprozess vom Menschen aus als eine "Reise" zu betrachten.

Jeder Mensch verfügt über einen individuellen Bewertungshorizont (Initial Consideration Set) mit dem er seine Interessen und Bedürfnisse betrachtet. Lautstarke Push-Kommunikation kann ihn sicher für neue Produkte und Marken aufmerksam machen. Doch vor dem Kauf steht die aktive Evaluierung des Interesses. Und natürlich entscheidet dann das Erlebnis nach dem Kauf, wie Menschen künftig über Produkt und Marke denken und ob sie die gleiche Entscheidung noch einmal treffen würden.

Ich selber habe mir vor einiger Zeit ein ähnliches Modell entwickelt und beide Modelle mögen auf den ersten Blick banal wirken. Doch sie entfalten ihren Nutzen bei genauem Hinsehen. Die McKinsey Studie zeigt nämlich, dass für die einzelnen Phasen der Reise verschiedene Touchpoints für die Entscheidung wichtiger sind.

Doch wie stellt sich ein Unternehmen und/oder eine Agentur darauf ein, einen Menschen im Rahmen seiner Entscheidungs-Reise als Käufer zu gewinnen? Eine Reise, die an vielen verschachtelten Touchpoints entlang läuft, an die Menschen jeweils andere Erwartungen richten?

Hier setzt die zweite Studie von Forrester Research ein.

Unter dem Titel "The Future Of Agency Relationships" haben Sean Corcoran, Dave Frankland und Vidya Drego untersucht, welche neuen Anforderungen die postdigitale Welt an das Marketing und das Leistungsspektrum von Agenturen stellt.

Heute müssten sich Marketing-Abteilungen schneller denn je auf neue Kommunikationswege einstellen und immer öfter die gewohnten Wege der Push-Kommunikation verlassen. Soweit nichts neues. Auch die Autoren schließen sich dem allgemeinen Meinung an und sehen eine neue Ära im Marketing anbrechen. Diese Ära umschreiben sie mit dem schönen neuen Buzz-Word "Adaptive Marketing".

"A period in which marketers must become more adaptable as new channels and constructs for interacting with consumers flood the market that must be tied to the overall brand promise."

Adaptive Marketing, so die Studie, fordert von Unternehmen ihren Kommunikations-Fokus auf drei Feldern zu verändern:

From outbound to surround. Consumers tell us that the marketing that they are exposed to is irrelevant to their interests3 And now consumers can opt out of telemarketing, direct mail, and email; they skip TV ads; and they will publicly blow the whistle on unacceptable advertising practices. Marketers recognize this problem: 62% believe that their TV advertising is less effective than two years ago.4 As Larry Flanagan, CMO of MasterCard, points out, his organization is now “moving from decades of push strategy to a more holistic 360-degree consumer strategy” in order to keep consumers engaged.

From campaigns to experiences. In an Adaptive Marketing era, the old campaign mindset has to be put out to pasture, but most marketers and agencies still organize, sell, and service from a campaign mindset. The advertising ecosystem is ill-equipped to capture, analyze, and use insight about how to engage best with customers to improve their ongoing experience with the firm. As the former CMO at a global car rental company pointed out, “As media fragmented, agencies approached each channel the same way: as a new means of bombarding the consumer with our message. We found the quality of work declined over time while agencies floundered to layer on skills that just weren’t native to them.”

From segmented “audiences” to individuals. The days of reach and frequency as effective advertising metrics are on their last legs. But most agencies still apply broad segmentation strategies to new channels. Consumers don’t want to be “targeted” as an audience — they want to participate. Yet most marketers and agencies have a long way to go to fully embrace the notion of customer participation. As one senior marketer commented, “We’re keen to embrace social media, but there’s also a part of me that thinks that anyone with a keyboard is dangerous.”

Doch wenn sich die Zielsetzungen von Unternehmen verschieben, sind auch Agenturen gezwungen ihr Leistungsportfolio den geänderten Bedürfnissen anzupassen. Eine Herausforderung vor der Agenturen in der Vergangenheit immer wieder standen.

Dieser Rückblick macht auch deutlich, dass die Unterscheidungen zwischen PR, Werbung, Event, Online nicht naturgegeben ist. Was heute noch in vielen Köpfen als unumstößliche Trennung von Disziplinen gilt, ist aus den Bedürfnissen einer Marktphase gewachsen ist und ist somit nicht unumstößlich. Und wenn Unternehmen gezwungen werden ihre Aktivitäten ganzheitlicher zu betrachten, dann wirkt sich dieser Zwang auch auf die Agenturen aus.

In the Adaptive Marketing era, marketers will need to move seamlessly between digital, broadcast, and branded entertainment options and across earned, owned, and paid media options. This holistic approach to media will mean agencies that deal in this broader definition of media (e.g., media planning, interactive, and PR agencies) will blend together or compete as “interaction” agencies. Starcom MediaVest already describes itself as a “human experience” agency focusing on all forms of media, while social media agencies like the Digital influence Group start planning some paid media to go along with the earned media it creates through social experiences.

Allerdings werden sich Unternehmen fragen, wie man unter den Anforderungen des Adaptive Marketings den geeigneten Agentur-Partner findet. Wer ist der Richtige für den Job? Sind es Generalisten, ein Set von Spezialagenturen oder sogar ein inhouse-Team.

Die Autoren empfehlen diese Entscheidung entlang von drei I's zu treffen, die die Kompetenzen der Agenturpartner beschreiben:

Ideas: emotional connections that can be adapted to all touchpoints. The big ideas behind the “Mad Men”-era campaigns remain relevant because brands must still connect emotionally with their consumers. But digital experiences adapt faster. Consumer control and media fragmentation will require new approaches that help the message hang together wherever they are encountered.5

Interaction: ever-changing dialogue between brand and consumers. As marketing shifts to focus on pulling in customers, marketers need to rethink the interplay between paid, owned, and earned media.6 This requires marketers to find firms that can stay on top of the conversation wherever it is happening.

Intelligence: real-time insight into customer behavior. The volume and interdependency of data gathered in multiple fragmented channels provide an opportunity for marketers to learn more about their customers than at any time in the past. The challenge is to gather, analyze, and create actions as these insights materialize.

Grob zusammengefasst, kann ich zwei neue Entscheidungskriterien für die Agenturwahl aus der Studie ableiten:

1. Ist der Agenturpartner in der Lage, sich stets neuen Kommunikationsformen anzupassen?

2. Bringt er dabei das für das Unternehmen relevante Set an "Meta-Skills" für einen ganzheitlichen Blick auf die Lösung von Kommunikationsproblemen mit?

Und wieder klingt das auf den ersten Blick nach einem Allgemeinplatz.

Denn jede Agentur für sich in Anspruch nehmen, diese Felder zu besetzen.

Doch ich vermute, dass in den neuen Auswahlkriterien besondere große Chance für drei Agenturmodelle liegen:

1. Kleine autonome Konzeptionseinheiten und Freelancer-Netzwerke

Aufgrund ihrer Größe können sie günstig und projektorientiert Konzeptionsarbeit leisten. Sie sind flexibler und können sich wahrscheinlich schneller in neue Kommunikationsformen einarbeiten. Darüber hinaus sind sie in der Lage über Freelancer-Netzwerke schnelle Projekt-basierte Expertenteams zusammen stellen. Da sie in der kontinuierlichen Betreuung natürlich schwächeln, sehe ich diese Agenturform vor allem als Partner für strategische Innovationsprojekte.

2. Inhaber geführte Agenturen mit generalistischer Aufstellung.

Mittelständigen Agenturen, die statt auf Spezialisierung auf Diversifikation gesetzt haben und Kompetenzen aus verschiedenen Disziplinen unter einem Dach versammelt haben, werden nun belohnt.

Sie haben die Gelegenheit sich als Partner auf Augenhöhe neben den Marketingabteilungen zu positionieren - oder gegebenenfalls sogar als embedded agency im Unternehmen direkt zu arbeiten ohne den Overhead der großen Netzwerke. Sie trumpfen im Gegensatz zu den autonomen Einheiten mit ihren Produktionskapazitäten, stehen allerdings vor der Herausforderung die disziplinübergreifende Zusammenarbeit intern zu organisieren.

3. Außenseiter wie Design-Agenturen und Unternehmensberatungen

Mich hat die "Drei III Empfehlung" sofort an den von der global agierenden Design-Beratung IDEO propagierten Arbeitsprozess erinnert. Sie unterteilen ihre Arbeitsweise ebenfalls in drei III: Inspiration, Ideation und Implementation.

Und wenn man sich mit den großen Player dieser Branche (wie IDEO oder auch Frog-Design) beschäftigt, lässt sich feststellen, dass sie starke interdisziplinäre Intelligenz-Potentiale aufgebaut haben. Da Design-Prozesse genuin mit der Produktentwicklung zu tun haben, beginnen sie meist mit viel längeren, qualitativen Research-Phasen als in den meisten Werbeagenturen üblich.

Warum sollten die gesammelten Erkenntnisse über eine Zielgruppe aus dem Prozess der Produkt-Entwicklung nicht auch zur Vermarktung genutzt werden. Darüber hinaus scheinen von außen betrachtet die Berührungsängste zu wissenschaftlicher Forschung kleiner, das Interesse an effizienten Entwicklungsprozessen und Knowledge-Management höher und die Kreatitivität mindestens genauso stark.

Ähnliches gilt für Unternehmensberatungen. Sie können vor allem mit Kontakten in die obersten Führungsebenen und der Anziehungskraft für High-Potentials punkten. Und Agenturen sollten gewarnt sein, wenn Beratungen kreatives Potential aufbauen.

Agenturen hingegen, die ihr Geschäftsmodell und vor allem ihre Prozesse auf die Entwicklung einzelner Kommunikationsdisziplinen (PR, Online....) oder Produkten (Anzeige, Spot, Webseite) ausgerichtet haben, stehen vor einer Bewährungsprobe: Sie können ihr Spezialistenprofil schärfen mit dem Risiko künftig von anderen Agenturformen geführt oder gar zur Produktionsstätte degradiert zu werden. Oder sie bauen überdisziplinäre Kompetenzen auf bei gleichzeitiger Restrukturierung ihrer Arbeitsprozesse.

Doch wie das geht, kann keine Studie aufzeigen.

Quellen:

David Court, Dave Elzinga, Susan Mulder, and Ole Jørgen Vetvik (2010): The consumer decision journey, McKinsey Quarterly

Sean Corcoran, Dave Frankland, and Vidya Drego (2010): The Future Of Agency Relationships, Forrester Research

Rest the case- Vorsicht Case Study

2010-07-05T06:27:00.000-07:00

Nicht nur, wenn es um Social Media geht, lieben wir aktuelle Cases.

Wir können aus ihnen lernen - ganz praxisorientiert ohne theoretischen Überbau. Wir hoffen, sie inspirieren eigene Ideen. Sie werten Präsentationen auf und geben unseren Argumenten Gewicht. Sie helfen Kunden von neuen Strategien zu überzeugen: "Sie mal was andere bereits gemacht haben". Und sie geben uns das gute Gefühl im Trend zu liegen und nicht den Anschluss an eine schnell-lebige Zeit zu verlieren.

Darum sammeln wir Case Studies in Superlisten oder Slideshare-Präsentationen. Wir schicken sie einander über Twitter und Facebook zu und prämieren sie mit dem Like-Button. Auch in der Mittagspause oder bei Events dreht sich das Gespräch schnell über das nächste geniale Praxisbeispiel.

Und darin liegt der erste von drei Gründen, die mich im Umgang mit Case Studies immer vorsichtiger machen: Cases haben die Tendenz zum Muschelgeld einer Branche zu werden.

Muschelgeld? Einige Völker Ozeaniens nutzen noch heute Muscheln, die an einem Faden aufgezogen werden als Währung. Je mehr Muscheln jemand besitzt, desto reicher wird er. Und in etwa so ähnlich kann man sich den Umgang mit Cases vorstellen.

Man kann eben nicht nur aus ihnen lernen, sondern sie auch als Status-Symbole benutzen. Schnell geht es nicht mehr darum, einen Case kritisch zu analysieren und aus ihm zu lernen, sondern ihn möglichst breit an das eigene Netzwerk zu verteilen. Indem man eine neue Muschel auf die Kette zieht, belegt man die eigene Trendsicherheit und Informiertheit. Je mehr Muschel verteilt werden, desto höher das eigene Status-Konto.

Wahrscheinlich ein sehr menschlicher Prozess. Ich erinnere mich an meine Unizeit zurück. Damals ging es nicht um Cases, sondern darum die richtigen Bücher gelesen zu haben. Und in der TV - Branche muss man eben die richtigen Filme und Serien gesehen haben, um mitreden zu können. So gesehen gehört der Case Study Handel zum Spiel der Kommunikationsbranche.

Das Gute daran: Wenn man das weiß, wird der Zwang immer wissen zu müssen, was alle anderen schon Cooles gemacht haben, sehr viel erträglicher.

Zudem ist das, was man aus selbsternannten Erfolgsbeispielen erfährt,oft von jeglichem Kontext befreit. Wir können einem Case die Umstände seiner Entstehung nicht ansehen: Was war das eigentliche Problem, dass es zu lösen galt? Welche Ideen sind als Entwürfe gestorben? Wie lange die Verhandlungen zu seiner Umsetzung waren? Wie groß war das Budget in Wirklichkeit?

Selbst die meisten äußeren Umstände bleiben im Dunkeln:

Warum ist der Case bei seinem Publikum so gut angekommen?

Wie wurde der Erfolg überhaupt gemessen?

usw.

Wir alle wissen zudem instinktiv, dass jede Best Practice, die öffentlich präsentiert wird, geschönt worden ist. Vielleicht auch deshalb, wird es bei Konferenzen auch immer sehr leise und interessant, wenn jemand den Mut findet zu berichten, was er aus einem Misserfolg gelernt hat.

Zu guter Letzt beschränken Cases die eigene Kreativität. Natürlich kann man aus ihnen lernen und es ist gut sich mit ihnen zu beschäftigen - nur nicht, wenn man selber nach einer Idee sucht. Dann haben Best Practice Beispiele den umgekehrten Effekt. Man öffnet das Denken nicht mehr oder hinterfragt die gegebene Aufgabe.

Statt dessen springt man zu den Lösungsansätzen anderer. Lösungsansätze von denen man glaubt - jedoch nicht weiß - sie hätten ein ähnliches Problem gelöst. Viel zu schnell fallen in einem Brainstorming Sätze solche Sätze: "Das ist doch wie...", "Kennt ihr ...., so sollten wir das angehen" "Das macht die Konkurrenz schon..."

Die Folgen: Wir stecken zuwenig Zeit in die Analyse der Aufgabe (weil man die Lösung ja scheinbar schon mal gesehen hat) und vergessen dass aus brancheninterner Inspiration nichts neues entstehen kann. "Out of the box" Denken erfordert nämlich die Box zu verlassen.

Wie wichtig das ist, macht Game Designer und Profi-Jongleur Jesse Schell in seinem Buch "Art of Game-Design" mit dieser herrlichen Geschichte über seinen Besuch bei einer Jonglier-Convention deutlich:

"As I looked around for more examples of techniques to try, there was one juggler who stood out from the rest. He was an old man in a powder blue jumpsuit, and his tricks wre not like the others at all. He used patterns and rythms that were unique, and his tricks, through not astonishing in difficulty, were simply beautiful to watch. [...]
I watched him for about twenty minutes, and suddenly he looked at me, and said "Well?"
"Well what?" I said, kind of embarrassed.
"Aren't you going to try to copy me?"
"I- I don't think I would know how," I stammered out.
He laughed. "Yeah, they never can. Know why my tricks look so different?"
"Uh, practice?," Imanaged.
"No - everybody practices. Look around! They're all practicing. No, my tricks look different because of where I get them. These guys , they get their tricks from each other. Which is fine - you can learn a lot that way. But it will never make you stand out."
"I thought about it. "So where do you get them?" I asked. "Books?".
"Ha! Books. Thats a good one. No, not books. You wanna know the secret?"
"Sure"
"The secret is: don't look to other jugglers for inspiration - look everywhere else".
(Jesse Schell, The Art of Game Design, Burlington/MorganKaufmann, 2008 pp58/59)

I rest my case....

The Concept of Creative Strategist/Consultant

2010-06-03T01:57:00.001-07:00

Sometimes small pieces of information leverage a great insight. Like this chart from @daniseuba I found on colectivo planner.

It pretty much describes how I would describe my passion and profession - that lies somewhat between storytelling (narrative) and planning and creation.

About a year ago I draw a slightly similar picture to describe my thinking:

Basically the notion of experience is the only thing I miss in @daniseuba's chart. A Creative Director as well as a Creative Strategist should always strive for an experience instead of a concept. I'am that picky because I believe words matter. In Advertinsing as well as in Entertainment we create more and more "Emotional Software" - So I pledge for a more emotional language. Talking about experiences helps me to think human centered and beyond channel silos.

I like to think of the Creative Strategist as an "Experience Writer" (similar to a Screenwriter in Hollywood). Someone who commits his emphatic potential to produce a script that offers a framework for other Creatives to fully express their craft.

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An interesting insight into Work/Life Balance

2010-06-01T07:51:00.001-07:00

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Facebook und die Rhetorik der Landing Page.

2010-05-27T05:26:00.000-07:00

Ich habe die letzen vierzehn Tage ein großes Pitch-Projekt begleitet und dort vor allem die Entwicklung einer Social Media Strategie für die PR-Abteilung des Kunden unterstützt.

Dabei sind mir während einer Facebook-Recherche Muster aufgefallen, wie Marken ihren Einstieg in die Seite gestalten und mit welchen Mitteln sie dort kommunizieren.

Ich möchte diese Muster als Rhetoriken zu bezeichnen, weil sie etwas darüber aussagen, was eine Marke mit ihrer Facebook-Seite über sich erzählen möchte und wozu sie ihre User bewegen wollen.

Ich denke, dass es mit dem Erkennen, Lernen und Verstehen von rhetorischen Mustern möglich ist, nicht nur Facebook-Seiten künftig besser zu planen. Deshalb möchte ich in zwei Postings die Rhetoriken von Facebook schreiben. Heute geht es darum, wie Marken ihren Einstieg auf die Facebook-Seite gestalten.

1. Die Rhetorik des Einstiegs

Ich meine derzeit vier Rhetoriken auszumachen, mit denen Marken ihre Facebook-Seiten eröffnen. Dabei geht es um User, die noch nicht Fan einer Seite sind. Fans landen immer auf der Pinnwand.

1.1 Der Adtrance (Ad + Entrance)

Der User wird von einem statischen "Welcome"-Tab (FMBL-Landing Tab) begrüßt. Dieser Landing-Tab liegt ästhetisch irgendwo zwischen Anzeige und Bannerfläche und ist mit starken Branding- und Bild- Elementen versehen. Unter Umständen sind das Video eines aktuellen Spots oder aktuelle Produktangebote eingebunden.

Ein Adtrance kommuniziert: Sieh her wie gut unsere Markenwelt und/oder unsere Produkte aussehen!

Das starke Branding geht zu Lasten der User Interaktion. Erst mit einem weiteren Click kommt man auf belebtere Teile der Facebook-Seite. Der Adtrance von Victoria Secrets versammelt "Banner", die alle aus Facebook hinaus führen:

1.2. Der Apptrance (Application + Entrance)

Eine Flash-Applikation begrüßt den Nutzer auf der Facebook-Seite. Diese Flash-Apps reichen von der animierten Introseite bis zu komplexen Facebook-Spielen.

Der Apptrance kommuniziert an den Besucher, dass die Marke in technisches Know-How und interaktive Angebote investiert. Diese Form des Einstiegs fordert sehr deutlich, dass man vom User erwartet, die Applikation auch zu nutzen.

Der Haken an diesem Einstieg ist unter Umständen die Ladezeit einer Flash-Applikation. Der Nutzer sieht dann erst mal nichts.

Beispiele sind u.a. Audi oder Volvo

1.3 Newstrance ( News + Entrance)

Der Users wird von der Pinnwand der Facebook Seite begrüsst. Trifft er hier auf eine hohe Frequenz von Unternehmensnachrichten, nenne ich es den Newstrance.

Er kommuniziert an den User: Sieh her, was unser Unternehmen für spannende Nachrichten und Stories produziert.

1.4 Salestrance (Sale +Entrance)

Erwartet den User hingegen eine hohe Frequenz von Produktangeboten, nenne ich es den Salestrance. Diese Form des Einstiegs setzt ein klares Signal: Es geht es ohne Umschweife ums Verkaufen.

Interpretation und User Experience

Ich möchte keine Wertung der Einstiegs-Rhetoriken vornehmen. Wenn Sie mit einer Zielsetzung gewählt wurden, können sie alle zum Erfolg führen.

Doch wohnt jeder der Einstiegs-Rhetoriken die Gefahr inne, dass sie aus dem gewohnten Denkschema der Produzenten und nicht aus der User Experience heraus gewählt werden.

Frei nach dem Sprichwort "Wer nur einen Hammer hat, für den sieht alles aus wie ein Nagel" lässt sich vermuten, dass verschiedene Abteilungen/Agenturen andere Präferenzen des Einstiegs haben.

Eine Vertriebsabteilung würde instinktiv eher zum Salestrance tendieren, die PR-Abteilung den Newstrance bevorzugen, die Online Agentur den Apptrance präferieren und die Klassik-Agentur zum Adtrance neigen. Und alle Abteilungen/Agenturen können ihren Einstieg mit guten Argumenten verteidigen.

Deshalb sollte die User Experience im Vordergrund stehen:

Wie soll sich der User fühlen, wenn er die Seite zum ersten mal auruft?

In seinem spanenden Buch "The Art of Game Design" beschreibt Jesse Schell, dass jede User Experience auf dem Zusammenspiel von Ästhetik, Geschichte, Technologie und Mechanik besteht. Es macht also Sinn die gesamte Facebook-Experience abteilungsübergreifend zu betrachten, bevor man den Einstieg wählt.

Meine Rhetorik Beobachtung sind allerdings erst ein Anfang die Sprache Facebook zu verstehen. Deshalb bitte ich um Kritik, Widersprüche und weitere Beispiele. Beobachtungen können nämlich auch täuschen.

No, I cannot help you create a social media strategy! - Great Post by Shalu Wasu

2010-05-01T10:21:00.001-07:00

Well, I am afraid that my job is not to create social media strategies for companies, simply because I believe that they don’t need one! What every company needs to do though, is to incorporate social media into everything that they do and that is not the same as creating a stand alone social media strategy.

Social media is not a new management discipline or a new functional area that your company needs to create a strategy for. Social media is simply a bunch of tools, platforms and technology that allows for content to be co-created, relationships to be built, communities to be created and conversations to take place in a manner that has never been possible!

Shalu Wasu at Oglivy Asia

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Projekt-Management vs. People-Management: Zwei Softwarekonzepte um ToDo's im Blick zu behalten.

2010-04-28T08:28:00.001-07:00

Vor einigen Tagen hatte ich das Vergnügen einen Workshop zum Thema "Ideen bewerten und umsetzen" für die Vertriebsmanschaft von DFDS Seaways Deutschland zu entwickeln und zu moderieren.

(Auf dem Bild: Max Foster, General Manager, DFDS Seaways Germany [untere Reihe, 2. von rechts] und seine Vertriebsmannschaft).

Am Rande der Arbeits-Sessions haben wir auch die Frage gestreift, welche Projekt-Management Software den Umsetzungprozess einer Idee am Besten unterstützt.

Ich glaube, eine eindeutige Antwort darauf gibt es nicht. Schließlich sollte sich jede Software-Lösung nach den Bedürfnissen eines Unternehmens richten und nicht umgekehrt. Der Wunsch nach einer Projekt-Management Software hingegen wird - meiner Erfahrung nach - immer aus dem gleichen Grund geäußert: Sowohl der Projektleiter als auch die Beteiligten haben Komplikationen bei der Umsetzung von Ideen erlebt und hoffen, diese durch neue Werkzeuge zu lösen.

Dabei gerät oft aus dem Blick, dass bereits viele Komplikationen in der Zusammenarbeit aus missverständlichen Arbeitsanweisungen entstehen. Deshalb möchte ich meine Top 3 der verwirrenden ToDo's vorstellen und dann auf zwei unterschiedliche Software-Konzepte sowie Links zur weiteren Recherche hinweisen.

Die Top 3 der missverständlichen ToDos

1. Das Chef ToDo

Das Chef-Todo besteht meist aus einer weitergeleitete Email von einem Kunden oder Geschäftspartner. Sie wird am Blackberry mit einem kurzen Arbeitsauftrag versehen:

Die schnelle Weiterleitung gibt dem Absender das Gefühl, einen Auftrag erfolgreich deligiert zu haben. Meist wirft eine so vermittelte Handlungsaufforderung jedoch viele Fragen auf, bevor effektiv gehandelt werden kann.
Ohne die Angabe des Projekts oder einer Deadline kann der Empfänger die Priorität dieses ToDo erst bewerten, wenn er die gesamte Email gelesen und richtig interpretiert hat.
Je länger die weitergeleitete Email-Konversation ist, desto höher das Risiko, dass der Empfänger eine falsche Handlungsaufforderung aus dem Text abliest.

2. Das Kuschel-ToDo

Das Kuschel-ToDo tritt meist unter Kollegen auf. Sie möchten die Vergabe einer Aufgabe nicht als Befehlsakt sehen und packen das ToDo in Watte:
Aus diesem Kuschel ToDo wird weder das Projekt, noch die Deadline deutlich. Der Auftragnehmer kann die Priorität nicht abschätzen und wird sprachlich in eine Rolle gedrängt, in der die Ablehnung des ToDo's als Affront gelten muss. Die Folge: Das ToDo wird stillschweigend angenommen, aber allen anderen Aufgaben untergeordnet oder vergessen.

3. Das Gruppen-ToDo

Das Gruppen ToDo ist meist Ergebnis eines Meetings oder eines Flur-Gesprächs. Es beschreibt eine grundsätzliche Willenserklärungen etwas zu tun, benennt aber keinen Verantwortlichen, keine konkrete Aufgabe, oder einen Termin.

Das Gruppen ToDo dient böse gesagt der Selbstberuhigung. Es erweckt den Anschein von Aktivität. Denn ohne eine klare Ergebnisdefinition fällt auch nicht auf, wenn beim rumdenken nichts passiert ist.

Aber wie sieht ein gutes ToDo aus?

Ein gutes ToDo nennt, denke ich, auf einen Blick den Verantwortlichen, die Deadline, das Projekt, die Art der Aufgabe und den Kunden. Zudem sollte es als ToDo klar zu erkennen sein.
Noch immer verläuft die meiste Projektkommunikation per Email. Wer sich mit etwas Diziplin eindeutigen Betreffzeilen widmet, kann bereits die Team-Kommunikation deutlich vereinfachen.

Dabei gilt, dass der Empfänger einer Nachricht stets der Verantwortliche ist. Wer in CC gesetzt wird, muss nicht aktiv werden. Ein weiterer Vorteil ordentlicher Betreffzeilen ist, dass sie die Suche nach Emails enorm erleichten.

Doch selbst wenn jede interne Email perfekt ausgezeichnet ist, stößt der Email-Verkehr bei komplexeren Absprachen schnell an seine Grenzen. Nachrichten zu verschiedensten Themen und Projekten mit Tonnen an Attachments verstopfen zunehmend die Postfächer und Denkkapazitäten jedes Büroarbeiters.
Der daraus erwachsende Stress wird oft als Information Overflow bezeichnet und besorgt beobachtet. Doch für den Internet Guru Clay Shirky, dann gibt es den Overflow nicht. Er ist lediglich eine Folge versagender Informationsfilter.

Und um diese Filter zu stärken und Projektplanung, Kommunikation und Zusammenarbeit zu bündeln, konkurrieren viele Projekt-Management Anwedungen auf dem Markt. Ich habe sie für mich in zwei Kategorien geteilt:

Balken und Milestones: Die klassischen Projekt-Management Anwendungen

Mit Projektmangament Paketen wie MS Project, Merlin oder Basecamp lassen sich die komplexesten Projekte vom Autobahnbau bis zum Raketenstart abbilden.
Darin liegt ihre Stärke und zugleich auch ihre Schwäche. Diese Projektformen sind in meiner Wahrnehmung, eher darauf ausgerichtet, einen Projektmanager bei der Kontrolle des Projektes zu unterstützen. Sie unterstützen seltener die Mitarbeiter in der Planung und Ausführung ihrer Tätigkeiten.

Dieser hierarchische Ansatz aus dem Blickwinkel des Projektleiters zeigt sich in Gant-Diagrammen und Milestones. Er funktioniert wahrscheinlich dann am Besten, wenn alle Mitarbeiter eines Teams an genau einem Projekt unter Leitung eines Projektmanagers arbeiten und schon deshalb die ToDos mit klaren Verantwortlichkeiten versehen sind.

(Projekt-Überblick in Merlin)

Doch sobald Projekte kurzfristiger, kollaborativer und agiler werden, oder Kollegen zwischen mehreren Projekten wechseln müssen (bzw. in anderen Zusammenhängen selber Projektleiter sind) ertrinken alle im adminitrativen Aufwand, den eine solche Anwendung fordert. Aus Zeitnot wird der Projektstand nicht sauber in der Software gepflegt. Die einzelnen ToDo's landen wieder auf handschriftlichen Zetteln, Outlook-Listen oder Post it- Aufklebern am Monitor.

Zwitscher, was zu tun ist. Die agilen People-Management Anwendungen

Der Erfolg von Twitter hat ein neues Konzept von Anwendungen ermöglicht, die auf das Bedürfnis nach agiler Zusammenarbeit ausgerichtet sind.

Diese Anwendungen basieren auf Kurzmitteilungen, die unter den Beteiligten versendet werden. So entsteht ein eindeutiges von externen Emails getrenntes Kommunikationssystem, das dazu zwingt bei allen ToDos die nötigen Angaben zu Projekt und Deadline zu machen.

(Staction)

Den Unterschied zu den klassischen Projekt-Management Anwendungen wie Basecamp beschreibt die Software Staction, die sich stark an Twitter orientiert, sehr treffend:

"Basecamp is about the project, and about the granular nugget of information. Staction is about the aerial view. With Basecamp you’re in the trenches. With Staction, you're in the clouds."

Varianten der Idee von Kommunikation und Zusammenarbeit über Kurzmitteilungen zu koordinieren, bieten auch "Teambox" und "Remember the Milk".

Neu auf dem Markt und noch in der Private Beta Phase ist "TheDeadline" aus Hamburg.

Es folgt einem sehr demokratischen und schnellen Ansatz: Jeder kann an Jeden ein ToDo zuweisen und ebenso einfach seine eigenen ToDos eintragen und verwalten.

Bei the Deadline müssen Projekte und Tätigkeiten nicht umständlich angelegt werden, sondern werden einfach durch Tags markiert. Ein intelligenter Assistent erinnert dann freundlich daran, was noch zu erledigen ist.

Ich denke, gerade Agenturen und kleine Unternehmen können von diesen Lösungen profitieren. Sie machen den sonst üblichen Zuruf von Aufgaben über den Schreibtisch nachvollziehbar und steuerbar. Mich selbst hat "TheDeadline" nach kurzer Zeit abhängig gemacht.

Trotzdem entlastet keine Software einen Projektleiter sich über die Planung im Vorfeld Gedanken zu machen. Einen sehr spannenden Ansatz, um sich die Umsetzung einer Idee zu visualisieren, hatte "The Big Picture". Leider wird das Projekt nicht weiter entwickelt.

Denn ohne Planung führen alle Tools wieder in eine hektische Nachrichtenflut. Immerhin wird diese mit den Kurznachrichtendiensten dann so deutlich am Bildschirm dokumentiert, dass man sich ihr als Problem stellen muss.

Eine schöne Liste mit weiteren PM-Anwendungen gibt es hier.

Transparenz, Penise, Glaubenskriege, Makerbots und andere Innovationen - Mein Re:publica Tagebuch

2010-04-16T03:24:00.000-07:00

Tag 1 - Mittwoch

Die Bloggerkonferenz re:publica ist wie das Internet ein besonderer Raum mit eigenen Regeln. Zum Beispiel schreiben viele Teilnehmer ihren Twitternamen unter unter das Namensschild, das jeder Konferenzbesucher trägt. Ich habe mich dem sofort angeschlossen, nachdem ich diese Situation in der Warteschlange am Eingang erlebt habe.

Eine stämmige Frau mittleren Alters ist auf einen Mann zugestürmt, der in der Schlange stehend sein Notebook auf dem Arm balancierte.

"Hallo GilliBerlin", begrüßte sie ihn und erntete einen überraschten, schüchtern erschreckten Blick. Für eine Sekunde drohte das Notebook zu Boden zu stürzen.

"Ich bins doch - Biggi76 von Twitter. Wir schreiben uns DMs.", führte die Frau ihre Begrüßung fort. Und schon konnte sich ihr Gegenüber an sie erinnern.

"Ach ja, hallo wie gehts?", sagte der Notebook-Balancierer.

"Gut, aber ist eine ziemlich lange Schlange", sagte die Frau.

"Finde ich auch. Deshalb Twittere ich grade noch."

"Super. Freue mich voll deine Tweets zu lesen. Bis nachher".

Damit endete der hybrid-mediale Small Talk. Die Usernamen habe ich verfremdet. Wahrscheinlich gibt es für einen aktiven Twitterer keinen Ort mehr, an dem er nicht potentiell erkannt werden kann. So wie man im Urlaub stets auf einen Bekannten trifft, trifft man nun Follower - die einen in der Schlange überrumpeln. Zugegeben ist die Wahrscheinlichkeit, dass sich Twitterer auf der re:publica treffen ungleich höher als im Urlaub, denn deshalb gibt es die Veranstaltung.

Nichtsdestotrotz: Die Welt ist transparenter geworden mit dem Internet. Und diese Transparenz war auch das große Thema meines ersten Konferenztages.

Evgeny Morozov hat einen kritischen Blick auf diese Transparenz. Er erläuterte in seinem Vortrag, dass nicht nur Revolutionäre von der neuen Offenheit digitaler Kommunikationsmittel profitieren.

Technologien wie Twitter geben Systemgegnern,wie im Iran, zwar ein mächtiges Mittel in die Hand, um Widerstand zu organisieren. Doch man sollte sich nicht von der Freiheitsphantasie blenden lassen, dass ein offenes Internet automatisch zu einer freiheitlichen Gesellschaft führe.

Denn die Offenheit der Kommunikationsnetze mache es autoritären Staaten mit Spionen auf Twitter und Facebook auch leichter Systemgegener zu überwachen, zu identifizieren und die Diskussionen zu manipulieren.

Widerstand ist also durch die neuen Medien nicht weniger gefährlich geworden. Und die aufgezeigten Praktiken der Meinungskontrolle autoritärer Staaten im Social Web hat bei mir auch den sauren Nachgeschmack hinterlassen. Denn schnell können auch Demokratien den Verlockungen des "Social Media Monitorings" aus Sicherheitsaspekten erliegen und ich kann jedem Morozovs spannenden TED-Vortrag zum Thema "Wie das Netz Diktatoren hilft" empfehlen:

Aller notwendigen Kritik zum Trotz: Das Internet kann dazu beitragen, die Arbeit von Regierungen transparenter zu machen. So können Bürger - zumindest in einigermaßen funktionierenden Demokratien - ihre Abgeordneten besser kontrollieren. Das hat David Sasaki in seinem Vortrag gezeigt und verschiedene internationale Webinitativen zur Kontrolle von Regierungen vorgestellt. Man kann sie unter Transparency.globalvoices.com absurfen und bekommt einen guten Eindruck davon, was digitale Demokratie sein kann.

Die Transparenz, die das Internet schafft, ist also weder gut noch schlecht. Sie ist eine Frage der Bewertung.

Das findet auch Journalismus-Professor und Internet-Prediger Jeff Jarvis. In einer unterhaltsamen manchmal klerikalen Keynote hat er uns Deutsche aufgefordert, das Internet nicht nur in Sorge um die "Privatsphäre" zu betrachten, sondern den Wert der Öffentlichkeit wahrzunehmen.

Für ihn als Amerikaner erscheint die deutsche Debatte um den Schutz der Privatssphäre paradox, da sie in einem Land statt findet, in dem es für niemanden ein Problem ist, seine Geschlechtsteile in der öffentlichen Sauna zu zeigen.

Wovor habe man also Angst, fragte er. Natürlich müssten Menschen, die Kontrolle darüber behalten, welche Informationen sie über sich im Netz preisgeben. Doch die Angst, dass ein falsches Foto oder ein schlechter Blogbeitrag die Reputation eines Menschen oder Unternehmens auf ewig beschädigten, teilt er nicht. Das Netz werde uns allen zeigen, so Jarvis, dass niemand perfekt sei. Darüber hinaus sei es wichtig, sich zu vergegenwärtigen, dass das Verständnis von Privatsphäre hochgradig kuturell geprägt sei. So habe man z.B. in Schweden keine Bedenken sein Gehalt zu veröffentlichen.

Im Umkehrschluss führt ein überzogenes Sicherheitsdenken sogar dazu, dass der Wert der Öffentlichkeit nicht erkannt wird.

Diesen Wert macht Jarvis mit einer sehr persönlcihen Geschichte deutlich. Nur weil er seinen Protatakrebs und die peinlichen Nebenwirkungen der Behandlung öffentlich gemacht hat, ist er in Kontakt mit Menschen gekommen, die sein Schicksal teilten und hat wertvolle Informationen und Kontakte geschlossen.

Denn das Internet ist für ihn kein Medium. Es ist eine Verbindungsmaschine zwischen Menschen - ein neuer, öffentlicher Kulturraum, an dem man nur teilhaben könne, wenn man etwas von sich preisgibt. Und je mehr Menschen und Regierungen versuchten diesen Raum durch Regeln der Privatsphäre einzuschränken, desto mehr würden sie die wertvollen, kulturschaffenden Verbindungen zwischen Menschen verhindern.

Er gehe das Netz mit großem Optimiusmus an: Für ihn ist der Nutzen der Öffentlichkeit stets höher als der Schutz der Privatsphäre. Denn unter lauter Nackten gibt es keine Geheimnisse mehr. Deshalb ludt er die Zuhörer im Anschluss an seinen Vortrag zu einem gemeinsamen Saunagang in seinem Hotel ein, um über seine Thesen zu diskutieren.

Weitere Zusammenfassung des Vortrags:

Jeff Jarvis - The German Paradox - Im Tagesspiegel

Video:

Jeff Jarvis über Privatsphäre im Internet-Zeitalter: Wenn der Penis schrumpft

Bestimmt teilte nicht jeder im Auditorium seinen Optimismus zur Öffentlichkeit. Auch ich hatte einige Male Schwierigkeiten ihm zu folgen. Denn Öffentlichkeit erzeugt - das wissen wir nicht erst seit Foucault - immer auch einen sozialen Anpassungs und Konformitätsdruck.

Das dieses Schwanken zwischen Freiheitseuphorie und Mistrauen normal zu sein scheint, hat Prof. Peter Kruse in seinem Vortrag deutlich gemacht.

In rasender Geschwindigkeit und in beeindruckend animierten Folien präsentierte er das Ergebnis einer Interview-Studie, die er mit Menschen gemacht hat, die das Internet intensiv nutzen.

Dabei hat er herausgefunden, dass sich diese Heavy User unabhängig vom Alter bei gleicher Nutzensintensität in zwei gleichberechtigte Gruppen teilen lassen: Die Digital Visitors nutzen das Netz für ihre Arbeit aber stehen dem Internet und seinem Einfluss auf menschliche Beziehungen eher mistrauisch gegenüber. Ihnen gegenüber stehen die Digital Residents, die das Internet als wichtige Berreicherung ihres beruflichen und privaten Lebens sehen und es gerne in ihren Alltag integrieren.

Da sich diese Positionen nicht durch Fakten über das Internet begründen lassen, entsteht ein Glaubens- oder Wertekonflikt, der die Debatten über das Netz stets polarisiert und den Blick auf die kulturellen Veränderungen durch das Netz verstellt.

Seine Folien:

republica2010

Für mich war Kruses Vortrag aus drei Gründen das anregenste Erlebnis der re:publica.

Mich haben seine überanimierten Folien misstrauisch gemacht und ich habe mir die Frage gestellt, wie er geprüft hat, ob er mit seinen Interviewfragen nicht das Ergebnis der Studie vordefiniert hat.
Ich habe mir die Frage gestellt, wie diese Glaubenssysteme dem Internet gegenüber entstehen und fortgeschrieben werden. Ob schon mal jemand eine Diskursanalyse unter dieser Prämisse angestrebt hat?
Mir hat Peter Kruses Ausblick auf die Auswirkungen des Internets für die Gesellschaft gezeigt, dass auch er in seinem eigenen Glaubenssystem gefangen bleibt. Denn in meiner Interpretation schwingt in jeder seiner Formulierung die Sichtweise eines Digital Residents mit.

Vor allem sein Hinweis auf die über das Netz organiserten Studentenproteste im letzten Jahr, ist ein deutliches Statement, das auch er an die Kraft der neuen digitalen Öffentlichkeit glaubt.

Die Grenzbereiche dieser digitaler Publizität kennt die Feministin und Bloggerin Melissa Gira Grant. In ihrem Vortrag berichtete sie über die versteckten Orte und Praktiken, mit denen Menschen sich jenseits der unzähligen Porno-Portale mit ihrer Sexualität beschäftigen. Die neue Öffentlichkeit des Netzes helfe Phantasien zu erforschen und Gleichgesinnte zu finden.

Unübersehbar wurde die digitale Öffentlichkeit als sie live auf der Bühne die Chatplattform Chat-Roulette ausprobierte, die zufällig zwei beliebige Webcams verknüpft.

Plötzlich sah sich das Auditorium der Nahaufnahme eines maturbierendes männliches Genitals ausgesetzt. Grant reagierte gelassen und fragte den anonymen Exhibitionisten, ob auch ihre Freunde der Streichelei zusehen dürften. Der unbekannte Mann, dessen Gesicht man nie sah, erteilte promt seine Erlaubnis. Grant drehte ihren Laptop zum applaudierenden Auditorium. Konfrontiert mit 500 Zuschauern versagte dem Mann sofort Erregung und er schaltete seine Webcam aus. Öffentlichkeit wirkt eben immer in beide Richtungen.

2. Tag - Donnerstag

Mein zweiter Tag drehte sich um das Thema Innovation. Nicht nur in den Vorträgen wurde diskutiert, wie neue Ideen entstehen und umgesetzt werden.

In einer spannenden Mittagspause habe ich mit Steffen Stäuber, Tim Keil und anderen Digital Strategen angeregt diskutiert, wie sich Agenturen künftig aufstellen müssen, um ohne Management-Overhead flexibler und jenseits von Standard-Lösungen agieren zu können.

Einig waren wir uns alle, das Agenturen auf eigenes Risiko mehr in Vorleistung gehen müssen. Bevor eine Agentur einem Kunden erklärt kann, wie das Web sein Geschäft verändert, sollte sie sich selber verändert und der neuen Welt angepasst haben. Das bedeutet für mich die Förderung von Forschung und Entwicklung und die gleichberechtigte Zusammenführung von Designern, Grafikern und Technikern.

Ein Gedanke, den auch Tim Leberecht von Frog Design in seiner Session aufgriff. Innovationen werden, seiner Meinung nach, von der Angst getrieben, morgen sein Geschäftsmodell zu verlieren. Und in einer immer komplexer werdenden Welt, kann man dieser Angst nur mit einem interdisziplinären Team entgegen treten. Diese Team muss gewillt sein mit seiner Arbeit Bedeutung zu schaffen.

Das sei die genuine Kernkompetenz von Designern, die aus der Nähe zum Menschen heraus neue Lösungen schaffen, die Bedeutung entfalten, weil sie bequem, sozial, unterhaltsam oder transzendent sind.

Wie wichtig ganzheitliche Innovationen für Unternehmen künftig werden, zeigte Bre Pettis .

Er stellte seinen Makerbot vor - einen 3D Drucker für unter 1000€.

Mit ihm lassen sich 3D-Model aus dem Internet herunter laden und als Plastik-Objekt ausdrucken. Noch hat die Maschine enge Grenzen und kann nur kleine Objekte ausdrucken, wie eine Trillerpfeife oder ein Ehering.

Doch in Anbetracht der Geschwindigkeit von technologischen Entwicklungen, sollten alle produzierenden Unternehmen im Auge behalten, wie sich ihr Geschäftsmodell ändert - wenn die Digitalisierung Geschirr, Turnschuhe sogar Autos erfasst.

Rettet unser Zweites... | Fernsehen der Zukunft

2010-04-01T08:10:00.000-07:00

Am vergangenen Dienstag hatte ich das Glück an einem sehr spannenden Workshop zur Zukunft des Fernsehens teilzunehmen.

Willms Buhse (@ahoibrause) und Jörn Hendrik Ast (@jormason) von doubleYuu haben eine Hand voll Digital Natives aus den Reihen der DNA-Digital Initiative und mich eingeladen um zusammen mit Martin Fisch, aus der Abteilung "Digitale Strategien" des ZDF zu diskutieren, wie sich unsere TV-Gewohnheiten verändern.

Mit dem Workshop hat sich die Gruppe auf ein Treffen mit dem Management des ZDF am kommenden Donnerstag vorbereitet, an dem ich per Skype teilnehmen möchte.

In zwei Arbeitsrunden haben wir in Kleingruppen versucht, ganz unrepräsentativ unsere persönliche Wahrnehmung des Fernsehens und natürlich des ZDF aufzuzeichen. Manuel Schmutte (@schmutte), Daniel Harbeck (@dharbeck) und ich haben dabei diese kreativ wirkende Flipchart gestaltet.

Der iPhone-Kamera sei Dank, dass man nicht mehr lesen kann. Aber die wichtigsten Punkte unserer Diskussion gliederten sich in vier Cluster:

1. So glotz ich heute.

Wir haben festgestellt, dass wir Fernsehsender ( und ganz besonders das ZDF) gar nicht mehr als Sender wahrnehmen. Eigentlich verknüpfen wir nur noch einzelne Programminseln mit dem Kanal, so wie Wetten Dass?, Terra X oder die Mainzelmännchen.
Insgesamt fanden wir unseren Konsum recht selektiv und mit einem starken Wunsch ausgestattet, unsere Lieblingssendungen auf Abruf sehen zu können.
On Demand, wie man im TV Geschäft sagt.

2. Warum on-demand

Der Wunsch nach mehr On-Demand Fernsehen kam nicht auf, weil Daniel und Manuel aus Versehen ein Maxdome-Abo abgeschlossen haben. (Sorry, das muss an die Öffentlichkeit).
Hauptgrund für uns ist gewesen, dass wir nicht auf die neuen Folgen der amerikanischen Lieblingsserie ein Jahr warten wollen, um sie dann meist schlecht synchronisiert nachts im Programm zu suchen. Vor dem Internet ist einem das komischerweise nicht aufgefallen. Man wusste schlicht nicht, was in Amerika lief. Heute zwingt das Wissen über gute Serien den begeisterten Fan quasi die Illegalität bei Kino.to. Unser Hoffnungsschimmer: Vielleicht kauft man Serien irgendwann direkt beim Produzenten.

3. Tendenz - Wohin gehts.

Die Tendenz der Medienentwicklung haben wir mit dem Satz "Ein Screen ist ein Screen" zusammengefasst.
Wir möchten selbst entscheiden, was auf dem Bildschirmen sehen ist. Und so sind wir darauf gekommen das Fernsehen mit "iTunes" zu vergleichen. Mit dem Apple Musikprogramm kann man seine eigenen Playlists erstellen, aber auch linear ausgestrahle (Radio-)Streams hören oder die Auswahl an Titel in Genius-Modus von einem Rechner bestimmen lassen. Warum sollte der Fernseher der Zukunft das nicht auch können.

Am Ende waren wir uns einig, dass es gar nicht so sehr um den Inhalt geht, sondern vielmehr um das Erlebnis mit dem Inhalt.

Je nachdem welches Erlebnis ich anstrebe, möchte ich mich entweder voll auf einen Film konzentrieren oder parallel mit Freunden twittern oder surfen. Dabei ist Social Media beim Fernsehen eine virtuelle Erweiterung des 'zusammen-vor-der-Glotze-sitzens'. Wenn Männer bei Pizza und Bier Rambo sehen, spielt Sylvester Stallone auch eine untergeordnete Rolle. Er ist nicht mehr Zentrum der Aufmerksamkeit, sondern das Lagerfeuer. Er gibt den Grund sich um die Flimmerkiste zu scharen. Es geht also gar nicht darum, ob man Fernsehen jetzt aktiv oder Passiv konsumiert und was besser ist. Man swiched einfach im Grad der Partizipation hin und her, so wie man sich in eine Unterhaltung einklingt oder ausklinkt.

4. Warum ist das so?

Der fließende Wechsel zwischen lean forward und lean backward ist bei mir jedenfalle eine aktive, wenn auch manchmal unbewusste Entscheidung. Sie ist abhäng davon, was er erleben möchte. Und vom Erlebnisinteresse leitet sich auch die Relevanz eines Inhaltes ab.
Denn ich denke ein Inhalt ist nicht per se relevant. Er ist nur so wichtig, wie ein Zuschauer ihn empfindet, aufgrund seiner individuellen Ansprüche.

Deshalb kann es einen Sender (wie das ZDF) schnell enttäuschen, wenn er Sendungen von der hohen Quote abgeleitet für relevant erklärt, auf Facebook bringt. Denn Relevanz kann man einem Inhalt in vielen verschiedenen Graduierungen verleihen. Und selbst wenn viele Menschen die Sendung am Samstag abend sehen und unterhaltend finden, müssen noch nicht alle automatisch "Wetten Dass?" für persönlich so relevant halten, um sich auf einer Facebook-Seite zu engagieren.

(In einem anderen Post habe ich darüber geschrieben, wie wenig Kinobesucher zu Facebook-fans geworden sind: hier weiterlesen)

Und eben weil man nicht von der Quote direkt auf die soziale Relevanz (also das Bedürfnis sich mit einem Inhalt weiter und vor allem in Social Media auseinanderzusetzen ) schießen kann - ist der Sender gezwungen so viel wie möglich auszuprobieren. Wenn es zu vielen Sendungen Social Media Verlängerungen gibt, wird man schnell feststellen, welche Sendungen die größte Fan Relevanz haben.

Doch um Neues auszuprobieren, braucht man vor allem Ideen.Von denen sollen möglichst viele in dem kommenden Management-Treffen diskutiert werden. Deshalb ist aus dem Workshop heraus eine Facebook-Seite entstanden, auf der jeder seine Wünsche an das ZDF richten kann. Sie heißt: Rettet unser Zweites. Und jeder ist eingeladen mitzumachen.

10 Thesen über Youtube für Filmemacher

2010-03-12T07:55:00.000-08:00

Ich hatte am Donnerstag Abend das schöne Vergnügen bei einem Abendessen mit mit dem Hamburger Regisseur Jan Schütte, den Gründern der Grimme-Preis ausgezeichneten Filmproduktion Lemme Film und mehreren tollen Hamburger Schauspielern über die Potentiale des Netzes für unabhängige Filmemacher zu diskutieren.

Um die Diskussion anzuregen habe ich 10 Thesen zu Youtube vorgestellt. Meiner Meinung nach sollten Filmschaffende (aber auch Marketing-Entscheider) diese Punkte im Auge behalten, wenn sie Inhalte über Videoportale, wie Youtube, publizieren wollen.

1. Youtube ist keine Fernsehsender sondern die größte Videothek der Welt!

Das bedeutet: Man kann nicht automatisch mit einem Publikum rechnen.

Vielmehr sollte man sich Youtube als eine Lagerhalle vorstellen in der 120.000.000 Videos in den Regalen liegen. Wer die Lagerhalle betritt, um sich einfach mal einen Film anzusehen, ist von der schieren Masse überwältigt. Mich persönlich überfordert schon das Angebot meiner lokalen Videothek um die Ecke. Doch selbst die hat einige Ähnlichkeiten mit Youtube.

Wenn ich meine Stammvideothek betrete bekomme ich am Eingang diverse Filme angeboten, die besonders platziert sind, weil sie entweder neu oder besonders beliebt sind. Und ein guter Videothekar (ich habe leider noch keinen erlebt) kann einem Kunden sicherlich, Filme empfehlen, weil er weiß, was der Kunde früher geliehen hat.

Die Youtube-Startseite ist wie der Empfangsbereich meiner Videothek aufgebaut: Man bekommt die beliebtesten Videos angeboten. Die neuesten Filme sind prominent platziert, man erfährt welche Videos gerade gesehen werden und bekommt Empfehlungen von der Youtube Datenbank basierend auf den bisher geliehenen Videos.

Wie in einer Videothek kann man Videos nach Rubriken suchen und die Filme sogar "ausleihen" oder empfehlen - indem man sie in seinen Blog integriert, auf Facebook postet oder den Link verschickt.

2. Fast niemand "surft" mehr auf Youtube.

Die besten Filme findet man, wie in der echten Videothek, dann wenn man genau weiß wonach man sucht oder wenn man den Film empfohlen bekommen hat.

Sehr viele Youtube-Nutzer wissen was sie suchen oder sehen wollen, bevor sie die Seite besuchen. Die geben den Titel im Suchfenster ein und sehen sich dann den Film an.

Eine bei Techcrunch im Januar 2010 veröffentlichte Untersuchung geht davon aus, dass 45% Prozent aller Videos direkt angesteuert werden. Die restlichen 55% Prozent würden hauptsächlich auf Blogs oder in Social Networks entdeckt.

3. Lebenszeit eines Videos ist sehr kurz.

50% der Views entstehen in den ersten 14 Tagen danach gehen die Klickraten rapide bergab, so Techcrunch.

4. Youtube - Phänomene sind zufälliger Natur.

Jeder Kreative stellt seinen Film bei Youtube ein, in der Hoffnung die Welt von seinem Inhalt zu begeistern. Und Youtube ermöglicht erstmals diese Chance.

Aber es ist eine Chance - und keine Zwangsläufigkeit.

Es kann passieren, dass ein Video plötzlich Millionen erreicht - es muss aber nicht. Die Verbreitung von Videos ist in den meisten Fällen nicht allein von ihrem Inhalt abhängig. Sie ist von vielen Variablen abhängen: u.a. vom Absender, dem Zeitpunkt des Einstellens, dem Zeitgeist oder schlicht dem Zufall, dass jemand mit sehr vielen digitalen Kontakten über den Clip stolpert und ihn multipliziert.

Ich glaube, die meisten bekannten Youtube-Phänomene beruhen eher auf einer Verkettung von Zufällen oder wie im Falle von Werbevirals auf einer geschickten Seeding-Strategie als auf der Qualität des Inhalts.

Ein gutes Beispiel für ein zufälliges Youtube-Phänomen ist die Geschichte des Teenagers, der unter dem Psyeudonym Lukewes1234 im vergangenen Jahr die Bitte um 50 Abonnenten ins Netz stellte.

Aus ungeklärten Gründen landete der Link zu diesem Video bei 4chan - einem Webforum, dass Spiegel Online so beschreibt:

Das Bulletin Board ist eine Mem-Schleuder, eine Brutstätte für ansteckende Ideen, aber auch ein abgründiger Ort, an dem Scheußlichkeiten, rassistische und sexistische Tiraden und Bilder weit jenseits der Grenzen des guten Geschmacks veröffentlicht werden. Eine Zensur findet kaum statt - nur Kinderpornografie ist offiziell nicht erlaubt. Wenn doch etwas Gesetzwidriges auftaucht, bleibt es nicht lang - Threads bei 4Chan überleben üblicherweise nicht länger als eine Stunde, manche verschwinden nach Minuten wieder." (Spiegel Online)

Plötzlich hatte Lukewes1234 über 15.ooo Abonennten, die ihm nicht nur wohlgesonnen waren. Als Youtube darauf hin seinen Account löschte, drohte die Community von 4chan Youtube am "Porn Day" mit massenhaft hochgeladenen Pornos zu überhäufen. Die ganze Geschichte kann man sehr gut bei Knowyourmeme.com nachlesen.

5. "Nur" etwa 4-5% aller Videos auf Youtube erreichen 10.000 Views und mehr.

Über die Hälfte liegen zwischen 50-500 Views.

6. Es ist logisch, dass viele Videos nur kleinen Zuschauerzahlen haben: Sie sind als private Freundschaftsbeweise für den kleinen Kreis produziert worden.

Menschen haben ein völlig anderes Motiv ihre Videos auf Youtube zu laden als professionelle Unterhalter oder Werbetreibenden, die entweder um Applaus oder Aufmerksamkeit und Verkäufe ringen.

Nutzer möchten mit ihren Videos meist Freundschaftsbeweise inszenieren. Sie produzieren ihre Clips, um ihren Freunden "Hallo" zu sagen und sie innerhalb ihres Freundeskreises zu verteilen. Der Inhalt des Videos ist zweitranging, wichtig ist der beziehungsstiftende Akt, der an fatische Kommunikation erinnert.

Auch die Entscheidung, ob man ein Video seinen Freunden empfiehlt, ist eher von dem individuellen sozialen Wert des Videos abhängig als vom Inhalt.

Das heißt im Klartext: Ein Video wird nicht alleine deshalb empfohlen, weil der Inhalt so gut ist - sondern, weil der Sender mit seiner Empfehlung etwas über sich aussagen kann:

Er zeigt seinen Freunden, dass er ein Conaisseur oder ein Kritiker ist und einen guten und für seine Freunde wichtigen Geschmack hat. Deshalb scheint man genauso häufig persönlich "gut" wie "schlecht" empfundene Videos zu empfehlen, um zu zeigen, dass man noch zu seinem Freundeskreis passt.

Als ein gutes Beispiel für die verschiedenen individuellen Bedeutungen bei Videos nennt der Kulturwissenschaftler Henry Jenkins diesen Polo-Spot:

Er wurde von Humoristen ebenso diskutiert und weitergesendet wie von Islamisten. Beide hatte jeweils eine andere Motivation, sich mit dem Inhalt zu beschäftigen: Die einen teilten ihren Humor, die anderen ihre Empörung.

Deshalb führt auch der Begriff "Viral" in die Irre. Er suggeriert, das es Inhalte gibt, die Menschen infizieren und zum Weiterempfehlen quasi zwingen. Jenkins hingegen macht deutlich, dass man das Verschicken nicht erzwingen kann. Wohl aber kann man einen Inhalt so gestalten, dass es zum verschicken einlädt - ihn in den Worten von Henry Jenkins kann man Inhalte "Spreadable" machen.

Anders als im TV und besonders bei klassischer Werbung kommt es dabei auf Vieldeutigkeit an und darin liegt auch das Geheimnis und die Chance von Youtube:

Je mehr Menschen aus ihrem eigenen Lebenshorizont Interpretationsansätze in einem Video finden, desto höher ist die Wahrscheinlichkeit, dass sie es auch ihren Freunden empfehlen. Man sollte also Filme auf Youtube als "Kulturelle Objekte" verstehen und als Rohmaterial begreifen, an denen Zuschauer ihre eigene Bedeutungen erzeugen, diskutieren und teilen können.

Ästhetisch kann Vieldeutigkeit gefördert durch Humor, Selbstironie, Parodie, Vulgäres, Unfertige Ästhetik, Fan-Insider Wissen und Zitate.

Mehr zu dem Thema "Viral vs. Spreadability" gibt es in diesem mehrteiligen Essay von Henry Jenkins.

6. Verbreitungseffekte beginnen über den Daumen gepeilt bei 1000 regelmäßigen Zuschauern.

Diese Zahl kann ich nicht validieren. Sie ist durch die Erfahrung mit eigenen Projekten und Gespräche mit Webvermarktern als mein Bauchgefühl entstanden. Tausend aktive Zuschauer sind schon eine ganze Menge. Und sie sind wahrscheinlich einfacher zu gewinnen, wenn man eine Meinung zu einem Thema bezieht und sich so an einen bestehenden "Fan-Kreis" richtet. So wie sich ein junger Unternehmer auf einer Party stets die richtigen Leute sucht, um ein Projekt zu pitchen.

7. Man sollte keine Wahnsinns-Quoten wie im TV erwarten.

Denn die Quote im TV ist eine statistische Hochrechnung der potentiellen Reichweite ist. Im Internet hingegen ist die Zuschauerschaft echt. Und anders als im TV lässt sich auch mit einer kleinen aber feinen Zuschauerschaft viel erreichen: Das Filmprojekt IronSky versucht zum Beispiel die Finanzierung eines Science Fiction Films über Anteile zu sichern, die Fans im Vorfeld kaufen. Vielleicht ist es für Youtube zu Beginn eines Filmprojektes angebrachter in den Zuschauer-Kategorien eines Off-Theaters in Berlin zu denken, als in Konkurrenz zu TV-Kanälen.

8. Youtube ermöglicht eine neue Freiheit für Kreative

Die "Anonymität" auf Youtube und das einfache kostenfreie publizieren, ergibt einen spannenden Freiraum, um Stories, Charaktere und Ideen in freier Wildbahn zu erforschen und mit anderen zu teilen. So lässt sich unter Umständen sukzessive ein Fanstamm aufzubauen. Und wenn man zum Mittelpunkt eines zufälligen Youtube Phänomens wird - um so besser.

9. Will man zusätzlich Aufmerksamkeit für ein Projekt generieren, muss man sich eine Vermarktungsstrategie überlegen.

Soll ein Youtube Filmprojekt über die "Experimentalphase" hinaus gehen und einer größeren Öffentlichkeit Publik gemacht werden, muss man sich wie bei jeder Premiere Gedanken darüber machen, wie man die sein Publikum einlädt.

Ein paar Anregungen:

- Gibt es bereits Fans aus früheren Projekten, die man ansprechen kann?

- Welche Freunde und Bekannte lassen sich für das Projekt einspannen?

- Gibt es Filmblogger, die an dem Projekt Interesse haben könnten?

- Lässt sich der Inhalt des filmischen Werks mit anderen Medien weitererzählen, z.B. in Blogs, Comics, Büchern etc...

10. Die alte Frage jedes Unterhaltungsformats - "Was will das Publikum?" bleibt auch im Netz ungelöst.

Aber ohne das Risiko eines Versuchs wird man es nicht herausfinden können. Und hier bietet das Web eine wirklich tolle Möglichkeit: Man kann das Publikum einfach fragen.

My Inspiration Portfolio

2010-03-11T08:37:00.001-08:00

A few days ago I stumpled upon the Inspiration Portfolio by Leon of theplanninglab.com. He posted a pictural map of his favourite sources of inspiration on his Blog.

I like the idea very mutch - because thinking about your sources of inspiration opens the mind to search for new ones. Therefore I created my own Inspiration Portfolio and a posterous-site to collect and share portfolios around the world: http://ipp.posterous.com/

If you want to share your inspiration portfolio - send a mail to: post@ipp.posterous.com

My Inspiration Portfolio looks like this:

Posted via web from creative*glasses

New TV Kongress Hamburg: Tex Avery wäre der ideale Keynote-Speaker gewesen

2010-02-23T12:03:00.000-08:00

Ich war gestern beim NewTV Kongress von Hamburg@work. Im Stadium am Millerntor fanden sich Bewegtbild-Manager und Macher ein, um über die Zukunft von TV Angeboten zu diskutieren.

Die Veranstaltung hat Rahul Chakkara eröffnet. Der Leiter Future Media TV Platforms bei der BBC hat in seiner kurzweiligen Keynote verdeutlicht, dass die Fernseh-Branche einem radikalen Wandel gegenübersteht. Dieser Wandel betrifft die Erwartungen der Konsumenten, die Möglichkeiten der Technologie sowie die Produktions und Geschäftsbedingungen der Sender.

(Chakkara spricht bei newTV )

Die BBC sei auf diesen Wandel sehr gut vorbereitet, so Chakkara, da man sich immer früh und intensiv mit neuen Technologien auseinandergesetzt. Schon lange verstehe sich die BBC nicht mehr als TV-Sender sondern als ein Multimedia Unternehmen, das seine Inhalte überall dort anbiete wo der Konsument sie sehen möchte.

Derzeit werde die Zukunft des Fernsehens von drei Bedürfnissen geprägt, auf die die BBC reagiere.

Interaktivität - Die BBC bietet bereits set längerer Zeit interaktive Services und Spiele über den Fernseher.

OnDemand - Die BBC stellt ihre Inhalte für sieben Tage im iPlayer öffentlich bereit, der auch über Spielkonsolen, wie die Wii erreichbar ist.

Content Konvergenz - Die BBC setzt darauf, dass künftig TV-Inhalte so flüssig mit Informationen aus dem Internet angereichert werden, dass der Medienwechsel dem Konsumenten kein Medienwechsel gar nicht mehr bewusst werde.
Entscheidend dafür ist die einfache Bedienung der Set-Top Boxen die TV und Internet zusammenbringen. Deren Benutzerführung wird in England im Rahmen des Project Canvas entwickelt.

Die Möglichkeiten einer solchen Box machte Chakkara an dem eindrucksvollen Click-Dummy deutlich, den sein Kollege Erik Huggers auf der C21 Future Media Conference in London vorgestellt hat:

Die anschließenden Vorträge und Podiumsdiskussion führten die Ansatzpunkte aus Chakkaras Keynote fort: Es wurde spekuliert, welche Technik die notwendige Interaktivität bringe. Es wurde gestritten, wieviel Interaktivität dem Konsumenten zuzutrauen sei. Den eigentlich wolle der nur mit der Fernbedienung auf der Couch sitzen.

Es wurde gerätselt, ob das Fernsehen der Zukunft wie der Apple App-Store funktioniere oder einen offenen Zugang zum Internet bieten würde.

Es wurde orakelt, wann wir den Bildschirm als Kontaktlinse auf dem Auge tragen. Und natürlich blieb die Frage unbeantwortet, wie man mit neuen Bewegtbild-Formaten Geld verdienen kann.

Obwohl die Vorträge und das Panel spannend waren, fühlte ich mich auf die IPTV Konferenz der Financial Times Deutschland zurückversetzt, die ich 2007 im Rahmen der IFA inhaltlich mitbetreut hatte. Viel hat sich die Diskussionen seit damals nicht verändert.

Ich glaube heute sogar, dass die Kernfrage "Wie verändert sich das Fernsehen?" die Falsche ist.

Denn das Fernsehen verändert sich gar nicht so rasant und überraschend, wie es uns Digital-Enthusiasten, Techniker und Trendforscher glauben machen wollen.

Das hätte ein Keynote-Speaker wie Tex Avery deutlich gemacht.
Dummerweise ist Tex Avery 1980 verstorben. Doch der scharfsinnige Kulturbeobachter Avery hat einen Film über die Zukunft des Fernsehens hinterlassen, aus dem sich fast alle aktuellen Entwicklungen, Branchen-Probleme und Konsumentenwünsche ablesen lassen. Es ist kein aufwendiger Klick-Dummy, kein Interface Konzept und keine Trend Studie. Es ist ein Zeichentrick-Film von 1953:

Der Zeichentrickfilm "TV of Tomorrow" macht deutlich das TV-Innovationen seit 1953 entlang der gleichen kulturellen Mustern verlaufen. Der Wandel des Mediums ist von Wünschen und Versprechungen geleitet, die seit Anbeginn des Fernsehens gleich geblieben sind:

Wir wünschen uns immer sehen zu können was wir wollen und interessant finden. (onDemand)
Wir wünschen, uns am Inhalt beteiligen zu können. (Interaktivität)
Wir wünschen, in den Inhalt eintauchen und die Technik zu vergessen zu können (Usability & Immersion).

Sobald neue Technologien auftauchen, die auf einem dieser Gebiete eine Weiterentwicklung ermöglichen, werden auf das Fernsehen angewendet werden.

Das betrifft 3D-Technologien ebenso wie Social Media-Anwendungen oder jede Vereinfachung des Interfaces. Selbst die iPod Steuerung ist in Averys Film zu finden.

Dahinter steht letztlich noch ein viel tief sitzender Wunsch, den wir an jede Flimmerkiste richten: Wir wollen ein perfektes Fenster zur Welt, dass an Natürlichkeit und Informationsfülle nicht zu übertreffen ist.

Und wir halten an diesem Wunsch, diesem Mythos der technischen Machbarkeit, fest, obwohl wir es eigentlich besser wissen: Selbst das Holodeck in Star Trek oder die Matrix, beides letztlich Visionen des pefekten TV, werden früher oder später als unzureichende Illusionen erkannt werden.

Und Avery zeigt uns noch mehr:

Er macht deutlich, wozu der nach Wunsch nach einem persönlichen Programm führt: Jede Person in seinem Zeichentrickfilm besitzt ein personalisertes Device für sein individuelles Zuschauerbedürfnis. Der 1953 als Gag skizzierte Fernseher der Zukunft integriert wie eine APP auf dem iPhone Content und Design zu einem personalisierten Erlebnis.

"DEN KONSUMENTEN", wie er auf dem Podium des NewTV Kongresses besprochen wurde, gibt es bei Avery schon nicht mehr. Er zeigt individuelle Nutzer. Es sind Charaktere, die thematische Vorlieben und Nutzungssituationen teilen. Es sind Menschen, die Avery man durch emphatische Beobachtung zeichnen konnte und nicht durch statistisch verrechnete Verallgemeinerungen.

Vor diesem Hintergrund war die Vorstellung von WildEarth.tv auf dem NewTV Kongress für mich der spannenste Case. Der Live-Stream Sender sendet Tierszenen aus Nationalparks und hat wirklich eine Nische entdeckt. Er hat sich das alte Web-Cam Prinzip zu Nutze gemacht uns bedient konsequent ein Partikularinteresse mit hochauflösenden Aufnahmen. Und WildEarth.Tv hat damit mehr Erfolg als erwartet. Aus der Web-TV Idee soll, so Thorsten Hoffmann von Global Media Consult, ein PayTV Kanal entstehen. Und die etablierten Sender arbeiten bereits daran, die Idee zu kopieren.

Der große Teil der TV Branche hingegen scheint immer noch dem alten Reichweiten Modell verhaftet. Man kann sich noch kein Geschäftsmodell jenseits der gewohnten Größenordnungen von Nutzerreichweite vorstellen - obwohl die Technologie der Partikularisierung nicht mehr im Weg steht und der kulturelle Wunsch nach einem individualisiertem Programm die Richtung klar vorgibt. Sicher wird das Boradcasting nicht verschwinden, denn Live-Events haben eine wichtige soziale Funktion. Sie geben uns ein Thema, um im Büro drüber zu sprechen. Doch alle anderen Inhalte werden sich zwangsläufig in einen Fächer von fragmentierten Nischen aufsplittern.

Als Avery seinen Film machte, gab es hingegen nur Broadcasting. Es gab weder die technischen Möglichkeiten für ein WildEarth.TV noch für seine Visionen. Darin lag 1953 der Witz seines Film. Die Programmauswahl, die Avery beschreibt, beschränkte sich auf ein paar Kanäle - auf denen aber wie heute nur das Gleiche läuft. Selbst auf dem Mars gibt es nur Western.

Und selbst mit dem Abschlusswitz gibt uns Avery eine klare Botschaft mit: Es ist egal wie groß und interaktiv das TV-Angebot der Zukunft sein wird. Nach einer Weile wird es uns bekannt und langweilig erscheinen. Das Fernsehen wird nie perfekt genug sein, um nicht noch segmenierter, noch interaktiver oder noch immersiver werden zu können. Schon allein, damit neue Devices verkauft werden können, muss es sich verändern. Was neu ist ist die Geschwindigkeit mit der sich die Technologie seit der Digitalisierung wandelt.

Dennoch kann man sich vor diesem Hintergrund die Frage sparen, wie sich das Fernsehen der Zukunft verändern wird. Es verändert sich eben. Punkt.

Die viel spannendere Frage ist, was hindert die Branche diese Veränderungen aktiv zu begrüßen und zu gestalten? Was hindert die etablierten Player - ganz gleich wie groß sie sind - jetzt in Forschung, Entwicklung und Experimente zu investieren, solange das alte Geschäftsmodell noch etwas hergibt?

Die Laborgründungen vom UFALab über das Innovationslabor von SinnerSchrader bis zum Formatlabor der Werbeagentur Nordpol sind Schritte in die richtige Richtung. Sie enttarnen vor allem die stete Frage nach einem funktionierenden Geschäftsmodell als Hemmschuh. Denn ohne Experiment und Risiko wird man es nicht finden können.

Facebook-Fan Conversion. Gedanken zur Facebook-Strategie in der Filmvermarktung.

2010-02-16T01:50:00.000-08:00

Die Entscheidung eine Facebook-Seite einzurichten, ist immer mit der Frage verbunden, wie viele Fans realistisch zu erwarten sind.

Denn nichts ist enttäuschender für einen Kunden und die Agentur, wenn die Facebook-Seite verweist bleibt, oder sich die anvisierte Fan-Reichweite nicht einstellen will.

Genaue Fan-Zahlen werden sich wohl nie prognostizieren lassen. Denn Facebook Nutzer entscheiden stets freiwillig und von vielen Faktoren abhängig, ob sie Fan eines Produkts oder einer Marke werden. Doch mit etwas Beobachtungsgabe lässt sich zumindest ein ungefähres Bauchgefühl entwickeln. Deshalb macht es Sinn in regelmäßigen Abständen nachzusehen:

Research: Wie viele Fans haben die Facebook-Seiten von Konkurrenten, erfolgreichen Marken oder Unterhaltungsprodukten ?
Interpretation: Welche Umstände mögen zu den Fanzahlen geführt haben?
Insight: Was lässt sich über das Produkt, die Marke, die Branche und darüber hinaus aus den Zahlen lernen?

Ich habe in der letzen Woche ein ganz besonderes Produkt vorgenommen und auf Facebook untersucht: Film

Warum Film?

Filme sind ein hochemotionales Produkt. Sie haben einen hohen Unterhaltungswert und sind ideale Objekte über die man in sozialen Medien diskutieren kann. Darüber hinaus gibt es bei Filmen zumindest für einige Menschen auch Gründe im Vorfeld des Kinobesuchs Facebook-Fan zu werden. Zum Beispiel, wenn man Genre und Geschichte spannend findet, für die Schauspieler schwärmt oder sich für die Musik begeistern kann. Noch dazu werden gerade Blockbuster heftig beworben.

Research

Am 9.02.2010 habe ich die aktuellen Besucherzahlen der Top 10 Filme in Deutschland mit den Fanzahlen der dazugehörigen Facebook-Gruppen verglichen.

Unter der Annahme, dass wahrscheinlich jeder Facebook-Fan den Film gesehen hat, habe ich eine stichprobenartige Conversion-Rate berechnet:

FanConversion = (facebook-fans*100)/Besucherzahl_Kino.

Für Avatar hat mich das Ergebnis umgehauen. Nach acht Wochen Spielzeit und über 8 Millionen Kinobesuchern, haben sich auf der deutschen Facebook-Seite des Films lediglich 25.767 Fans versammelt.

Aber auch die anderen Zahlen sind interessant: Kinderfilme wie"Wolkig mit Aussicht auf Fleischbällchen" (79 Fans) ,"Vorstadtkrokodile" (526 Fans) oder "Alvin und die Chipmunks" (5 Fans) haben derzeit auf facebook derzeit keine Relevanz.

Zu dem Bushido-Film "Zeiten ändern dich" bekannten sich hingegen in der der Startwoche 27641 Fans.

Das entspricht bei 305.095 Kinobesuchern in den ersten sieben Tagen einer Conversion-Rate von knapp 9%. Das zeigt die Zugkraft von Bushido. Doch die hohe Conversion Rate muss sich erst über die Laufzeit des Films behaupten.

Ich habe die Vermutung, dass sich das Fanwachstum in einer ähnlichen Wellendynamik ausdrückt, wie die Zugriffe auf ein Youtube Video.

In den ersten Tagen finden sich die wirklich interessierten Fans zusammen, danach folgt der Long Tail.

Auch der Film "Verdammnis" kommt in der Startwoche mit 102.205 Zuschauern und 2.359 Facebook Fans auf eine Conversion Rate von über 2%. Auch hier bleibt abzuwarten, wie der Film sich weiter entwickelt.

Soul-Kitchen war zur Stichprobe in den Charts nicht mehr vertreten. Doch aus den Vorwochen-Charts lies sich ablesen, dass Fatith Akins Komödie während der sechswöchigen Spielzeit 947.742 Zuschauer ins Kino zog. Bei 17.160 Facebook-Fans immerhin eine Conversion-Rate von etwa 1,8%. Völlig abgeschlagen blieb "Sherlock Holmes" zurück. Er bewegte lediglich 223 Fans auf die deutschen Facebook-Seite des Films.

Allerdings darf man sich von den Prozentzahlen der Conversion Rate nicht täuschen lassen.

Mit 25.767 Fans hat Avatar Direktkontakte in der Größenordnung einer Kleinstadt angesammelt, die zum DVD-Release direkt angesprochen werden können.

Insgesamt scheinen sich die erfolgreichsten Filme auf Facebook derzeit bei mittleren fünfstelligen Fanzahlen einzupendeln. Gleichzeitig deutet der Ausbruch von Sherlock Holmes in der Stichprobe darauf hin, dass im Kino erfolgreiche Filme auf Facebook "floppen" können. Umgekehrt jedoch zeigt sich, dass Soul Kitchen derzeit Facebook-affiner zu sein scheint als Avatar, zumindest wenn man das Verhältnis Fans zu Besuchern betrachtet.

Jedoch können die Facebook-Fan-Zahlen nie ganz sicher erhoben werden. Gerade bei US-Produktionen konkurrieren die Facebook-Seiten der einzelnen Länder, in denen der Film läuft, direkt miteinander.

Wenn die englische Sprache kein Problem ist, gibt es wenig Grund kein Fan der US-Seite zu werden. Zumal man dann vor seinen Freunden auf Facebook noch "cineastisches Gespür" beweisen kann ;-).

Meine Zahlenspielereien habe ich auf Google Docs abgelegt und bin gespannt auf eure Deutungen: http://spreadsheets.google.com/ccc?key=0AoXsyJfa-SvAdFR1S2ZSTElobWF0ZDlsb1l5QVF4NXc&hl=en

Interpretation

Auf den ersten Blick fand ich die Fan-Zahlen im Vergleich zu den Besucherzahlen erschreckend gering. Habe ich von Facebook (oder dem Hype um Facebook) zuviel erwartet?

Vielleicht bildet Facebook in so fern das Leben ab, als dass sich nicht jeder, der einen Film gesehen hat anschließend zum Fan erklärt. Für viele Filmbesucher ist Kino ein Konsum-Akt, der an der Kinokasse beginnt und beim Verlassen des Kinos endet.

Zudem wird wahrscheinlich nur der ein Facebook-Fan, der sich für den Film begeistert und bereits auf Facebook registriert ist. Ein Blick auf die Facebook-Seite von Avatar lässt sogar vermuten, dass die meisten Facebook-Fans erst Fan geworden sind, nachdem sie den Film gesehen haben. Die Pinnwand-Aktivität der Avatar Facebook-Seite ist voll von kurzen Kritiken, die nach dem Film abgegeben wurden. (Mir erscheint das logisch, denn wer wird schon Fan von etwas, dass er nicht kennt.)

Vor diesem Hintergrund glaube ich nicht, dass man jemanden dazu bewegen kann, sich bei Facebook zu registrieren, nur um Facebook--Fan eines Films zu werden.

Gleichzeitig gibt der Akt der Fanwerdung, der Klick auf den Button "Ein Fan werden" den Facebook-Fans eine ganz andere Wertigkeit. Sie sind kein anonymer Käufer einer Kinokarte mehr, die nach dem Kinobesuch wieder unsichtbar werden. Die Facebook-Fans haben ihr Interesse an dem Film aktiv ausgesprochen und sind über die Plattform individuell adressierbar. Sie sind vom Kontakt zum "Lead" geworden, der aktives Interesse an einem Angebot bekundet hat. Für die Filmbranche, die ihren Erfolg hauptsächlich nach der Masse der verkauften Kinokarten misst, ist der Direktkontakt eine relativ unbekannte Größe. Und aus Gesprächen mit Filmleuten habe ich erfahren, dass man oft nicht so recht weiß, was man einem Direktkontakt anderes als eine Kinokarte verkaufen soll. Die die meisten Facebook-Fans leider bereits gekauft haben.

Insights

Mein kurzes Eintauchen in die Facebook-Film Welt hat mir gezeigt, dass sich Blockbuster derzeit glücklich schätzen können eine mittlere fünfstellige Fanzahl um sich zu scharren.

Das macht deutlich, dass eine Facebook-Seite kein kurzfristiges Tool ist, um auf virale Reichweite und damit höhere Besucherzahlen zu hoffen.

Es gibt zwar eine unsichtbare Streuung von Empfehlungen, denn sobald ein Facebook Nutzer Fan einer Seite wird, werden seine Freunde kurz informiert.

Aber ich glaube man kann eher folgendes erwarten:

Mit der Aufmerksamkeitswelle des Marketings im Vorfeld des Films und während der ersten Wochen der Spielzeit lassen sich "nur" eine gewisse Zahl von Kontakten abschöpfen, deren Interesse an dem Film so groß ist, um freiwillig in Fans zu konvertieren.

Um so essentieller ist es, zwischen Werbekontakten und Direktkontakten auf Facebook zu unterscheiden. Die klassischen Werbeaktivitäten im Vorfeld eines Films bleiben wichtig, um Aufmerksamkeit zu schaffen. Sie haben stets den Nachteil, dass die Kontakte anonym bleiben und sich die wahren Fans nicht zu erkennen geben. Facebook hingegen erlaubt einen eigenen kleinen Fanclub aus Direkt-Kontakten zu entwickeln.

Daraus erwachsen zwei strategische Alternativen, wie die Filmbranche Facebook nutzen kann:

1. Die Fanclub Strategie mit Fokus Nachvermarktung

Die Fanclub-Strategie bedeutet, eine Facebook-Seite als Sammelplattform für bereits begeisterte Zuschauer zu betrachten. Ziel ist, einen direkten Kontakt zu den Besuchern aufzubauen, die für die Nachvermarktung interessant sind, weil die ein besonderes Interesse an dem Film geäußert haben.

Die Facebook-Seite wird im Kern eingerichtet, um Besuchern nach ihrem Kinoerlebnis ein Plattform zu geben. So gesehen können nicht nur Werbemittel (Anzeigen, Film-Website) auf die Facebook-Seite verweisen, sondern sogar der Abspann des Films.

Die Facebook Seite wird zur "öffentliche CRM-Datenbank" für den Anteil des Publikums, der sich wahrscheinlich sehr für DVD und Merchandising interessiert.

Der ROI der Facebook-Aktivitäten bemisst sich dann viel weniger in Kontaktzahlen oder verkauften Kinokarten als in den über die Plattform verkauften Artikeln. Die Fanclub-Strategie ist vor allem dann nützlich, wen kein großes Social Media Budget besteht und man auf Mitnahme-Effekte aus anderen Marketingaktivitäten angewiesen ist.

2. Die Fan-Building Strategie mit Fokus Vorvermarktung

Wenn das Ziel lautet, im Vorfeld des Kinostarts Aufmerksamkeit für einen Film zu erzielen, eignet sich Facebook (meines Erachtens) nur als langfristiges Tool.

Nur wenn die Facebook-Kommunikation vom ersten Drehtag an beginnt, und die Seite kontinuierlich mit Inhalten gefüttert wird, mag es für einige Filme möglich sein, eine Fanbasis zu schaffen. Diese ist dann bestenfalls so angeheizt, dass sie sich voller Erwartung auf den Film stürzt und als Multiplikator dient. Einige Filmleute sehen in dieser Fan Building Strategie bereits ein neues Finanzierungsmodell für den Indy-Film.

Ausblick

Im besten Fall folgen beide Strategien aufeinander und bilden einen Kreislauf. Doch ganz ohne ein zusätzliches Werbebudget kommt man in beiden Fällen nicht aus. Aus der Betreuung von Pizza.de auf StudiVZ haben wir bei Faktor 3 bewiesen bekommen, dass man auch Banner und Gewinnspiele braucht, will man eine Social Media Präsenz schnell bekannt machen. Es ist wie bei einer Party. Ohne eine Einladung kommt niemand.

Aber lassen sich die aufgezeigten Strategien auf andere Branchen jenseits der Filmbranche übertragen?

Letztlich drehen sich beide Strategien um Hunting (die Kunst Neukunden zu gewinnen) und Farming (die Kunden zu halten). Vor diesem Hintergrund kann man sich entlang der Filmbranche zumindest einige Fragen stellen:

Wie müsste ein Fanclub für ein Produkt aussehen, der besser funktioniert als für einen Film.
Wie muss ein Produkt entwickelt werden, um von Beginn der Entwicklungszeit an Fans zu überzeugen?

Und letztlich: Wie muss eine Agentur aufgestellt sein, die nicht nur Kontakte jagen sondern auch Beziehungen zu Fans aufbauen kann.

Rahmenbedingungen für Kreativität

2010-02-01T05:26:00.000-08:00

Spannend: Prof. Kruse spricht über Kreativität und bekommt graue Haare, wenn Berater behaupten kreative Kulturen schaffen zu wollen. Man kann nur die Rahmenbedingungen für Kreativität schaffen.
Wenn also die Aufgaben komplex, vernetzt und dynamisch werden, müssen die Lösungsteams ebenso komplex, vernetzt und dynamisch sein. Die Teilnehmer eines solchen Teams teilt Kruse in Creator (der "rumspinnt"), Owner ( der das Fachwissen mitbringt) und der Brooker (der weiß, wer etwas weiß). Zusammen bilden sie eine Gemeinschaft, die der Funktionsweise des Gehirns entspricht.

Und ganz nebenbei ist der Beschuss mit Fremdwörter ziemlich eloquent ;-)

Insightful: The Creative Method and Systems by @jted.

2010-01-28T07:35:00.001-08:00

Another great presentation from Jason Theodor on Creativity. I like his idea to describe the different types of personalities involved in creative processes.

Posted via web from creative*glasses

Great: Red Riding Hood Remix - Innovation Thru Storytelling (RT @elijau )

2010-01-28T07:18:00.001-08:00

It simply shows the power an potential in (transmedia) storytelling. Love it.

TNX to elijau for the tipp and an Jason Theodor, who wrote this presentation.

<img style="visibility:hidden;width:0px;height:0px;" border=0 width=0 height=0 src="http://counters.gigya.com/wildfire/IMP/CXNID=2000002.0NXC/bT*xJmx*PTEyNjQ2OTE2MjIwNTAmcHQ9MTI2NDY5MTYyMzg2MiZwPTEwMTkxJmQ9c3NfZW1iZWQmZz*yJm89ZjUwMGZkMjUzMzYx/NDVkMmExZGEyMTk1NjdmNjA5YmQmb2Y9MA==.gif" /><div style="width:425px;text-align:left" id="__ss_3009316">Red Riding Hood Remix<div style="font-size:11px;font-family:tahoma,arial;height:26px;padding-top:2px;">View more presentations from Jason Theodor.</div></div>

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Auswahl, Erlebnis, Erfahrung - Eine "einfache" Folie für den Start der Social Media Strategie.

2010-01-22T05:57:00.000-08:00

Meistens entstehen Erkenntnisse während man etwas ganz anderes tut.

Ich habe die letzten Stunden an einer Präsentation für einen Tourismuskunden bei Faktor 3 gearbeitet. Dabei ist mir die Idee für ein einfaches Modell zur Analyse von Inhalten, Marken und Produkten gekommen, das ich künftig für die Strategieentwicklung (insbesondere für Social Media) ausprobieren möchte.

Ursprünglich habe ich über diese beiden Fragen nachgedacht:

Wie verändert Social Media das Hotelerlebnis eines Gastes?
Wie kann ich diese Veränderung einfach visualisieren?

Mit Zettel und Stift bewaffnet, bin ich mental in die Vergangenheit gereist. Streng linear habe ich den Weg eines fiktiven Gastes vom Reiseanlass über die Auswahl des Hotels bis zum Einchecken nachgezeichnet bevor es Social Media gab.

In das entstandene "Hotel-Erlebnis-Script" habe ich dann eine zweite Spalte eingefügt und dort einige der Social Media-Aktivitäten eingetragen, die heute das Hotel-Erlebnis prägen: Bewertungsportale durchforsten, Twittern aus dem Hotelzimmer, Facebook in der Lobby etc.

Dabei ist mir ganz deutlich aufgefallen: Früher war die Zeit im Hotel (nach dem Check-In) ein "kommunikatives schwarzes Loch". Heute ist sie durch Social Media zur komplexen Dialogzeit geworden, die das Erlebnis entscheidend prägt.

In meiner Erinnerung konnte man früher vom Zimmer lediglich zuhause anrufen oder einen Fremden in der Bar ansprechen. Nun erlaubt die Konnektivität des Internets das eigene Erleben des Hotels permanent mit dem Bekanntennetzwerk zu sozialisieren. Das verändert die eigene Wahrnehmung und die meiner Freunde extrem. Ein Beispiel: Kann ich meinen Aufenthalt noch unbeeinflusst wahrnehmen, wenn der beste Freund zurücktwittert, warum man in einem so schlechten Hotel abgestiegen sei?

Allerdings hat mir die Linearität des Scriptes nicht gefallen. Schließlich wiederholen sich die Anlässe, ein Hotel zu buchen, im Laufe des Lebens.
So ist dieses Kreismodell entstanden. Es visualisiert nicht nur die Veränderungen. Es hat mir zudem mit zen-haftiger Klarheit die drei Phasen eines Hotelbesuchs vor Augen geführt hat: Auswahl, Erlebnis und Erfahrung.

Gut, habe ich im zweiten Moment gedacht. Jetzt habe ich mit viel Nachdenken einen einfachen Lern-Kreislauf in Power-Point aufgezeichnet, der sich für jeden Menschen zeichnen lässt - und der schon hundert mal gezeichnet wurde:

Wir haben ein Bedürfnis/einen Anlass eine Entscheidung zu treffen. Wir wählen (als soziale Wesen niemals unbeeinflusst) eine Option aus, nehmen das Erlebnis unserer Entscheidung wahr und machen eine Erfahrung, die uns bei der nächsten Auswahl (bewußt/unbewußt) steuert.

Doch in der Einfachheit dieser "Back to Basic"-Folie liegt auch ihr Charme. Das Modell lässt sich in Grundzügen auf jeden Inhalt, jedes Produkt, jede Marke und jeden Service übertragen.
An dem Modell lassen sich aktive und passive Kontaktsituationen mit Marke, Produkt und Inhalt ordnen (z.B. "In welcher Phase erfolgt der aktivste Dialog, werden die meisten Tweets abgesetzt?"). Weiterhin kann man mit dem Modell auch die gesammelten Mafo-Daten nach den äußeren und inneren Kontexte der Phasen aufgliedern.

Darüber hinaus stellt das Modell den Menschen in den Mittelpunkt - ohne seine soziale Vernetzung zu missachten. Und schon deshalb, glaube ich, lassen sich mit dem Modell genuine Social Media Anlässe herauskristallisieren. Es könnte also am Anfang jeder Social Media Strategie stehen und die Recherche bzw. den kreativen Prozess anleiten.

Und ganz nebenbei zeigt das Modell sehr anschaulich, dass sich "Marketing" nicht auf den Anlassmoment (Bedürfnis) und den Auswahlprozess beschränken sollte.

Im Zeitalter des Real-Time Kommunikation durch sozialen Netzwerken konzentriert sich ein Großteil des Dialogs auf die Erlebnisphase eines Menschen, die immer über das Social Web mit der Auswahl- und Erfahrungsphase seines gesamten sozialen Netzwerks verknüpft ist.

(Deshalb beschäftige ich mich als Planner auch immer wieder mit des Idee des Experience Designs.)

Unboxing Videos sind ein gutes Beispiel, wie die Erlebnisphase zu einer Kommunikationsphase wird. Sie stilisieren das Auspacken eines Produktes zum öffentlichen Fetisch.

Insgesamt hat mir das Model zwei Herausforderungen für Werbung und PR deutlich gemacht:

1. Es muss ein Ziel sein, das Erlebnis (und die Erfahrung) sichtbar in sozialen Netzwerken zu kanalisieren. Die voreingestellte Email-Signatur des iPhone lautet "Send with my iPhone". Ein gutes Beispiel dafür, wie das Verständnis der Erlebnisphase zu einer geschickten Marketing Idee geführt hat.

2. Das Modell hat mir sichtbar gemacht, dass sich Werbung und PR nicht mehr allein auf den Anlass und die Auswahlphase konzentrieren dürfen. Angelehnt an Amir Kassaeis Manifesto, denke ich, dass es immer mehr darum geht als "Creative Consultants" auch die Erlebnis- und Erfahrungsphasen im Umgang mit einem Produkt, Inhalt, Service durch emotionales Storytelling aktiv mitzugestalten.
Das heißt aber auch, dass sich Design und Marketing und Produktentwicklung weiter annähern werden müssen, um Produkten mit Ideen und Stories zu bewegenden Erlebnisse zu inszenieren, die sich positiv rumsprechen.
Apropos Manifest: Das Design-Magazin @Issue verfasste kürzlich ein "Experience Manifesto". Darin wird von Industrie Designern gefordert in Erlebnissen zu denken. Und einige der Forderungen ähneln denen von Kassaei.

Chart your organisation and operation.

2010-01-19T02:02:00.001-08:00

Some days ago @issue featured a blog post on Walt Disney's creative organisation chart. It describes the workflow of several departments during the production of a movie and has caused a small buzz on twitter.

@issue wrote:

In 1943, five years after it was founded and during the height of World War II, Walt Disney Studios put out an organization chart to explain how the company functioned. What’s fascinating is how it differs from org charts issued by most corporations. Typically, corporate org charts are hierarchical, with each operating division isolated into “silos” showing job titles according to reporting chain of command and ultimate authority. The CEO and SVPs get the higher positions and bigger boxes; the little boxes represent the expendable worker “bees.”

But some of the article's commentators have mentioned, that this comparison is not accurate. A small line at the bottom of the chart states: "This Chart Designates Operations Not Authorities." And I'am sure that Disney has an hierarchical chart as well (Does anybody know this for sure?).

Nevertheless the chart has some interesting aspects:

It shows a common goal for the hole staff. The production of a movie starts with a story (creative staff) and needs the enthusiasm of the whole workforce to get it into the cinema. This is crucial because a common goal creates a counterbalance to the allocation of authorities (as shown in every organisational chart). It unites the team, because it shows clearly that creativity, production and management are equally important to reach the common goal. And it might help "those in power" to decide more in favor of the common goal than in favor of their job-titles.

Today many companies are very engaged in thinking about their organisation and the allocation of power and titles. The Disney-chart from 1943 asks us to think about operations as well. What is the common goal of our work? How do we need to collaborate to reach these goal? What kind of people have to work together? And if the result of our work changes (like social media changes the results of ad-agencies), perhaps it is time to rethink operations first before the organisational chart is rewritten.

It would be intersting to know, if the Disney chart could be adopted to describe operations within agencies.

Posted via web from creative*glasses

creative*glasses

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